Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Spoon – Hot Thoughts (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Hot Thoughts: 9
  2. WhisperI’lllistentohearit8
  3. Do I Have to Talk You Into It: 8,5
  4. First Caress8,5
  5. Pink Up: 8
  6. Can I Sit Next to You: 8,5
  7. I Ain’t the One: 9
  8. Tear it Down: 9
  9. Shotgun: 8
  10. Us: –

Spoon es una banda relativamente veterana del Indie Rock, contemporáneos de nombres como The Strokes y Franz Ferdinand, podría llegar a pensarse que ya han dado lo mejor que tenían que ofrecer. No obstante contrario a esto, han sido una banda de las más consistentes en los últimos quince años. Particularmente al entrar sus miembros a la edad de los cuarentas, esta alineación a cobrado una madurez artística y una creatividad que hiciese parecer que son una banda fresca recién salida del horno. Con They Want My Soul se facturaron uno de sus mejores discos y con este nuevo Hot Thoughts han vuelto a reafirmar su enorme momento.

Para este lanzamiento Spoon volvió a contar con las vitales labores en producción de Dave Fridmann (The Flaming Lips, Mercury Rev, Weezer, MGMT) quien resulta tan importante como la labor de los músicos en crear un sonido expansivo y de alta claridad instrumental. Pero lejos de repetir la fórmula de su anterior disco, los Texanos se adentran a profundidad en el Art Rock y el Ambient, de modo que por primera vez dejan que sean las melodías el punto focal de gran parte del disco, con menos dependencia hacia las vocales de Britt Daniel. Tanto les gustó el trabajo musical que el cierre del disco es una especie de medley puramente instrumental formado con las múltiples estructuras musicales que aparecen en las canciones.

En este aventurado trabajo, lo más tradicional que encontramos son “Can I Sit Next to You” un modernista tema que avanza al ritmo de un sencillo ritmo de guitarra y el percusivo “Do I Have to Talk You Into It”, “Shotgun” igualmente es una clásica canción de Spoon, siguiendo el patrón de rock alternativo que siempre les ha dado resultado. Pero fuera de ahí hay variantes que hacen de este disco singular en la discografía de la banda. No vayamos más allá del tema del título, “Hot Thoughts”, impregnado de Electrónica, con Britt metiendo vocales sobrepuestas y dejando que la tecnología haga sus maravillas. Así mismo “WhisperI’lllistentohearit” continúa persiguiendo ese sonido electrónico basándose en paredes de sintetizadores y “Pink Up” culmina la experimentación siendo un tema experimental y casi totalmente instrumental.

Es en la segunda mitad donde se encuentran dos de los temas que en lo personal me resultaron más interesantes, me refiero a “Ain’t the One” y “Tear it Down”. El primero es una melancólica pieza basada nuevamente en los sintetizadores, donde Britt Daniel se explaya con una interpretación vocal muy emotiva, sacando a relucir como su propia voz puede ser un instrumento poderoso dentro de ese esa instrumentación minimalista que tan bien le funciona a la banda. “Tear it Down” por su parte es lo contrario, una canción upbeat que sigue el ritmo del teclado, haciendo un llamado que pareciese hacer referencia a la subida al poder de Donald Trump en los Estados Unidos, el efectivo estribillo (quizás el mejor del disco) no pudiera ser más claro “Let them build a wall around us, i don’t care i’m gonna tear it down”.

Al final el disco deja un gran sabor, y con expectativas de seguir escuchando cómo evoluciona Spoon. Mas por lo pronto con toda confianza podemos asegurar que este Hot Thoughts es uno de los mejores discos de este año y una digna adición a la colección de todo Indie-Rocker.

