Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

The Kooks

The Kooks – Inside In/Inside Out (2006)

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Puntaje Del Disco: 9

  1. Seaside: 9
  2. See the World: 8
  3. Sofa Song: 8,5
  4. Eddie’s Gun: 8
  5. Ooh La: 9,5
  6. You Don’t Love Me: 9
  7. She Moves in Her Own Way: 9
  8. Matchbox: 7,5
  9. Naïve: 9,5
  10. I Want You Back:8
  11. If Only: 7
  12. Jackie Big Tits: 8,5
  13. Time Awaits: 7
  14. Got No Love: 7,5

The Kooks es una banda británica post-punk revival como Kaiser Chiefs, The Libertines, Arctic Monkeys, etc, oriunda de la ciudad de Brighton pero tienen como particularidad que además de tener temas de ese estilo abundan las baladas y temas melódicos de muy buena calidad como sello distintivo, saben jugar con las voces y unir el indie con un pop rock, y la voz con un tono alto de su cantante y líder Luke Pritchard, hace que su música sea más enérgica.

A poco tiempo de comenzar a tocar juntos la banda consiguió un contrato con la discográfica inglesa Virgin Records para grabar un demo con sus canciones. El demo se convirtió en su primer álbum llamado Inside In/Inside Out y saldría a la venta en Inglaterra el 23 de enero del 2006. El disco fue un todo un éxito. Estando medio año en el ranking top 20 de ventas en Reino Unido, vendiendo más de 1.000.000 y con cifras mayores a nivel mundial.

El disco pasa por momentos muy buenos y otros no tanto comienza con la acústica “Seaside”, pasando por temas más movidos como “Sofa Song”, el primer single “Eddie’s Gun” y la hermosa “Ooh La” con estribillos tipicos del grupo que se repiten en otros muy buenos temas de este estilo como “Naive”, “She Moves in Her Own Way”, “You Don’t Love Me” y tambien pasa por momentos menos felices como el unico del disco que supera los 4 minutos “Time Awaits”.

En definitiva luego de un muy buen primer trabajo The Kooks se convirtió en uno de los grupos más promisorios y convocantes en Gran Bretaña y lo confirmarían con su segundo trabajo Konk, haciendo bandera en el Indie rock de esta década pero por suerte nunca abandonando el rock clásico.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Kaiser Chiefs

Kaiser Chiefs – Employment (2005)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Everyday I Love You Less And Less: 9
  2. I Predict A Riot: 9
  3. Modern Way: 8,5
  4. Na Na Na Na Naa: 7,5
  5. You Can Have It All: 6,5
  6. Oh My God: 8,5
  7. Born to Be A Dancer: 8
  8. Saturday Night: 8
  9. What Did I Ever Give You: 7
  10. Time Honoured Tradition: 6,5
  11. Caroline, Yes: 8
  12. Team Mate: 8

Kaiser Chiefs es una banda proveniente de Leeds, formada en 1997. El grupo está integrado por Ricky Wilson (voz), Andrew ‘Whitey’ White (guitarrista), Simon Rix (bajista), Nick ‘Peanut’ Baines (sintetizador y teclado) y Nick Hodgson (batería).

En el 2005 lanzarían su primer disco, Employment, el cual contenía singles que habían sido publicados previamente, Oh My God y I Predict A Riot, los cuales le permitieron darle un empuje inicial a la banda a la hora de ubicarse en los charts.

Centrandonos en Employment, este se caracteriza por tomar sonidos de post punk combinados con britpop de los 90, muy propios de su influencia.

Por otro lado, a pesar de ser un disco que presenta ciertas irregularidades, también se denota cierta ambición y actitud de la banda en sus temas. En otras palabras, no es una obra maestra pero ciertamente es un buen disco de Indie rock, en el cual se pueden encontrar números efervescentes y pegadizos como Everyday I Love You Less And Less, Modern Way y los ya mencionados I Predict A Riot y Oh My God. Casualmente, estos 4 cortes serían relanzados como sencillos para promocionar a Employment.

