Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

OSI – Office of Strategic Influence (2003)

Puntaje del Disco: 9

  1. The New Math (What He Said): 9
  2. OSI: 9
  3. When You’re Ready: 8
  4. Horseshoes and B-52’s: 8,5
  5. Head: 9
  6. Hello, Helicopter!: 7
  7. ShutDOWN: 10
  8. Dirt From a Holy Place: 7,5
  9. Memory Daydreams Lapses: 8
  10. Standby (Looks Like Rain): 8

OSI es un proyecto musical formado por Jim Matheos y Kevin Moore en 2002, y ambos comparten cosas en común, y es que los 2 provenían de la misma banda, Fates Warning, más conocidos por haber sido los principales pioneros del Metal Progresivo. Sin embargo, Kevin Moore fue mucho más conocido estando en Dream Theater por un tiempo determinado hasta irse de la banda y concentrarse en un proyecto sumamente diferente, bajo el nombre de Chroma Key.

El nombre del proyecto proviene de un subdepartamento secreto (ya extinto) creado por la Departamental de Defensa de Estados Unidos, llamado Oficina de Influencia Estratégica (Office of Strategic Influence, OSI) con el fin de propagar la guerra contra el terrorismo a través de operaciones psicológicas, quienes iban dirigidas hacia poblaciones extranjeras. Se creó el 30 de octubre del 2001, pero la información de esta se fue propagando por casi la mayoría de los medios y esto produjo su extinción en febrero del 2002.

OSI no es una banda, ya que los 2 miembros originales suelen contratar a músicos de sesiones para trabajar en sus discos. Han publicado 4 discos hasta ahora, pero el trabajo que se hizo en este debut, lanzado en el 2003, es algo incomparable. Tenemos a Jim Matheos en la guitarra, a Kevin Moore de vocalista y tecladista, Sean Malone (más conocido por haber estado en Cynic y haber liderado la banda Gordian Knot) como bajista, y finalmente, el monstruoso Mike Portnoy (Ex-Dream Theater, y Transatlantic, entre otros) en la batería.

Originalmente la música de OSI iba a tener un estilo muy parecido al de Dream Theater y Fates Warning, pero la música de Kevin Moore en Chroma Key influyó muchísimo a la hora de trabajar con Jim Matheos, por lo cual, la banda en este disco mantiene un estilo propio, parecido al de bandas modernas en aquel entonces como Tool y Porcupine Tree. Y, a palabras de Portnoy: «Esto es muy diferente a lo que hemos hecho en otras bandas»

El debut de OSI es un disco sumamente oscuro, con muchas influencias electrónicas experimentales downtempo traídas de la banda ya mencionada de Kevin Moore, pero también, sin perder absolutamente nada de la fuerza que habían dado en sus bandas anteriores, por lo que se puede decir que todavía sigue siendo un disco de Metal Progresivo.

El trabajo de Sean Malone es sumamente brillante, es un bajista muy talentoso y con muchísimo poder a la hora de ejecutar diversas secuencias. Si ya desde Cynic y especialmente en Gordian Knot había hecho un trabajo monumental, acá no es la excepción. Añade muchísimos elementos jazzísticos a la hora de ejecutar pasajes agresivos, y le da un toque más original a este trabajo.

Bueno, y sinceramente…Ya ni hablemos del trabajo de Mike Portnoy, porque aquellos que ya han escuchado a Dream Theater, sabrán de lo que hablo, una bestia en todo sentido, capaz de trabajar en 20 proyectos distintos a la vez, y que pone su alma y empeño en cada uno de ellos. Cuando estuvo trabajando en este disco, también, a la vez estuvo trabajando en el disco Train of Thought de DT, el cual se lanzó el mismo año. Así que, está más que justificado eso.

Sin dudas, el mejor momento del disco, por lejos, es la canción «ShutDOWN», contando con una participación sumamente sofocante de Steven Wilson, cantante de Porcupine Tree, y también, la canción más larga de OSI hasta la fecha, con 10 minutos de duración. Una canción 100% Porcupine Tree, y que podría haber estado en cualquiera de los discos de esta, no solo por la instrumentación, sino por las turbias letras, típicas del estilo que presenta Wilson.

En fin, el debut de OSI es un sí o sí de escucha para cualquier aficionado al Metal Progresivo, un disco plagado de canciones sumamente enganchables y potentes, y también en donde se demuestra que cada miembro tiene una musicalidad y estilo diferentes, pero que realmente combinan perfectamente sin perder ni un solo momento la excelente química que hay entre cada uno de ellos.