Gera Ramos

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Queens of the Stone Age – Villains (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Feet Don’t Fail Me8,5
  2. The Way You Used to Do: 7,5
  3. Domesticated Animals8,5
  4. Fortress8
  5. Head Like a Haunted House7,5
  6. Un-Reborn Again: 9
  7. Hideaway8,5
  8. The Evil Has Landed: 8,5
  9. Villains of Circumstance7

Josh Homme y sus compañeros de ruta vuelven después de unos años de ausencia, en ellos se dieron varios gustos con sus proyectos paralelos y colaboraciones, por ejemplo Homme haciendo dupla con Iggy Pop en 2016 con su elogiado, Post Pop Depression o Dean Fertita con su otra banda The Dead Weather con la que grabó Dodge and Burn en 2015.

En Villains, su séptima placa, Queens of the Stone Age continúa con su sonido reconocible de rock potente como marca registada pero con un toque más accesible y glamoroso, gracias al sello de la flamante incorporación en la producción del popular Mark Ronson (Adele, Amy Winehouse, Bruno Mars, entre otros).

Nunca Queens Of The Stone Age sonó tan bien, principalmente porque el trabajo melódico es exquisito. Esta renovación está lejos de sus mejores producciones y para muchos de sus seguidores resultó un paso atrás, pero también resulta alentador y refrescante que sumen variantes a sus ya probadas habilidades.

Quienes esperen el rock que domina sus entregas anteriores no estarán conformes y necesitarán un tiempo para acostumbrarse a esta nueva versión de la banda, pero este camino de canciones “tarareables” quizás les permita pisar con más fuerza y convertirse en una banda aún más convocante en el futuro.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Ray Davies – Americana (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Americana: 9
  2. The Deal: 9
  3. Poetry: 8,5
  4. Message From the Road: 7
  5. A Place in Your Heart: 9
  6. The Mystery Room: 8
  7. Silent Movie:
  8. Rock ‘N’ Roll Cowboys: 8
  9. Change for Change: 8
  10. The Man Upstairs:
  11. I’ve Heard That Beat Before: 7
  12. A Long Drive Home to Tarzana: 8
  13. The Great Highway: 7
  14. The Invaders: 7
  15. Wings of Fantasy: 7,5

¡¡Ray Davies está de vuelta!! Y viene en forma de tazos! Perdón, digo y viene en una versión renovada, que ni bien la escuchamos nos hace añorar cuánto se lo extrañó como músico. Hacía alrededor de 10 años que no presentaba un disco conformado con composiciones nuevas personales. Y en esta reaparición Ray se dedica a rendirle homenaje a la cultura americana (de ahí el nombre del disco), a su música, a su cine y a sus ciudades.

De esta forma, lo interesante de Americana es que el mayor de los Davies hace un disco que tiene influencias country, pero con la impronta de los Kinks muy presente en cada uno de los temas.  El mejor ejemplo es el tema que lleva el nombre del disco. Así Ray ofrece muy buenas melodías de Pop Rock y sus mejores composiciones en muchos años, resaltandose principalmente la primera mitad del álbum con canciones como “The Deal”, “Poetry” y «A Place in Your Heart» (destacable la interpretación vocal de Karen Grotberg)  que tienen un innegable encanto kinksiano.

Como defecto podemos decir (además que puede asquear un poco la bandera Yankee de fondo) que es un disco bastante largo, por lo que decae un poco en su nivel sobre el final. De todas formas se mantiene lo suficientemente estable y su calidad es un testamento del retorno de un grande en su mejor forma, Ray Davies.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Pink Floyd – More (1969)

Puntaje del Disco: 6

  1. Cirrus Minor: 7,5
  2. The Nile Song: 5
  3. Crying Song: 6
  4. Up The Khyber: 5
  5. Green Is The Colour: 8
  6. Cymbaline: 8,5
  7. Party Sequence:
  8. Main Theme: 6
  9. Ibiza Bar: 5,5
  10. More Blues: 6,5
  11. Quicksilver: 4
  12. A Spanish Piece:
  13. Dramatic Theme:

Pese a no tener ya a Syd Barrett en sus filas, la formación de Pink Floyd ya consolidada con Gilmour como guitarrista y Waters como principal compositor tuvo su álbum fumado en 1969, que en este caso se trató de un soundtrack de una película francesa llamada More.

