Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Wilco

Wilco – Schmilco (2016)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Normal American Kids: 8
  2. If I Ever Was a Child: 9
  3. Cry All Day: 9
  4. Common Sense: 5,5
  5. Nope: 7,5
  6. Someone to Lose: 7,5
  7. Happiness: 8
  8. Quarters: 7,5
  9. Locator: 7,5
  10. Shrug and Destroy: 8
  11. We Aren’t the World (Safety Girl): 9
  12. Just Say Goodbye: 9

Luego de un muy buen trabajo como Star Wars en el 2015, Wilco no se tomó mucho descansó y este año lanzó su siguiente álbum. Schmilco es un disco con predominancia Folk de un espíritu y una formula bastante simple: guitarra acústica, buenas melodías y algunos arreglos distintivos para embellecerlas.

Schmilco es como el álbum solista Jeff Tweedy, porque está en el centro de la escena más que nunca. Y el trabajo del resto del grupo es minimalista, como si fuera secundario su aporte, pero no por ello menos importante. Así logran canciones acústicas de tonos agradables pero menos joviales que las de Star Wars.

Por otro lado, Wilco tampoco pierde su intención de experimentar principalmente desestructurando sus canciones. Sin embargo su costado experimental no es en sí lo más redituable que ofrecen y por eso en cierto punto el disco es irregular.

Lo mejor de Schmilco aparece cuando desatan su costado pop melódico. Las canciones de Wilco se podría decir que son de “calidad Beatle”. Es imposible redimirse a las melodías de “If I Ever Was a Child” y “We Aren’t the World (Safety Girl)”, al encanto enternecedor de “Just Say Goodbye” y al ritmo penetrante de “Cry All Day”. Tal vez no sea el mejor disco de la banda, pero solo por canciones como estas nos deja en claro que Wilco siempre tiene algo bueno para darnos.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Iggy Pop

Iggy Pop – Zombie Birdhouse (1982)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Run Like a Villain: 7,5
  2. The Villagers: 6
  3. Angry Hills: 5
  4. Life of Work: 6
  5. The Ballad of Cookie McBride: 5,5
  6. Ordinary Bummer: 5
  7. Eat or Be Eaten: 3
  8. Bulldozer: 4
  9. Platonic: 7
  10. The Horse Song: 6,5
  11. Watching the News: 4
  12. Street Crazies: 4,5

Iggy Pop continuaría su periplo de desaciertos a comienzos de la década de los ochenta con Zombie Birdhouse, su séptimo álbum solista y uno de los mas olvidables de su prolongada carrera.

Apoyado por una banda que suena bien mezclando la rabia característica del artista con el sonido típico de la década del ochenta gracias a los aportes de los ex Blondie, Chris Stein en bajos y Clem Burke en batería, dentro de su desconcertante estado compositivo y personal Iggy se las ingenia para sacar algunos temas interesantes como “Run Like a Villain” o “Platonic”, aunque dentro de un listado de canciones (?) tan pobres como «Eat or Be Eaten», «Bulldozer» o «Watching the News» no llegaron a ser recordadas por muchos.

A pesar de ser un disco fallido que hundiría bajo tierra su reputación, nobleza obliga se puede celebrar cierta ambición y una búsqueda más interesante intentando variantes e innovando en su sonido, aunque no fuera nada acertado y termino alejando aún más a sus oyentes. Sabemos que la “Iguana” puede dar más y lo demostraría en el futuro no tan lejano.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4)
David Bowie

David Bowie – Blackstar (2016)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Blackstar: 10
  2. ‘Tis A Pitty She Was A Whore: 8
  3. Lazarus: 10
  4. Sue (Or In A Season Of Crime): 8
  5. Girl Loves Me: 10
  6. Dollar Days: 10
  7. I Can’t Give Everything Away: 9

Deberíamos haberlo visto venir. Las señales estaban ahí, evidentes, apenas disimuladas. Pero no lo vimos, no quisimos verlo. Al día de hoy cuesta creerlo y aceptarlo. David Bowie estaba muriendo y Blackstar, su último disco, constituía su despedida, su epitafio, su broche de oro.