Un álbum sumamente recomendable si les encantan bandas como Tool, Porcupine Tree, Karnivool. No lo pierdan de vista.

Toto

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Run the Jewels – Run the Jewels (2013)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Run the Jewels: 9
  2. Banana Clipper: 8,5
  3. 36″ Chain: 8
  4. DDFH: 8
  5. Sea Legs: 7,5
  6. Job Well Done: 7
  7. No Come Down: 8
  8. Get It: 9,5
  9. Twin Hype Back: 8,5
  10. A Christmas Fucking Miracle: 9

La combinación del rapero Killer Mike y el productor y amante del hip hop alternativo El-P permitió la creación de la experiencia de hip hop más aclamada en la actualidad, Run the Jewels.

La historia data de 2011 cuando ambos se conocieron gracias al ejecutivo de “Cartoon Network” Jason DeMarco. Los artistas hicieron tan buenas migas que al año siguiente El-P produjo uno de los discos emblemáticos en la carrera de Mike R.A.P. Music (Rebellious African People). Seguido a esto Killer Mike colaboró en un tema del flamante trabajo de El-P, Cancer 4 Cure.

Esta cercanía los llevó a salir de gira juntos con tal éxito que tomaron la decisión de unir fuerzas y formar Run the Jewels en 2013. En Junio de ese mismo año saldría a las ventas, Run the Jewels, un álbum excelentemente producido con un sonido fresco, actitud y una energía exitante en cada canción en donde Mike y El intercambian versos de un humor denso, temática social (opresión policial, pobreza, etc) y beats pegadizos que no serán facil de olvidar en tu cabeza.

Run the Jewels funciona como aperitivo de lo que sería su obra superadora un año después, Run The Jewels 2, convirtiéndose ambos en clásicos modernos dentro de un género que se reinventa y se vuelve más protagonista año tras año.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)

Elvis Costello & the Attractions – Armed Forces (1979)

Puntaje del Disco: 9

  1. Accidents Will Happen: 9
  2. Senior Service: 9
  3. Oliver’s Army: 9
  4. Big Boys: 8,5
  5. Green Shirt: 8,5
  6. Party Girl: 9
  7. Goon Squad: 8
  8. Busy Bodies: 8
  9. Sunday’s Best: 7
  10. Moods For Moderns: 7
  11. Chemistry Class: 8
  12. Two Little Hitlers: 8
  13. (What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love And Understanding?: 9

Pocos son los artistas que logran mantener un nivel de excelencia de manera continua sin decaer en ninguno de sus primeros trabajos discográficos. Elvis Costello tiene ese mérito. Sus primeros dos discos fueron excelentes y su tercer álbum, Armed Forces, no sería excepción.

En esta oportunidad Costello desarrolla un New Wave que si bien es diverso, porque incluso experimenta con Reaggae (“Two Little Hitlers”), hace bastante más foco en el Pop, tocando incluso el Dance Pop. En contrapartida, hay menos de ese Rockabilly de los cincuenta al que lo caracteriza y también se aleja de sus insinuaciones Punk.

Su costado Pop está a punto caramelo, desparramando melodías de primera especialmente en el comienzo del álbum, con esa seguidilla conformada por “Accidents Will Happen”, “Senior Service” y “Oliver’s Army”. También destaca la balada “Party Girl” y el dinámico Pop Rock “(What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love And Understanding?”.

Sin embargo, en la segunda mitad del disco aparecen algunos cortes que no son tan superlativos y que incluso pueden ser tomados como relleno. De todas formas, no es algo alarmante. En general Armed Forces es muy parejo y reconocido como uno de los mejores en la carrera de Costello.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Humble Pie – As Safe as Yesterday Is (1969)

Puntaje del Disco: 8

  1. Desperation: 8,5
  2. Stick Shift: 7,5
  3. Buttermilk Boy: 8
  4. Growing Closer: 7,5
  5. As Safe as Yesterday Is: 8
  6. Bang!: 9
  7. Alabama ’69: 7
  8. I’ll Go Alone: 8
  9. A Nifty Little Number Like You: 8,5
  10. What You Will: 8
  11. Natural Born Bugie8
  12. Wrist Job: 7,5

Para finales de los sesenta y principios de los setenta había tal proliferación de buenas bandas de rock que muchas quedan algo olvidadas. Dentro de este grupo de increíbles músicos conjuntos de segunda linea podemos ubicar a Humble Pie.