En More podemos apreciar distintas caras de Floyd. Por un lado, tenemos al Pink Floyd que ofrece canciones atmosféricas sin mucha gracia ni grandes atractivos que se nota que fueron hechos para ser parte de la música de fondo de la película. En este tipo de temas encontramos la faceta más aburrida de la banda en “Quicksilver”, que es la NADA misma atmosférica de más de 7 minutos de duración.

Por otro lado, tenemos al Floyd ridículo, en “The Nile Song” y en “Ibiza Bar”, que son más o menos la misma canción, donde intentan hacer heavy rockers que los hace parecer un grupo de los ochenta de poca monta.

Y por último, tenemos la parte de Folk psicodélico de Pink Floyd que es justamente la que más vale la pena del disco, y que materializan lo mejor de la banda en “Green Is The Colour” y “Cymbaline”.

En definitiva, se nota que More fue hecho para un soundtrack, y que la banda todavía no estaba explotando todo su potencial. Por eso es un disco que es pasable a duras penas, con sus pocos momentos de lucidez interesantes.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

The Offspring – Americana (1998)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Welcome:
  2. Have You Ever: 7,5
  3. Staring at the Sun7,5
  4. Pretty Fly (for a White Guy)8
  5. The Kids Aren’t Alright: 8,5
  6. Feelings7
  7. She’s Got Issues: 7,5
  8. Walla Walla: 6,5
  9. The End of the Line7
  10. No Brakes: 6
  11. Why Don’t You Get a Job?: 7
  12. Americana8
  13. Pay the Man: 8

Americana (1998), fue el álbum encargado de hacer sonar a The Offspring por todo el planeta y los singles “Pretty Fly (for a White Guy)”, “The Kids Aren’t Alright”, “Why Don’t You Get a Job?” y “She’s Got Issues” fueron la principal razón de este suceso que los hizo pasar directamente del universo alternativo norteamericano al mainstream rock mundial.

Grabado en los estudios en Eldorado, California con el mismo productor que los acompaño en su antecesor Ixnay on the Hombre, Dave Jerden, Americana no fue un cambio radical de lo que venían haciendo. Según su líder Dexter Holland la idea no fue reinventarse, sino expandir horizontes pero que no concebía la idea de que una banda tenga que cambiar en cada disco. La mayoría apuntan al punk rock alternativo clásico de la banda pero otras como la psicodélica “Pay the Man” (que suena totalmente diferente a cualquier cosa que hayan hecho) y “Pretty Fly (For a White Guy)” con cosas de hip hop latino aportan cierta variedad.

Con respecto a las letras Holland trató de aportar su versión de la cultura estadounidense en el año 1998: “Estuve pensando en como nuestra cultura esta distorsionada. Ya no somos Norman Rockwell, somos Jerry Springer. No vivimos en una granja, ahora vamos a Burger King” (sic).

Si bien su música continuaba siendo simple y predecible, la mayoría de los jóvenes medios blancos americanos se maravillaron con esta versión de The Offspring, que aprovecharía su momento de alta exposición estirando su vigencia durante toda la década del 2000.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4)

Arcade Fire en Argentina: Festival de himnos de un peso completo

Pocas bandas nacidas en los últimos 20 años tienen el mérito de haber editado un disco tan excelente como Funeral y luego haber mantenido su forma a lo largo de los años. Y si bien este año lanzaron, Everything Now, su disco más decepcionante a la fecha, su nuevo álbum es una invitación a que hagan una gira para demostrar el esplendor de sus temas en vivo. Así que Arcade Fire retornaría  a la Argentina, esta vez encabezando el Line Up del Festival BUE en Tecnopolis en la primera fecha (en la segunda la atracción principal sería Gorillaz).