Para finalizar, Kaiser Chiefs cierra este disco repleto de temas «movidos» con su canción más tranquila, Team Mate, emulando a Oasis cuando ubicó como último corte a Married With Children en Definitely Maybe. A pesar de la referencia, Employment podrá ser un buen arranque para este grupo, pero no es comparable con el debut revolucionario que significó Definitely Maybe, ni tampoco supera a varios trabajos de britpop e Indie rock del período.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
The Bravery

The Bravery – The Bravery (2005)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. An Honest Mistake: 9
  2. No Brakes: 8,5
  3. Fearless: 9
  4. Tyrant: 8
  5. Give In: 7
  6. Swollen Summer: 8,5
  7. Public Service Announcement: 9
  8. Out of Line: 7,5
  9. Unconditional: 8
  10. The Ring Song: 8,5
  11. Rites of Spring: 6,5
  12. Hot Pursuit: 8,5

Formados en el apogeo del post punk neoyorquino de principios de esta década con The Strokes como abanderados en el 2003 Sam Endicott (cantante y guitarra), John Conway (teclados), Anthony Burulcich (bateria), Michael Zakarin (guitarra), y Mike H. (bajo) formaron The Bravery influenciados no solo por el indie rock instalado en el mercado sino también por grupos emblemáticos de los 80 como New Order, The Smiths, Duran Duran y The Cure, dándole un estilo mucho más movido y bailable a sus temas.

Este quinteto neoyorquino irrumpió en los escenarios a comienzos de 2003. Tras tocar su primer concierto en el Stinger Club en Brooklyn, el post-punk influenciado por rock bailable de The Bravery estaba de moda. Los buenos comentarios los llevaron a firmar un contrato discográfico con Island en Estados Unidos y con Loog en Reino Unido. Su primer trabajo The Bravery saldría al mercado a principios del 2005 con bastante buena recepción y ayudados en su difusión por una pelea mediática del líder de la banda Endicott con el cantante de The Killers Brandon Flowers.

En cuanto a lo musical este primer álbum es un más que decente debut. De la mano de hits como “An Honest Mistake” y “Public Service Announcement” obtubo mucha difusión a nivel mundial, pero otros temas como “Fearless”, “No Brakes”, “Swollen Summer” y “Hot Pursuit” merecen ser destacados.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)
The Clash

The Clash – The Clash [US] (1979)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Clash City Rockers: 9
  2. I’m so Bored with the U.S.A.: 7,5
  3. Remote Control: 7,5
  4. Complete Control: 8
  5. White Riot: 8
  6. (White Man) In Hammersmth Palais: 9
  7. London’s Burning: 8
  8. I Fought The Law: 8,5
  9. Janis Jones: 7,5
  10. Career Opportunities: 7
  11. What’s My Name: 6,5
  12. Hate & War: 7
  13. Police & Thieves: 7
  14. Jail Guitar Doors: 6,5
  15. Garageland: 6,5

The Clash es otro de los discos debut punk surgido en los 70 y catalogado de «revolucionario». El verdadero año de lanzamiento de este disco fue en 1977, sin embargo, el disco fue reeditado en una versión americana en 1979. Esta nueva versión se caracteriza porque quita 4 cortes de la edición británica original, Deny, Protex Blue, Cheat y 48 Hours y los reemplaza por 5 singles Complete Control, (White Man) In Hammersmith Palais, Clash City Rockers, I Fought the Law y Jail Guitar Doors.

El álbum debut de The Clash es como una mezcla intermedia entre el primer disco de los Ramones y el primero de los Sex Pistols, porque demuestran mucha «actitud» de principio a fin pero no tan voraz y atrapante como lo fue Nevermind The Bollocks, y al mismo tiempo es un punk que se torna monótono como lo fue el inicial de los Ramones (aunque no tan limitado). Por otro lado, es un disco con un claro mensaje de enfado y desencanto propio de su ideología, como en I’m so Bored with the U.S.A., London’s Burning y Career Opportunities, temas cuyos nombres hablan por si mismos.

The Clash está estructurado de forma tal en que uno puede escuchar las mejores canciones en la primero mitad, destacándose el primer corte Clash City Rockers y (White Man) In Hammersmth Palais entre otros. Después de I Fought The Law, el álbum baja su nivel. En el segundo tramo del disco, son todas canciones tirando a decentes pero bastante genéricas. Son temas que agotan porque se tornan vacíos y repetitivos. Son para escucharlos una vez y no recordarlos nunca jamás.