En 1969 el antiguo lider de Small Faces, Steve Marriott, junto al virtuoso guitarrista de Herd, Peter Frampton, unieron fuerzas para formar Humble Pie (completan la formación el bajista Greg Ridley y el baterista Jerry Shirley), con un marcado énfasis en el hard rock y el blues.

En su álbum debut, As Safe as Yesterday Is, grabada en la casa rural perteneciente a Marriott, la banda suena compacta y aceitada como si hace tiempo vendrían tocando juntos con canciones de gran factura como “Desperation”, “Bang!” y “A Nifty Little Number Like You”.

Lejos de ser un clásico, As Safe as Yesterday Is termina redondeando un auspicioso material inicial para esta banda de talentosos ingleses que gozarían su mayor éxito a mediados de los setenta y en especial en los Estados Unidos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Yasonuri Mitsuda – Chrono Trigger: Original Sound Version (1995)

Puntaje del Disco: 10

Disco 1: 10

  1. A Premonition:
  2. Chrono Trigger: 9
  3. Morning Glow: 8
  4. Peaceful Days: 9
  5. Green Memories: 8,5
  6. Guardia’s Millennial Fair: 8
  7. Gato’s Song: 7
  8. Strange Occurrences: 8
  9. Yearnings of the Wind: 9
  10. Good Night:
  11. Secret of the Forest: 9,5
  12. Battle: 10
  13. Guardia Castle – Pride & Glory: 9
  14. Huh!?:
  15. The Cathedral: 9
  16. A Prayer for the Wayfare:
  17. Light of Silence: 9,5
  18. Boss Battle 1: 10
  19. Frog’s Theme: 9
  20. Fanfare 1: 10
  21. The Trial: 9
  22. The Hidden Truth: 8,5
  23. Critical Moment: 10

Disco 2: 9,5

  1. A Desolate World: 9
  2. Mystery from the Past:
  3. Site 16: 9
  4. Those Without the Will to Live: 9,5
  5. Lavos’s Theme: 9,5
  6. The Last Day of the World: 9,5
  7. Johnny of the Robo Gang: 8
  8. Bike Chase: 10
  9. Robo’s Theme: 8,5
  10. Derelict Factory: 9
  11. Battle 2: 9,5
  12. Fanfare 2:
  13. At the End of Time: 10
  14. Jolly Ol’ Spekkio: 9
  15. Fanfare 3:
  16. Creeping through the Sewers: 7,5
  17. Boss Battle 2: 10
  18. Primeval Mountain: 9
  19. Ayla’s Theme: 8,5
  20. Rhythm of Earth, Wind, and Sky: 9
  21. Burn! Bobonga! Burn!: 8
  22. The Fiendlord’s Keep:
  23. Strains of Insanity: 7
  24. Magus Confronted: 8

Disco 3: 10

  1. Singing Mountain (unreleased track): 10
  2. Tyranno Lair: 10
  3. Depths of the Night: 9,5
  4. Corridors of Time: 10
  5. Zeal Palace: 9
  6. Schala’s Theme: 10
  7. Sealed Door: 9
  8. Ocean Palace: 10
  9. Crono & Marle – A Distant Promise: 7
  10. The Epoch – Wings of Time: 9
  11. Black Omen: 10
  12. Determination: 8
  13. World Revolution: 10
  14. The Final Battle: 10
  15. Festival of Stars: 8,5
  16. Epilogue – To My Dear Friends: 9
  17. Outskirts of Time: 10

Resultaría totalmente irónico haber hecho primero la reseña del videojuego, y no haber investigado más a fondo la banda sonora del mismo. Porque solamente ocurren raros casos donde tenga que hacer reseñas de una banda sonora, y esta es la primera vez. Señoras y señores, aquí, una de las mejores bandas sonoras de uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos.

(Antes que nada, cabe aclarar que este es el título del soundtrack original y el oficial del juego, con todas las pistas originales, e incluso las que nunca se llegaron a lanzar. Todas las otras versiones son las más berretas, y le faltan casi todos los tracks.)

Chrono Trigger fue sin duda un videojuego que me hizo volver a sentirme un niño. Toda esa animación, todos esos sprites, los escenarios y la larga aventura que nos brinda todo tipo de emociones es algo que jamás sentí en mi vida desde que vi a Dragon Ball Z.