Luego de la presentación de El Mató a un Policía Motorizado en el escenario anexo de Tecnopolis, llegaría el turno de Arcade Fire de salir al escenario principal. La hora estipulada de salida y que debería ser respetada a rajatabla siendo un festival serían las 21:15hs. Pero los canadienses se tomarían sus minutos. Mientras tanto se podía ver la diversidad del público joven que fue a verlos: hippies, hípsters, gente «cool» con remeras de Joy Division, verdaderos fans con remeras de Arcade Fire (difíciles de encontrar en lo cotidiano), turistas y por supuesto público en general amante del rock y la buena música.

Alrededor de las 21:25hs, la salida de Arcade Fire sería anunciada de manera original como si fuese un combatiente de una pelea de Boxeo. De hecho el escenario estaba decorado con cuerdas de Ring. Así haría su entrada triunfal Win Butler (con campera de Jean que tenía bordada la bandera de Argentina) junto al resto de su numerosa banda que los hacía parecer un verdadero peso completo.

El ritmo de revival ochentoso del single de su último álbum, el homónimo “Everything Now”, sería el encargado de abrir el show generando un shock de alegría en los allí presentes. Inmediatamente lo sucedería tal vez el mejor tema de Arcade Fire, “Rebellion (Lies)”, en una versión acelerada acompañado por los coros del público. A partir de ese momento Arcade Fire armaría su propia fiesta entrelazando viñetas bailables de Reflektor como “Here Comes the Night Time” y de Everything Now tal es el caso de “Electric Blue” y “Put Your Money on Me”, combinados con himnos indiscutidos y atemporales de la banda como “No Cars Go” y “Neighborhood #1 (Tunnels)”, junto a momentos en los que pedían prender los celulares como “Neon Bible”. Tampoco faltarían los momentos de repasar a The Suburbs, con su canción que lleva el mismo el nombre y con “Ready to Start”, que en vivo suena sorprendentemente poderosa. “Neighborhood #3 (Power Out)” con todo su potencial enérgico sería la encargada de hacer un aparente cierre.

Pero faltaba más. En el encore, Arcade Fire interpretaría otra de su último disco con letra en pantallas,  “We Don’t Deserve Love”, y con Butler acercándose al público. La sucedería una especie de Reprise de “Everything Now” (un buen tema del que aparentemente el mismo grupo está enamorado) y para cerrar como no podía ser de otra forma la conmovedora e infaltable “Wake Up”. De “Wake Up” en vivo hay que decir que transmite una vibra que emociona como ninguna otra y el público así la acompaña coreándola con gusto. Recordemos que incluso U2 hace el cover de “Wake Up” por la energía que transmite en sus presentaciones.

Fue una muy buena presentación en la cual se puede ver las dos caras de Arcade Fire: su faceta seria, con sus himnos y clásicos de sus discos conceptuales; y la parte festiva  en la que entretienen con sus números bailables de sus dos últimos álbumes. Lo cierto es que Arcade Fire se transformó en un grande de la actualidad en todas sus dimensiones.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Van Morrison – Saint Dominic’s Preview (1972)

van-morrison-saint-dominics-preview-1972-2

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Jackie Wilson Said (I’m in Heaven When You Smile): 9
  2. Gypsy: 8
  3. I Will Be There: 8
  4. Listen to the Lion: 8
  5. Saint Dominic’s Preview: 9
  6. Redwood Tree: 8
  7. Almost Independence Day: 9

Saint Dominic’s Preview, editado en 1972, fue el tercer material de estudio de Van Morrison, quien algunos años antes había entrado en escena con dos muy buenos discos.

Este álbum no fue la excepción y si bien no presentaban una temática social como los trabajos anteriores, la calidad no mermó, demostrando una vez más la enorme capacidad creativa del artista.

De corta duración, aunque muy sólido y entretenido, «Jackie Wilson Said (I’m in Heaven When You Smile)» da inicio a puro R&B, mientras que «Listen to the Lion», por citar un ejemplo, toma las raíces de los primeros materiales.