Fiel a su convicción de toda la vida de no repetirse y atreverse a lo nuevo, Bowie reemplazó a la banda con la que venía trabajando desde fines de los 90 y sólo mantuvo a su viejo amigo Tony Visconti como productor para este LP, orientado al jazz más experimental. Una movida arriesgada, cuando en el mundo de la música parece reinar un conformismo adicto a las fórmulas establecidas. Exactamente el tipo de actitud que uno esperaría de David Bowie.

Tras esbozar este nuevo rumbo al presentar «Sue (or in a season of crime)» y «Tis a pitty she was a whore» en su compilado «Nothing has changed» en 2014, el músico inglés acudió a María Schneider, vibrante compositora y directora de orquesta de jazz avant-garde, y especialmente al saxofonista Donny McCaslin. Con este nuevo escenario, el disco más oscuro y antipop de Bowie comenzó a tomar forma.

Musicalmente, Blackstar es ecléctico, siniestro, imprevisible pero, ante todo, libre. Los ejercicios desestructurados de la improvisación jazzera dieron a Bowie un telón blanco donde explayarse sin temer a duraciones, cambios de ritmo, instrumentaciones excéntricas, ni estribillos pop. El tema que da título al disco es una excursión por el estado terminal de Bowie, con lamentos, negrura, melancolía, cierta rabia y un breve momento de calma, resignación o, quizás, de bienvenida a la paz del sueño eterno.

La remake de «Tis a Pitty she was a whore» viene a mover un poco las cosas con su poderosa base rítmica, sólo para elevar el espíritu antes de la devastadora «Lazarus». El último single lanzado por Bowie antes de su final grita por todas partes lo que estaba por suceder. Escucharlo ahora es escalofriante. A sus chirriantes riffs de guitarra, y su saxofón hecho un gemido, se superpone la sentida voz del Duque desnudándose en una letra profética: «Mirame, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no pueden verse (…) Todos me conocen ahora. Mirame, estoy en peligro. Ya no tengo nada que perder«.

Las cosas retoman movimiento con la nueva versión de «Sue (or in a season of crime)», con una voz más calma (aunque no menos expresiva) que la primera grabación, lo que acentúa el tinte lóbrego a su ya de por sí amenazadora letra, que narra en primera persona un femicidio. «Girl loves me» recupera el uso del lenguaje nadsat de los drugos de Alex, el personaje delineado por Anthony Burguess en su novela «La Naranja mecánica», a la que Bowie ya había referenciado en su gloriosa época de Ziggy Stardust. Las cuerdas son funestas, y el cántico del Duque en el estribillo son una pesadilla de la que uno no quiere despertar.

«Dollar Days» es pura melancolía y nos devuelve al Bowie baladista de piano y guitarra acústica de 12 cuerdas de los años dorados de ‘Hunky Dory’. «Si nunca llego a ver los verdes árboles ingleses hacia los que estoy corriendo, no significa nada para mí (…) Yo también estoy muriendo«, lamenta el cantante en la sombra de su registro alto, ya no tan preciso pero más emotivo que nunca, mientras se funde con el loop de batería uptempo del gran final, «I Can’t Give Everything Away». Con un poco más de optimismo, como una mano en el hombro que nos dice «no se preocupen, todo va a estar bien», David Bowie se despide de nosotros y se convierte finalmente en polvo de estrellas.

Hace unos pocos años, Mick Rock, fotógrafo del músico durante la etapa de Ziggy Stardust, sentenció: «No soy de usar con ligereza la palabra ‘genio’, pero si David Bowie no es un genio, entonces no existe tal cosa». No hay un céntimo de exageración en esa afirmación. Blackstar constituye una evidencia más. David Bowie se despidió del mundo de la única forma en la que podría haberlo hecho: con una obra maestra.