Supongo que no va a haber otros genios como el Dream Team, especialmente Akira Toriyama. Pero aún peor, no van a haber otros grosos como Yasonuri Mitsuda y a la par en colaboraciones, Nobuo Uematsu, compositor de la banda sonora de la saga Final Fantasy.

Qué decir de este Soundtrack, es maravilloso, con o sin el juego. Para el juego representa el alma, la diversión, la maravilla que es el videojuego. Pero como soundtrack en sí también es más que una simple banda sonora, es una obra maestra musical.

Apenas 16 bits hicieron falta para darle el sonido característico de esta obra con 3 CD’s representadas cronológicamente por el desarrollo de la historia de Crono. Pistas cortas, pero sumamente hipnóticas y bien trabajadas.

Yasonuri Mitsuda aprovecha, junto a Nobuo Uematsu, las influencias de la música Celta y de los soundtracks de películas de horror clásicas. El uso de orquestas es impresionante y magnífico, y de vez en cuando muchas influencias de Rock Progresivo de los años 70’s, como es el caso de las descomunales «Battle» y «Black Omen». Pero no es todo, también hay música ambiental, orientada muy a lo melodramático y a lo depresivo, que se escuchan en las partes más catastróficas del juego, como la parte del año 2300 D.C. (El futuro). Estas resultan ser casi la primera mitad del disco 2, y le dan un toque absolutamente magnífico y atmosférico a la aventura. Solo hay que quedarse callado y disfrutar lo que tenemos en nuestros oídos.

Pero lo mejor de toda la obra, es sin duda el 3er disco. Plagada de tracks sumamente magníficos, y totalmente inolvidables. Es sin duda de lo mejor que he escuchado en toda mi vida. Prácticamente, el disco 3 es el más épico de todos, ya que son tracks que se muestran casi todos al final del juego, que es su punto de climax. Si me tengo que quedar con una sola pista que me haya llenado el alma, esa es sin duda «Corridors of Time», que prácticamente tiene toda la principal influencia de la música celta que dije más arriba y que cuenta con un ritmo sumamente abrumador. Otra genial pista que tiene esta influencia es «Schala’s Theme», aunque ésta es mucho más penetrante y claustrofóbica, como si se tratase de un tema de una película de Suspenso.

Pero también no les quito el mérito a otras como la progresiva e imprescindible «Black Omen» con sus teclados sumamente hipnóticos, la melancólica y oscura «Ocean Palace» y, sobre todo, la épica y frenética «The Final Battle», que es con la que nos enfrentamos a el todopoderoso Lavos, al final del videojuego.

En fin, esto es una obra maestra musical nostálgica, pura y magnífica a 16 bits. Una pasada, al igual que el videojuego. Definitivamente, ambas cosas lo mejor de los 90’s, y este soundtrack es lejos de los mejores en todos los videojuegos, junto con el de Silent Hill 2.

Un álbum imprescindible y único. Los que ya jugaron Chrono Trigger mejor ni les digo más nada, pero aquellos que no, juegen a esa maravilla, que deben hacerlo si o si antes de morir. Dicho hecho está. No más palabras.

Saludos!!

Toto

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Papa Roach – The Paramour Sessions (2006)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. …To Be Loved: 5
  2. Alive (N’ Out of Control): 6
  3. Crash: 4,5
  4. The World Around You: 7,5
  5. Forever: 6,5
  6. I Devise My Own Demise: 4
  7. Time Is Running Out: 6
  8. What Do You Do?: 5
  9. My Heart Is a Fist: 6
  10. No More Secrets: 5,5
  11. Reckless: 6,5
  12. The Fire: 5
  13. Roses on My Grave: 5,5

Hace ya unos años que nos hacemos profundos interrogantes acerca de con que otro sentido que recaudar algo de dinero continúa la carrera de bandas mediocres como Papa Roach.

Su quinto álbum, The Paramour Sessions (2006), que toma su nombre en referencia a la Mansión Paramour en Hollywood donde se realizaron las sesiones de grabación, continúa con la busqueda del grupo de alejarse del pasado de moda Nu Metal para acercarse a un sonido pesado entre el Metal y el Alternativo.