«Almost Independence Day», de diez minutos, dan un cierre perfecto para un gran disco de Morrison.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Stone Sour – Stone Sour (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Get Inside: 8
  2. Orchids: 8,5
  3. Cold Reader: 7,5
  4. Blotter8
  5. Choose: 7,5
  6. Monolith: 7,5
  7. Inhale: 8
  8. Bother9
  9. Blue Study: 7
  10. Take a Number: 7,5
  11. Idle Hands: 8
  12. Tumult: 8,5
  13. Omega:

Como ocurre habitualmente los proyectos alternativos de un artista popular son a veces más ricos que los del grupo que los popularizó. Este es el caso de Corey Taylor famoso líder y vocalista de Slipknot, que con su otra banda Stone Sour demuestra que verdaderamente puede cantar en lugar de sus gritos y aullidos característicos en su banda más conocida.

La banda de hard rock y metal Stone Sour se formó en Iowa, Estados Unidos, a principios de los noventa cuando Taylor unió fuerzas con el baterista Joel Ekman, el bajista Shawn Economaki y el guitarrista Josh Rand pero no pasaría de grabar un par de demos sin mucha repercusión.

En 1997 Corey recibió la oferta de Slipknot para reemplazar a su vocalista original y desde entonces gozaría de mucha repercusión desde el lanzamiento de su primer trabajo en 1999, Slipknot. Después del lanzamiento de Iowa (2001), Corey se reunió inmediatamente con sus ex compañeros de Stone Sour y desde entonces alternaría entre ambos.

Con algunas de las grabaciones de demos de mediados de los noventa y nueva música Stone Sour grabaría su homónimo disco debut en 2002. La formación de Taylor, Rand, Economaki sumados a Jim Root (guitarrista de Slipknot) funcionó de maravillas en este resurgimiento del grupo. Alejados del Nu Metal de Slipknot, Stone Sour demuestra una búsqueda mucho más madura de metal alternativo y hard rock, mas cercana a bandas como Soundgarden o Alice in Chains capaces de crear melodías distinguidos en “Bother”, todo esto sin dejar de lado la potencia e intensidad en temas como “Get Inside”, “Tumult” y “Orchids”.

Stone Sour es una agradable sorpresa que revela la diversidad vocal de Corey Taylor y en el mismo tono las composiciones tampoco defraudan, redondeando un atractivo álbum de principio a fin.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Green Day – Revolution Radio (2016)

Puntaje del Disco: 6

  1. Somewhere Now: 7
  2. Bang Bang: 8
  3. Revolution Radio: 7
  4. Say Goodbye: 5
  5. Outlaws: 5
  6. Bouncing Off the Wall: 5
  7. Still Breathing: 6
  8. Youngblood: 4,5
  9. Too Dumb to Die: 6,5
  10. Troubled Times: 7
  11. Forever Now: 8
  12. Ordinary World: 6,5

La noticia de que Green Day estaba grabando un nuevo álbum no me movió un pelo en un principio. Desde la trilogía de ¡Uno!, ¡Dos!, y ¡Tre! no tenía mucha fe en la banda. Pero cuando salió el primer single, Bang Bang, quede impresionado. Un muy buen tema, punk del bueno, con un riff copado, muy parecido al Territorial Pissings de Nirvana, pero con esa onda que solo Green Day nos puede ofrecer. Parecía que finalmente el grupo recuperaba su esencia. Estaba realmente emocionado con la salida del disco.

Cuando finalmente pude escuchar el álbum me choqué con una realidad que hasta el momento no había querido aceptar: Green Day perdió su grandeza hace tiempo, y no creo que en algún momento la recupere. Se convirtieron en una banda totalmente comercial. En un intento desesperado por vender más, grabaron este álbum que en mi opinión no es más que una copia (bastante peor) de su gran éxito American Idiot.

El disco arranca con “Somewhere Now”, un tema bastante de la onda de The Who, que empieza como un acústico y después muta a un estilo más rockero que punk. Después viene la parte más rescatable del disco, la furiosa “Bang Bang” (que cada vez que la escuchó me suena más parecida al tema “St Jimmy” del ya mencionado American Idiot) y el segundo single, “Revolution Radio”, un punk pop bastante agradable.