Todo esto hace que The Clash sea simplemente un buen record, pero musicalmente es poco variado y claramente inferior a trabajos posteriores de la banda como London Calling.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Bob Dylan

Bob Dylan – Blonde On Blonde (1966)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Rainy Day Women #12 & 35: 8,5
  2. Pledging My Time: 8
  3. Visions Of Johanna: 9,5
  4. One Of Us Must Know (Sooner or Later): 10
  5. I Want You: 9,5
  6. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again: 9
  7. Leopard-Skin Pill-Box Hat: 8
  8. Just Like A Woman: 10
  9. Most Likely You Go Your Way And I’ll Go Mine: 8
  10. Temporary Likes Achilles: 7,5
  11. Absolutely Sweet Marie: 8,5
  12. 4th Time Around: 8,5
  13. Obviously 5 Believers: 8
  14. Sad Eyed Lady Of The Lowlands: 9,5

Luego del sublime Highway 61 Revisited, Robert Zimmerman, se prepararía para lanzar otro record, el cual fue grabado en Nashville, donde contó con la colaboración de sus amigos de The Band: Robbie Robertson y Levon Helm. El resultado fue uno de los trabajos más exitosos de su carrera, Blonde On Blonde, el cual fue finalmente lanzado como álbum doble en donde Bob Dylan ratifica y finaliza la etapa de electrificación de su sonido.

Musicalmente, Blonde On Blonde se caracteriza por varias cosas. En primer lugar, es un disco más tranquilo que Highway, en el cual enfatiza tanto en el blues como en el folk y el country. También, es muy poético y más surrealista. Por otro lado, es una colección de clásicos del cantautor, donde se destacan hermosas baladas como “Visions Of Johanna”, “Just Like A Woman” y “Sad Eyed Lady Of The Lowlands”. Además, canciones como las mencionadas tienen una carga emotiva personal en sus letras. “Just Like A Woman” vendría a ser una segunda parte de “Like a Rolling Stone”, ya que la misma se remite a la relación que Dylan tuvo con “la chica Warhol” Edie Sedgwick. Mientras que el último tema de Blonde On Blonde, “Sad Eyed Lady Of The Lowlands”, es una canción acústica y extensa que Bob dedicó obviamente a su esposa Sara Lowlands.

Del resto de las canciones me quedo principalmente con “I Want You” y “One Of Us Must Know”, ya que tienen las melodías que más me gustan de Blonde On Blonde. De ellas me encanta especialmente “One Of Us Must Know” por su estribillo, cada vez que Dylan canta “Sooner or Later one of us must Know” es conmovedor. También se destaca el estribillo de “Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again” y puedo decir que  “Rainy Day Women” es un tema para borrachos. Por otro lado, el blues en Blonde on Blonde está presente en cortes como “Pledging My Time” y “Leopard-Skin Pill-Box Hat”, demostrando que este disco tiene de todo.

Meses después de publicar este excelente trabajo que lo consolidaría aún más como ídolo, Bob Dylan sufriría un accidente en su moto que lo mantendría al margen de la vida pública por un tiempo.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 5)
Portishead

Portishead – Dummy (1994)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Mysterons: 8
  2. Sour Times: 8,5
  3. Strangers: 9,5
  4. It Could Be Sweet: 7,5
  5. Wandering Star: 8,5
  6. It’s a Fire: 8
  7. Numb: 8,5
  8. Roads: 9
  9. Pedestal: 9
  10. Biscuit: 9
  11. Glory Box: 10

Portishead no invento el trip-hop pero fueron los primeros en popularizarlo principalmente en Estados Unidos, junto a los también procedentes de Bristol Massive Attack son los representantes más importantes del género que a partir de mediados de los noventa fue muy importante en la escena musical.

En 1994 saldría el primer trabajo de Portishead, Dummy, para ello la cantante Beth Gibbons y el tecladista Geoff Barrow contaron con la participación del guitarrista Adrian Utley. A pesar de la nula campaña de publicidad de la banda, el álbum fue un éxito en Estados Unidos y Europa es considerado un clásico y de gran influencia en la música de los noventa.

El disco es un brillante debut plagado de maravillas con hipnóticos ritmos, riffs melódicamente hirientes y de samplers raros donde el trío se encuentra y fusiona de la mejor manera con muy buenas atmósferas creadas por Utley y el teclado de Barrow le da la mejor base para el lucimiento de Gibbons y su perfecta voz. Comienza con todo con los sonidos espaciales de “Mistertons”, sigue con el majestuoso sampler de una canción del músico clásico Lalo Schiffrin en “Sour Times” y con uno de los mejores temas del grupo de Bristol “Strangers”. Para el final del álbum se viene lo mejor una andanada de temas muy buenos desde “Roads” hasta el final perfecto con “Glory Box”.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)
U2

U2 – The Joshua Tree (1987)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Where The Streets Have No Name: 9,5
  2. I Sill Haven’t Found What I’m Looking For: 9
  3. With Or Without You: 10
  4. Bulet The Blue Sky: 9,5
  5. Runing To Stand Still: 9
  6. Red Hill Mining Town: 8,5
  7. In God’s Country: 8
  8. Trip Through Your Wires: 8
  9. One Tree Hill: 8
  10. Exit: 7
  11. Mothers Of The Disappeared: 8,5

U2 siguió avanzando a lo largo de los 80. Después del paso que dieron con The Unforgettable Fire en 1984, tres años más tarde llegaría el que para muchos críticos y oyentes fue su obra cumbre: The Joshua Tree.