Camilo Alves

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(Votos: 3 Promedio: 5)
Car Seat Headrest

Car Seat Headrest – Teens of Denial (2016)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Fill in the Blank: 8,5
  2. Vincent: 9
  3. Destroyed By Hippie Powers: 8,5
  4. (Joe Gets Kicked Out of School for Using) Drugs With Friends: 8,5
  5. Just What I Needed/ Not Just What I Needed: 8,5
  6. Drunk Drivers/Killer Whales: 9,5
  7. 1937 State Park: 7,5
  8. Unforgiving Girl (She’s Not An): 8
  9. Cosmic Hero: 9
  10. The Ballad of the Costa Concordia: 9
  11. Connect the Dots (The Saga of Frank Sinatra): 7
  12. Joes Goes to School: 7,5

Car Seat Headrest debutaron oficialmente en el 2015, presentándose así como una de las revelaciones de tal año, pero en este 2016 se consolidaron como una realidad gracias a su gran carisma, energía juvenil y sus adictivos himnos adrenalínicos repletos de contenido cultural. La crítica no dejó pasar este detalle llevando a considerar el presente álbum en sus listas de lo mejor del año y para Persi Music no ha resultado diferente.

El punto focal de Car Seat Headrest es su líder Will Toledo, una especie de hibrido entre Stephen Malkmus y Julian Casablancas, quien se destaca por ser un ingenioso letrista que  se vale del humor oscuro, juegos de palabras e intensos ganchos vocales para dar presencia a sus canciones, mismas que se centran en el clásico combo guitarra-bajo-batería, generando así un Indie Rock en un estado puro, ese rock directo que dominó la década pasada y que recientemente parece que iba en recesión.

Teens of Denial es un disco conceptual que capta la esencia de una generación juvenil confundida y angustiada.  Toledo se convierte en Joe, un adolescente  confundido, aislado y deprimido,  buscando un camino en medio de un mundo de drogas, alcohol, chicas, policías y dudas existenciales.  Cantando con una sinceridad que pareciera indicar que el mas que nadie conoce tal etapa, Toledo acribilla con estribillos potentes  y múltiples referencias culturales y musicales (Wikipedia, The Beach Boys, entre otros) de modo que te hace sentirte en la piel de Joe, comprender su miseria y degustar cada etapa que  este personaje vive a lo largo del disco.

Como sea, independientemente si de te interesa el concepto del disco, las canciones resultan inmensamente atractivas y potentes. Más interesante es el detalle que muchas de ellas no cuentan con estructuras convencionales, de modo que siempre te mantienen con la expectativa de que coro, puente o verso aparecerá de la nada rompiendo la canción y haciéndola volar en pedazos, esto sin contar con los samples escondidos sutilmente en algunas canciones. De esta manera nos salen piezas épicas, dignas de cantar a gritos en un concierto en vivo. Así nos encontraremos por ejemplo a la dual “Drunk Drivers/Killer Whales”, prácticamente dos canciones combinadas en una, que cambia constantemente entre lo etéreo/ reflexivo y lo intenso/corajudo, tema digno para la lista de los mejores sencillos del 2016.  Otros momentos enormes lo encontraremos en los gritos finales de la aun mas cambiante “Cosmic Hero”, el puente del angustiante y extenso himno “The Ballad of the Costa Concordia”  (donde Joe se rompe por completo), los coros doble interpretativos de “Drugs With Friends” ( Drugs are better with friends are better with drugs, se refiere a que las drogas saben mejores con los amigos, o los amigo son mejores cuando están en drogas? Interesante) y no pasemos por alto las metáforas de “Vincent”.