Y acá es cuando el álbum comienza a decepcionar, con los cortes “Say Goodbye” y la insoportable “Outlaws”, temas faltos de inspiración, bastante malos. El segundo más que nada, que en sus cinco minutos de duración aburre más que cualquier otra canción del LP.

Cuando salió el tercer single, “Still Breathing”, me pareció malísimo, un intento desesperado por pegar un hit. Sin embargo, luego de varias escuchas le fui tomando el gusto. No es la gran cosa y es notablemente inferior a “Bang Bang” y “Revolution Radio”, pero no es mala.

Entre de varios temas bastante olvidables como lo son “Bouncing Off the Wall”, “Too Dumb to Die” y “Troubled Times”, nos encontramos con probablemente lo más horrible del disco, “Youngblood”. Un riff malísimo y un estribillo pegadizo estirado hasta el hartazgo forman este corte que es simplemente insoportable.

Más adelante nos encontramos con “Forever Now”, un tema de casi siete minutos de duración muy bueno que saca a flote por un momento a un álbum que ya estaba casi completamente hundido en lo mediocre. Finalmente, el disco cierra con “Ordinary World”una balada acústica bastante linda y con aire nostálgico.

Con la trilogía, Green Day intentó de alguna forma expandir sus fronteras musicales, fracasando rotundamente y generando un gran disgusto entre los fans. En cambio, Revolution Radio parece un paso atrás, un intento de revivir las viejas glorias de American Idiot y 21st Century Breakdown. Sin embargo, copiarse de si mismos no significa recuperar la esencia que los hizo grandes. Y eso es lo que representa Revolution Radio para mí, un mal plagio de Green Day, por Green Day.

Juanse el Mono

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 2)

Traffic – John Barleycorn Must Die (1970)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Glad: 8,5
  2. Freedom Rider: 9
  3. Empty Pages: 8,5
  4. I Just Want You to Know: 7,5
  5. Stranger to Himself: 7,5
  6. John Barleycorn: 9
  7. Every Mothers Son: 8
  8. Sittin’ Here Thinkin’ of My Love: 6,5

Tras la salida del guitarrista Dave Mason y con Steve Winwood más preocupado por la reunión de Blind Faith y por su carrera solista, parecía que Traffic había llegado a su fin, o por lo menos a un periodo de receso prolongado. Hasta que finalmente Winwood se reuniría con Jim Capaldi y Chris Wood para volver a darle vida a Traffic lanzando John Barleycorn Must Die. Sin embargo, más que un disco de Traffic parece más bien un álbum solista de Winwood, ya que no solo compone y monopoliza todo el trabajo, sino que toca casi todos los instrumentos. Mientras que el aporte de Capaldi se limita a la batería (y alguna interpretación vocal) y el de Wood a los instrumentos de viento.

Ahora bien, John Barleycorn Must Die es un muy buen disco, en el que combinan distintos tipos de géneros. Aparecen Blues y Jazz Rock en temas como “Glad”, demostrando el muy buen despliegue instrumental de la banda. “Every Mothers Son” tienen un estilo parecido al del Rock Sureño que pregonaban los Allman Brothers. También hay influencias progresivas en canciones como “Empty Pages”, que parece un hit de Genesis. Aunque las mejores son aquellas en las que aparece esa flauta a la Jethro Tull como “Freedom Rider” y el tremendo Folk Rock acústico “John Barleycorn”.

Por eso es un disco bastante sólido, algunos de hecho destacan a John Barleycorn Must Die como un clásico indiscutido de Traffic. Sin embargo, no llega a niveles superiores porque tiene un estilo más bien convencional, que no sorprende. De todas formas, John Barleycorn Must Die es un álbum destacable dentro del catálogo de Traffic (o de Steve Winwood).

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)