Como había pasado con su antecesor, Getting Away With Murder, Papa Roach hace el esfuerzo por reinventarse hacia el hard rock pero a pesar de sus esfuerzos no terminan siendo más que una mala imitación de bandas ochentosas como Mötley Crüe. Inclusive los temas que mejor funcionan son los de una orientación más cercana al pop o rock melódico y pegadizo como “The World Around You” desacreditando así los esfuerzos de California por querer sonar más potentes de lo que realmente pueden ser.

Papa Roach promocionó su nueva creación en el verano de Estados Unidos y más tarde en Europa durante el resto del 2006. A comienzos de 2008 se confirmarían los rumores de partida de su baterista fundacional Dave Buckner, y en el mismo comunicado su frontman Jacoby Shaddix comentaría que se volverían a instalar en la Mansión Paramour para grabar un nuevo material.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4)

David Gilmour – David Gilmour (1978)

Puntaje del Disco: 6

  1. Mihalis: 7
  2. There’s No Way Out of Here: 8,5
  3. Cry from the Street: 6,5
  4. So Far Away: 5,5
  5. Short and Sweet: 5,5
  6. Raise My Rent: 5,5
  7. No Way: 6,5
  8. It’s Deafinitely: 6
  9. I Can’t Breathe Anymore: 6

El primer disco de David Gilmour como solista no llegó cuando se había disuelto Pink Floyd. Al contrario, lo lanzó en el momento de pleno auge de la banda en los setenta. Sin embargo, por aquel entonces Roger Waters empezaba a dominar cada vez más monopólicamente el andar artístico de la banda. Así que la aparición de este disco solista de Gilmour algunos lo podrían tomar como un gusto que se dio, un capricho personal por así decirlo, así como una prueba para demostrar cómo le podía ir sólo en el caso de que las cosas no funcionaran en Pink Floyd.

El homónimo disco debut de Gilmour, tiene algo del sonido de Floyd pero no íntegramente. David trata de combinar Rock Progresivo con un poco más de Blues Rock. Y el resultado son 9 canciones que francamente son por momentos tan genéricas como inmemorables.

Por un lado, tenemos canciones instrumentales, como “Mihalis”, apacibles, escuchables, en las que Gilmour trata de destacar en guitarra, pero simultáneamente intrascendente. Incluso en su aventura más experimental, “It’s Deafinitely”, una rareza de un sonido espacial, Gilmour no logra brillar con lo que ofrece compositivamente.

Por otro lado, en los temas en los que incorpora su voz alterna buenos y malos momentos. Dentro de lo bueno, “There’s No Way Out of Here” ofrece una melodía que se puede apreciar y toma una dimensión superior al resto del disco. Y dentro de lo malo tenemos canciones como “So Far Away”, una balada a piano tan floja como corriente.

Tampoco ayuda que las canciones son más bien largas (promedian los 5 minutos y medio), por eso cuesta digerir un poco este primer trabajo solista de Gilmour. Así que hay que tomarlo como lo que es, un tibio intento para ver si podía sobrevivir sin Pink Floyd.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 1)

John Lennon – Double Fantasy (1980)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. (Just Like) Starting Over: 9,5
  2. Kiss Kiss Kiss: 6
  3. Cleanup Time: 6,5
  4. Give Me Something: 5
  5. I’m Losing You: 8
  6. I’m Moving On: 6
  7. Beautiful Boy (Darling Boy): 7,5
  8. Watching the Wheels: 9
  9. Yes, I’m Your Angel: 6,5
  10. Woman: 7,5
  11. Beautiful Boys: 4
  12. Dear Yoko: 6,5
  13. Every Man Has a Woman Who Loves Him: 5
  14. Hard Times Are Over: 6

Double Fantasy, el último LP oficial de John Lennon antes de su asesinato el 8 de Diciembre de 1980, es una mezcla de canciones maravillosas y otras terribles y muy malas, como una especie de “Dos Caras” el clásico villano de “Batman”.

En la parte buena John apela a su calidad compositiva e interpretativa entregando algunas de las canciones más lúcidas e inspiradas que escribió en toda su vida, “(Just Like) Starting Over” y “Watching the Wheels”, brillan con claridad.

El lado malo es cuando Yoko Ono entra en escena. Yoko, una artista conceptual reconocida, siempre fue terrible cantando, estar al lado de Lennon le facilitó llegar a un público mayor al que jamas hubiera llegado por si sola. Entre los temas más pobres que forman parte de este trabajo podemos citar a “Give Me Something” y “Beautiful Boys”. La única que aprueba es “Yes, I’m Your Angel”, una pista en tono cabaret que es bastante simpática y tolerable, para ser interpretada por la japonesa.