A pesar de ser caratulado de tal manera, The Joshua Tree no es un disco verdaderamente innovador si se lo compara con sus trabajos anteriores, ni tampoco se destaca por ser “rockero” o intenso como lo fue “War”. Es un álbum en el que U2 terminaría de delinear su personalidad antibélica, consolidando un estilo y su propio sonido. Por otro lado, su “acierto” fue aparecer en una época “vacía” (salvando algunas gratas excepciones) como lo fue la década de los 80.

Dentro de ese contexto, The Joshua Tree es un trabajo excelente, en el cual se destacan especialmente la seguidilla de singles iniciales. Por algún motivo ubicaron sus temas más reconocidos al principio, costumbre que se repetiría en otros discos como All That You Can’t Leave Behind.

De los mencionados, “Where The Streets Have No Name” y “I Sill Haven’t Found What I’m Looking For” son clásicos tremendos de la banda y eso que son más o menos la misma canción (la segunda es un poco más lenta pero igual de genial). Por otro lado, “With Or Without You” es una balada hermosa, históricamente de las más aclamadas por el público junto a otras como “One”.

Pasado este primer aclamado tramo, parece que todo termina pero The Joshua Tree tiene más para ofrecer. Además de estos cortes de difusión, se destaca por ser un producto relativamente sólido como lo fue War. De esta forma nos topamos con temas infravalorados como: la balada con piano “Running To Stand Still”; “Red Hill Mining Town”, un mini hit con su encanto especialmente en su estribillo; “Bullet The Blue Sky”, un temaso con una atmosfera cruda y avasalladora que lo convierte en la pieza más rockera del álbum; e incluso “Mothers Of The Disappeared”, con su atmosfera cálida, simple y tranquila.

A partir del éxito de este disco, U2 terminaría transformándose en el grupo más importante de la segunda mitad de la década de los ochenta, rotulo que lo ayudaría a mantener su vigencia en la actualidad.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Massive Attack

Massive Attack – Blue Lines (1991)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Safe from Harm: 9
  2. One Love: 8,5
  3. Blue Lines: 8
  4. Be Thankful for What You’ve Got: 8
  5. Five Man Army: 9
  6. Unfinished Sympathy: 9,5
  7. Daydreaming: 9
  8. Lately: 8,5
  9. Hymn of the Big Wheel: 9

Massive Attack se formó en la ciudad de Bristol, Inglaterra a principios de la década pasada. Son considerados los padres del trip-hop (Corriente musical de la década del 90, se basa en música electrónica downtempo que salió de la escena británica de hip hop, jazz y house).

En 1991 el grupo de Bristol edito su primer trabajo Blue Lines, con poco éxito comercial pero con mucho reconocimiento de los críticos especializados y con el correr de los años el disco se transformaría en uno de los discos más influyentes de la industria británica de los noventa, inspirando otros grupos importantes como Portishead y Morcheeba. El grupo se caracteriza por tener diferentes vocalistas en los temas en esta oportunidad se encargaron de poner sus voces en las canciones virtuosos de la música como Shara Nelson, Horace Andy, Tricky y Tony Bryan, además de dos de los integrantes de Massive Attack: Robert Del Naja y Grant Marshall. Las mejores canciones del álbum son la obra maestra “Unfinished Sympathy”, los temas “hip hoperos” con Tricky “Daydreaming” y “Five Man Army”, “Safe from Harm” con la hermosa voz de Shara Nelson y el majestuoso cierre “Hymn of the Big Wheel”.

Blue Lines sería un debut más que auspicioso generaría cambios en la industria musical mundial imponiendo un nuevo género y estilo, colocando a Massive Attack como una referencia obligada y un grupo a tener en cuenta en sus siguientes trabajos que estarían a la altura del disco debut.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Black Sabbath

Black Sabbath – Black Sabbath (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Black Sabbath: 9
  2. The Wizard: 8
  3. Behind The Wall Of Sleep: 8
  4. N.I.B.: 9
  5. Evil Woman: 8
  6. Sleeping Village: 7,5
  7. Warning: 8
  8. Wicked World: 7,5

Black Sabbath es una de las grandes bandas de hardrock junto a Led Zeppelin y Deep Purple surgida a finales de los sesenta, y también considerada una de las precursoras del heavy metal.