“Im so tired of _____ (fill in the blank)” declara Toledo en sus primeras líneas, dejando a elección al oyente de que rellene el espacio con lo que le tiene cansado en su vida.  A nosotros no nos ha cansado su disco en lo mas mínimo y nos ha dejado con expectativa respecto a su próximo disco por venir, tomando en cuenta el ritmo de trabajo de este proyecto, quizás no pase mucho para que esto suceda.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Leonard Cohen

Leonard Cohen – You Want It Darker (2016)

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Puntaje del Disco: 9

  1. You Want It Darker: 10
  2. Treaty: 8,5
  3. On the Level: 8,5
  4. Leaving the Table: 9
  5. If I Didn’t Have Your Love: 8,5
  6. Traveling Light: 9
  7. It Seemed the Better Way: 8,5
  8. Steer Your Way: 9,5
  9. String Reprise/Treaty: 7,5

“I’m ready, my Lord” repetía una y otra vez Leonard Cohen en la canción que lleva el mismo nombre que el disco, como si le cantara a la muerte, como si anticipara su despedida. Y así sucedería, unos días después de lanzar su decimocuarto álbum de estudio, You Want It Darker, Leonard fallecería a los 82 años. De hecho Cohen, no solo dio indicios en este disco, sino que en entrevistas confesó que estaba listo para morir y la parca lamentablemente se llevó a este artista notable, uno de los mejores letristas de todos los tiempos. Pero se fue a lo grande, dejándonos uno de los mejores discos de su carrera.

You Want It Darker como su nombre lo sugiere es un álbum oscuro, muy oscuro. “You Want It Darker/We Kill The Flame”. Esa frase creo que resume todo lo que representa el disco. Usando un tono de voz aún más añejo, susurrante, apagado y penetrante que en Popular Problems, Leonard le canta a su pasado, sus amores y sus pérdidas. En ese sentido sus muy buenas letras son tan personales, como confesionales y de arrepentimiento. Mientras que musicalmente con una instrumentación diversa pero con predominancia de distintos tonos de coros, guitarras y órganos, Leonard nos ofrece un disco balanceando atmósferas siniestras con otras menos turbias.

La homónima “You Want It Darker” da inicio al álbum marcando el rumbo que vamos a tener, con un Cohen entonando con su voz de ultratumba, con coros que dan escalofríos y con esas líneas de bajo que le dan ritmo y un estilo más moderno, que lo transforman en un clásico fantástico.  “Treaty” marca un quiebre, donde Leonard interpreta una balada a piano cautivante que recuerda al Tom Waits de los setenta. “On the Level” tiene el mismo poder atrapante, pero esta vez recurriendo a coros Gospel.  Mientras que “Leaving the Table” es un tema tan básico en su sonido (una guitarra acústica acompañando la voz de Leonard) como hermoso. Y luego tenemos a “If I Didn’t Have Your Love”, una canción apacible con el órgano y teclado como protagonistas.

A partir de “Traveling Light” Cohen vuelva a matar la flama, apareciendo ahora los coros femeninos acompañados de una mandolina. En ese sentido después tenemos a “It Seemed the Better Way”, que explora los recovecos más sombríos de You Want It Darker, y a “Steer Your Way”, un temazo por la combinación de su muy buena melodía con sus arreglos de cuerdas.

You Want It Darker es un disco que emociona por donde se lo mire. En sus mensajes, sus letras, su música y en su contexto. Es el gran adiós que a todo artista le gustaría tener.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
A Tribe Called Quest

A Tribe Called Quest – We Got it From Here… Thank You 4 Your Service (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Space Program: 8,5
  2. We the People….: 9
  3. Whateva Will Be: 7,5
  4. Solid Wall of Sound: 8,5
  5. Dis Generation: 8
  6. Kids…: 7
  7. Melatonin: 8,5
  8. Enough!!: 7,5
  9. Mobius: 8,5
  10. Black Spasmodic: 7,5
  11. The Killing Season: 8
  12. Lost Somebody: 8,5
  13. Movin Backwards: 7,5
  14. Conrad Tokyo: 8
  15. Ego: 9
  16. The Donald: 9

La banda de hip hop que supo brillar en los noventa, A Tribe Call Quest, formada originalmente por Q-Tip (Kamal Fareed), Phife Dawg (Malik Taylor), Ali Shaheed Muhammad y Jarobi White, fue noticia después de mucho tiempo cuando decidieron lanzar un nuevo álbum este año: We Got It from Here… Thank You 4 Your Service.