De haberse centrado en sus composiciones y las canciones de Ono hubieran sido borradas de un plumazo, seguramente estaríamos ante uno de los puntos altos en la carrera solista de Lennon, quizás el mejor pero sin dudas el de mayor madurez. Hoy en día nos queda solamente saltearlas y disfrutar de los últimos registros grabados por John durante su vida.

Double Fantasy salió a la venta el 17 de Noviembre de 1980 y a las pocas semanas el mundo se estremecía por culpa de Mark David Chapman quien le disparo cinco veces por la espalda cerca al edifico Dakota de Nueva York donde John y Yoko vivían. Hoy en día Chapman continúa detenido con reclusión perpetua y Lennon continúa vigente con su brillante obra, tanto en The Beatles como las que compuso por su cuenta, que nunca podrá desaparecer.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4.7)

Sleater-Kinney – Sleater-Kinney (1995)

Puntaje del Disco: 7

  1. Don’t Think You Wanna: 7,5
  2. The Day I Went Away: 8,5
  3. A Real Man: 7
  4. Her Again: 7
  5. How to Play Dead: 6,5
  6. Be Yr Mama: 8
  7. Sold Out: 5
  8. Slow Song: 8,5
  9. Lora’s Song: 6,5
  10. The Last Song: 7,5

El primer disco de Sleater-Kinney no fue exactamente un debut impresionante, sin embargo sirvió para establecer a este grupo de chicas, como uno de los pioneros de lo que se conoce como Riot Grrrl, que no es otra cosa que un Indie Rock feminista con una fervorosa energía Punk en su estilo.

De todas formas, el debut de esta banda se podría decir que es decente. Su estilo es sucio, con algo de Lo-Fi en su producción, demostrando constantemente su costado rebelde y su exceso de actitud. En ese sentido, Sleater-Kinney suena como un grupo fresco en sus ganas de devorarse al mundo en el medio de su vorágine Punk,  pero con una onda alternativa que recuerda a grupos como Sonic Youth.

Sin embargo, su primer disco no llega a un nivel superior porque es reiterativo e incluso monótono en algunos pasajes. Es un trabajo discográfico corto en el que le dan más prioridad a su voracidad que a la calidad de sus composiciones y melodías. Aun así con su fórmula aparecen buenas canciones como “The Day I Went Away” y “Be Yr Mama”. Mientras que en “Slow Song”, bajan una milésima de segundo su velocidad (no es un tema exactamente lento como su nombre lo sugiere) y dejan florecer uno de los mejores ganchos melódicos del álbum.

No será el mejor disco de este grupo de chicas, pero es aceptable e interesante, y de hecho lo pueden escuchar en poco más de 20 minutos.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Spoon – Gimme Fiction (2005)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Beast and Dragon, Adored: 9
  2. The Two Sides of Monsieur Valentine: 8,5
  3. I Turn My Camera On: 8
  4. My Mathematical Mind: 8,5
  5. The Delicate Place: 8
  6. Sister Jack: 7,5
  7. I Summon You: 7,5
  8. The Infinite Pet: 7
  9. Was It You?7
  10. They Never Got You: 8
  11. Merchants of Soul: 8

Ajenos a las modas o tendencias pasajeras, la banda de indie rock americana Spoon atravesaría los 2000 a su manera y fieles a su identidad, un ejemplo cabal de ello sería su quinta placa titulada, Gimme Fiction (2005).

Compuesto casi en su mayoría en un viaje imspirador de su líder y compositor Britt Daniel a una casa de playa en San Diego, con el mar californiano como musa inspiradora, el resultado final fue un trabajo que contiene canciones valiosas de guitarras enfurecidas y otras más introspectivas en especial en su primer mitad (“The Beast and Dragon, Adored”, “The Two Sides of Monsieur Valentine”, “I Turn My Camera On”, “My Mathematical Mind”, etc).

El álbum suena consistente y con un inusitado ojo para todos los detalles de producción. Desde su arte tapa y los efectos de sonido en cada canción parecen no estar librados al azar.

A pesar de decaer en su segunda mitad, Gimme Fiction, se encuentra a la altura de lo que esperamos de Spoon, una banda poco reconocida pero fundamental en la escena de rock alternativo actual.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)