En 1970, este grupo encabezado por el famoso cantante Ozzy Osbourne, que contaba además con el guitarrista Tony Iommi, el bajista Geezer Butler y con Bill Ward en la bateria, lanzaría su primer álbum: Black Sabbath.

Black Sabbath es un más que decente disco debut de puro hardrock. El disco rockea de manera uniforme, y ya desde el primer corte desprende esa “magia negra” representativa del grupo, que lo llevó a ser catalogado como “satánicos”. El tema que lleva el nombre del disco, uno de los mejores, es una fiel muestra por aire siniestro inicial. The Wizard es otro número de ese estilo que se relaciona con su fanatismo con el demonio. Su misticismo también está presente en N.I.B. cuya letra habla sobre tentaciones demoníacas y menciona a Lucifer.

En este álbum no todo el material es propio de Sabbath, también hay muy buenos covers como Evil Woman de los Crows y Warning de Ashley Dumbar Band.

Por otro lado, a lo largo del tiempo, este LP fue remasterizado y los 8 cortes que tienen ante ustedes antes eran solo 5, habiendo temas que estaban unidos formando uno, como Sleeping Village y Wicked World.

De esta forma Black Sabbath seria el punta pie inicial de una seguidilla de grandes discos que lanzarían en los setenta, destacándose Paranoid como uno de los más ilustres entre todos.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Queen

Queen – A Night At The Opera (1975)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Death on Two Legs (Dedicated to…): 8
  2. Lazing on a Sunday Afternoon: 7
  3. I’m in Love with My Car: 9
  4. You’re My Best Friend: 8
  5. 39: 9
  6. Sweet Lady: 7
  7. Seaside Rendezvous: 8
  8. The Prophet’s Song: 8
  9. Love of My Life: 9
  10. Good Company: 7
  11. Bohemian Rhapsody: 10
  12. God Save the Queen: –

Tras bordear el heavy metal con el disco Sheer Heart Attack, Queen rompería los moldes en 1975 con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: A Night At The Opera. Siendo la grabación más costosa hasta ese momento y tomando el nombre del título de una película de los hermanos Marx, este material alcanzó la cima de los charts británicos durante nueve semanas y el número 4 en los Estados Unidos, donde además se convirtió en Triple Platino.

En Death on Two Legs (Dedicated to…) Mercury despliega toda su rabia contra el ex manager de la banda, Norman Sheffield, quien había maltratado al grupo y abusado de su rol como tal. Para evitar problemas legales se decidió quitar la dedicatoria de la canción; aunque Freddie siempre se acordaba de Sheffield en sus presentaciones en vivo. Lazing on a Sunday Afternoon es otro tema de la autoría del cantante que hace rememorar a un típico music hall inglés. Con un estilo parecido se encuentra también Seaside Rendezvous.

A cargo del baterista Roger Taylor, I’m in Love with My Car es su contribución más famosa en el repertorio de Queen. Tanto es así que incluso en las actuales giras de Queen+Paul Rodgers, Taylor sigue mostrando el amor hacia este Triumph TR4. También John Deacon aportaría su parte en este disco con  You’re My Best Friend; una linda canción de amistad similar en cuanto a la temática a Friends Will Be Friends.

La letra de 39 relata la historia de un hombre que tras regresar de la Segunda Guerra Mundial, sufre el efecto de la Teoría de la Relatividad de Einstein, con lo cual su vida transcurre más lentamente que sus familiares. En consecuencia no los encuentra vivos y debe convive con sus herederos en tiempos que nunca pensó que viviría.

Sweet Lady presenta un riff interesante similar a Tie Your Mother Down mientras que The Prophet’s Song (la canción más larga de la banda) es una heavy y oscura canción con fuerte influencia de rock progresivo.

Cuando en los recitales Brian May tomaba su guitarra acústica el público sabía qué canción se aproximaba; nada menos que Love Of My Life. Esa hermosa melodía compuesta por Freddie se ha convertido no sólo en la más versionada sino también en propiedad exclusiva de los fanáticos durante los grandes conciertos que Queen ofrecía.

Por último y a modo de conclusión del disco, se incluye uno de los grandes emblemas en la carrera de la banda: Bohemian Rhapsody. Una magnífica pieza que incluye los estilos por los que transita el álbum. Comenzando con la plegaria de Freddie por no irse del mundo, pasando por los galileos a cargo de los cuatro integrantes hasta ese electrizante sonido del final.

A Night At The Opera es una obra maestra de Queen y deja de manifiesto la grandeza de la banda que supo conquistar al mundo con su música, sus recitales y el carisma del gran Freddie Mercury.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)