Para hablar de su último trabajo hay que remontarse a The Love Movement de 1998. Posteriormente se reunirían para presentaciones en directo pero recién después de una de sus presentaciones en el popular show de televisión, The Tonight Show Starring Jimmy Fallon, en Noviembre de 2015, dejarían de lado sus diferencias y se pondrían a trabajar seriamente en un nuevo CD, según ellos mismos el último de A Tribe Call Quest.

Tragicamente la muerte tocaría la puerte de uno de sus integrantes en el transcurso de las grabaciones de. Phife Dawg luchaba contra la diabetes desde hace años y su cuadro empeoró de tal forma a principios de este años que fallecería el 22 de Marzo de 2016 a la joven edad de 45 años. La muerte de su compañero fue todo un shock pero para honrarla decidieron ponerse las pilas y terminar las grabaciones.

Demostrando su importancia para generaciones y generaciones de raperos este regreso con gloria y excelentes críticas contaría con la participación de figuras estelares del género como Andre 3000, Kendrick Lamar, Kanye West, Busta Rhymes, entre otros pero sorprendentemente se le agregarían personajes del mundo del rock como Elton John en “Solid Wall of Sound” y  Jack White aportando su particular guitarra en “Ego”, “The Donald” y “Solid Wall of Sound”, generando una collage sonoro atractivo que mezcla al hip hop, al jazz y al rock impecablemente.

We Got It from Here… Thank You 4 Your Service fue un éxito y supero las expectativas en todo sentido, la crítica especializada se rindió a los pies de estos implacables y vigentes veteranos maestros del hip hop que tal vez reconsideren su decisión y no sea lo último que sepamos de ellos como conjunto.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Radiohead

Radiohead – A Moon Shaped Pool (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Burn the Witch: 8,5
  2. Daydreaming: 9
  3. Decks Dark: 8
  4. Desert Island Disk: 5
  5. Ful Stop: 8,5
  6. Glass Eyes: 7,5
  7. Identikit: 9
  8. The Numbers: 8,5
  9. Present Tense: 9
  10. Tinker Tailor Soldier Rich Man Poor Man Beggar Man: 8
  11. True Love Waits: 8,5

Por su impacto e influencia en la música de los últimos 25 años, Radiohead son considerados una de las bandas más importantes de la actualidad, es por ello que su noveno disco de estudio, A Moon Shaped Pool se convirtió en uno de los álbumes más esperados del año. A cinco años de aquel controversial The King of Limbs, los Ingleses se embarcaron en una misteriosa campaña de promoción que incluyó el envió por  correo de un folleto a compradores previos de mercancía de la banda, así como la desaparición total de la web por parte de la banda; finalmente el ocho de mayo la espera terminó ¿Qué sorpresa tenían ahora Thom Yorke y los suyos?

Inmediatamente saltaron a la vista muchos detalles; las canciones del disco estaban ordenadas alfabéticamente, en la lista había nombres conocidos, varios temas que ya habían sido estrenados en vivo ¡Sobretodo la incorporación de la versión de estudio de “True Love Waits”, tema con más de veinte años de existencia! Radiohead hicieron de las suyas una vez más y de eso les expondré en esta reseña.

Los de Oxford son una banda relativamente impredecible; a veces tirándole a lo electrónico, a veces a lo rockero y a veces a lo ambiental. No obstante siempre podremos esperar dos cosas por parte de ellos y estas son 1) la letra e interpretación melancólica y sufrida de Thom Yorke y 2) la experimentación con instrumentos y estructuras. Moon Shaped Pool no es la excepción y encontraremos esas dos observaciones, pero también resaltan otro par de características que lo hacen único respecto a toda la discografía de la banda. En cuanto a la temática estamos ante el disco más intimista y emocionalmente demoledor de toda la banda y musicalmente estamos ante el trabajo más minimalista de la banda.

En Agosto del año pasado, Thom Yorke dio la noticia del divorcio de él y su pareja tras 23 años juntos, la devastación y el dolor del cantante se ven angustiosamente reflejados a través de una gran mayoría de las canciones, Thom siempre ha cantado sobre la ansiedad, el dolor y la paranoia, pero ahora no solo lo canta, sino lo siente, en sus canciones está plasmada la confusión,  el sufrimiento y la resignación en una etapa muy difícil de su vida. No hay que ir más allá que del tema distintivo del disco, la bellísima y desgarradora “Daydreaming”, una canción etérea y cristalina que vino acompañada de un disco donde un perdido Thom divaga por puerta tras puerta, introspectivamente enfrentándose a su pasado y a los recuerdos, cantando destrozado “And it’s too late, the  damage is done”. Temazo sin más ni menos y un muestra clara de la capacidad que tiene esta banda para evocar intensas emociones.  Es un disco muy personal sin duda y créanme que el  coro “Just don’t leave” de “True Love Waits” nunca antes se sintió tan a flor de piel. La intensidad emocional la encontraran en mas canciones y forma la temática de este disco de rompimiento, de perdida y de desolación.

La música va de la mano con la letra, en este álbum predomina un ambiente etéreo, un sonido atmosférico y sensible, minimalista para los estándares de la banda. Esto es lo más cercano a Radiohead haciendo Dream Pop. “True Love Waits” es quizás el ejemplo claro, ya que si bien antes era acústica y un poco acelerada, ahora se reduce a un repetitivo teclado y efectos ambientales.  Para el desarrollo de tal sonido es donde entra el ingenio de Jonny Greenwood quien para darle un toque único al disco se encargó de dirigir una sección de cuerdas de la London Contemporary Orchestra, de modo que estos arreglos se encuentran constantemente a lo largo del disco. Inclusive el opener del disco “Burn the  Witch” (otro tema con muchos años de gestación) se vale de un marcado uso de las cuerdas para transmitir ansiedad y sensación de peligro, pero a la vez ser el tema más  animado del disco. Una maravilla lo que hace esta orquesta en el disco (tan solo escuchen el final de “Tinker Tailor Soldier Rich Man Poor Man Beggar Man”, exquisito)

Pero no todo es cuerdas y ambient, hay lugar para los clásicos temas electrónicos que acostumbran, tales como “Ful Stop” que  con sus baterías amenazadoras (trabajo conjunto de Phil Selway y Clive Deamer) y los efectos de la mano de Ed O’ Brien se muestra movida y creciente. También está la bailable “Identikit” donde a los que gustan del sonido de las guitarras disfrutaran de un solo de Jonny (¿Hace cuanto no tocaba uno en un disco?).  De mi parte me gustaría hacer hincapié en un par de canciones que me encantaron, la primera “The Numbers” que a diferencia del resto de los temas trata sobre el desastre climático que tanto preocupa a Thom. Pero mi favorita absoluta es “Present Tense” en el cual la banda llega al punto de impregnarse de música brasileña y hacer una especie de Bossanova, con un llamativo arpegio de guitarra y la presencia de loops vocales dando más presencia,  el coro es hermoso y la armonía inigualable. Una joyita.

Para concluir con esta reseña, transportémonos al final de “Daydreaming”, Thom declara las siguientes palabras:

We are
Just happy to serve
Just happy to serve
You

Radiohead han servido bien a nuestros oídos y parece que todavía tienen más que dar. Por tanto esperemos unos años más para la siguiente sorpresa mientras continuamos deleitándonos en este disco y la destacable discografía de esta banda.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Mitski

Mitski – Puberty 2 (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Happy: 9,5
  2. Dan the Dancer: 9
  3. Once More to See You: 8,5
  4. Fireworks: 9
  5. Your Best American Girl: 8,5
  6. I Bet on Losing Dogs: 8
  7. My Body’s Made of Crushed Little Stars: 8
  8. Thursday Girl: 8
  9. A Loving Feeling: 8,5
  10. Crack Baby: 7,5
  11. A Burning Hill: 8

Siempre hay un disco que omitimos involuntariamente en nuestra sección Últimos Lanzamientos, pero que cuando lo escuchamos a fin de año termina sorprendiendo muy gratamente. Es el caso de Mitski, una neoyorkina de origen japonés de quien podemos decir que hizo uno de los mejores discos Indies del 2016, titulado Puberty 2.

La clave del éxito del álbum es que combina 3 cualidades que Mitski desarrolla de manera impecable. Por un lado, las composiciones y sus melodías son realmente muy buenas, diversas entre sí y mejoran con cada nueva oída que le damos. Por otro lado, Mitski tiene buena voz, es una vocalista que no tiene que envidiarle mucho a otras de cantantes de la época. Y por último, las canciones son extravagantes y experimentales en cierto punto. Los arreglos en base a guitarras y sintetizadores que usa le dan diversidad y originalidad. En ese sentido tiene acercamientos a las propuestas de otras artistas como St. Vincent, con la diferencia que Mitski es menos bailable y más cautivante en lo que hace.

En la primera parte de Puberty 2 encontramos lo más rico del material. “Happy”, que parece un disco rayado al principio, crece en su sonido convirtiéndose en una excelente apertura. La sucede “Dan the Dancer” que la rockea. Mientras que “Fireworks” es penetrante por su guitarra.

El resto del álbum es también bastante consistente. Mitski te puede ofrecer tanto baladas (“A Burning Hill”) como cortes más Punk de ritmos vertiginosos (“My Body’s Made of Crushed Little Stars” y “A Loving Feeling”) manteniendo su identidad, así como explora tonos más oscuros (“Once More to See You”), más lentos (“Thursday Girl”) como intensos (“Your Best American Girl”).

Puberty 2 en general es una propuesta muy interesante, con la cual Mitski empezaría a cosechar los primeros reconocimientos de la crítica y a ganar un poco más de popularidad (que no obtuvo en sus primeros 3 trabajos discográficos), transformándose en uno de los discos más destacados del año.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Kanye West

Kanye West – The Life of Pablo (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Ultralight Beam: 7,5
  2. Father Stretch My Hands Pt. 1: 7
  3. Pt. 2: 6
  4. Famous: 8,5
  5. Feedback: 9
  6. Low Lights: 8,5
  7. Highlights: 8
  8. Freestyle 4: 7,5
  9. I Love Kanye: –
  10. Waves: 9
  11. FML: 8,5
  12. Real Friends: 7,5
  13. Wolves: 8
  14. Frank’s Track: –
  15. Siiiiiiiiilver Surffffeeeeer Intermission: –
  16. 30 Hours: 7
  17. No More Parties in LA: 9
  18. Facts (Charlie Heat Version): 9,5
  19. Fade: 7,5
  20. Saint Pablo: 8

Productor, músico, empresario y celebridad, en todo eso junto (y mucho más) se transformó el rapero Kanye West en los últimos años, marcando tendencia cada año con cada movimiento que da, y 2016 no sería la excepción.

Su séptimo LP de estudio, The Life of Pablo, llegó precedido de una ruidosa campaña de auto promoción del artista desde su cuenta oficial de Twitter. Generando una expectativa y excelente marketing las semanas previas a su debut. “Muy contento por haber finalizado el mejor disco de todos los tiempos”, afirmaba el 25 de enero en un tuit que venía acompañado de una foto del listado de canciones que iban a formar parte del proyecto. Un día después añadía: “Este no es el disco del año. Es el disco de la vida”.

Desde que empieza a sonar el track incial, “Ultralight Beam”, sospechamos que encontraremos poco del sonido experimental oscuro, minimalista e intenso de Yeezus (2013), con mayor protagonismo de melodías limpias, accesibles y voces soul, síntoma que se repetiría a lo largo de los 19 canciones de casi una hora de duración.

Entre los momentos estelares de The Life of Pablo podemos mencionar el hit “Famous” junto a Rihanna, amen de su escandaloso video musical y controversias generadas posteriormente con la cantante Taylor Swift, y temas irresistibles con bases creativas y tanto producidas como interpretadas con excelencia como “Feedback”, “Low Lights”, “Waves”, “FML”, “Facts (Charlie Heat Version)” y con la compañía de la nueva revelación del hip hop Kendrick Lamar en “No More Parties in LA”.

The life of Pablo no solo es el regreso de Kanye West a un sonido más reconocible y digerible, sino que es un disco dispuesto a desafiar con argumentos de peso al hip hop actual y a la supuesta moda imperante. Sacando su ego y personalidad por momentos insoportables, hay que reconocer que se las ingenia para sonar emotivo, imaginativo, fresco y vigente.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Woods

Woods – City Sun Eater in the River of Light (2016)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sun City Creeps: 9
  2. Creature Comfort: 8,5
  3. Morning Light: 8
  4. Can’t See at All: 9
  5. Hang it on Your Wall: 8,5
  6. The Take: 7,5
  7. I See in the Dark: 8
  8. Politics of Free: 9
  9. The Other Side: 8,5
  10. Hollow Home: 8

Posiblemente no hayan escuchado mucho de ellos antes si no es que ni siquiera sabían de su existencia. No obstante les sorprenderá saber que son dueños de su propia compañía disquera (Woodsist) y organizadores de su propio festival anual (Woodsist festival). Poseedores de una inmensa fuerza creativa, capaces de reinventarse constantemente y con el buen hábito de nunca sacar mal disco, ellos son Woods.

Con aproximadamente diez años de existencia, los originarios de Brooklyn  han lanzado nueve discos en los que predominantemente  se han desenvuelto en una especie de Folk Psicodélico influenciado por tintes sesenteros y setenteros. Consistentes pero ambiciosos, en su último lanzamiento es donde se han alejado más de su zona de confort, llegando a un trabajo rico en armonías y sorpresas.

Y es que desde los primeros segundos de “Sun City Creeps” sabemos que estamos ante algo  completamente distinto; un tema situado entre Reggae, Funk y Jazz africano, con un sonido de cuernos y guitarra Wah Wah que dan paso a la única voz en falsette del vocalista Jeremy Earl, pasaran los minuto y aquellos cuernos iniciales comienzan a asemejarse al sonido de mariachi de la música tradicional Mexicana ¿Les suena rarísima la descripción? Pues así de exóticos nos han resultado Woods en su más reciente presentación, y en el estuche de sorpresas que es este disco encontraran aun mas influencias africanas, tropicales y como acostumbran, Psicodelia, Soul y Funk  Americano.

Escuchen por ejemplo el otro highlight “Can’t See at All” que es una fiesta psicodélica donde las inconfundibles vocales de Earl  se combinan una guitarra twangy medio funkera y con un órgano de iglesia marcando la pauta. Pero tanto detalle no les haga pensar que este es un disco de difícil escucha ¡Todo lo contrario! Suena alegre y más que nada optimista, los temas son accesibles, no vayamos mas allá de la relajada y veraniega “Politics of Free”, llamando a liberarse de los pesos de la vida moderna, basándose en unos llamativos pero sencillos arreglos de guitarra (y los coros más efectivos del disco), una canción que es imposible no traiga una sonrisa.

Les he mencionado los tres puntos altos del disco, pero sepan que en este álbum se encontraran baladas (“Creature Comfort”), Kraut (“I See in the Dark”) y hasta bongos en medio de un entorno acido (“The Take”) ¿Pero para que les sigo describiendo más los tantos detalles de este colorido álbum? ¡Mejor les invito a escuchar el disco entero!

Gera Ramos

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