Archivo de la categoría: Bandas de Rock Nacional Argentinas / En Español

Memphis La Blusera

Memphis La Blusera – Alma bajo la lluvia (1982)

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memphis-alma-bajo-la-lluvia-6324433Puntaje del Disco: 7

  1. Moscato, pizza y fainá: 8
  2. Alma bajo la lluvia: 7
  3. Boogie mamá: 7
  4. El blues de las 6 y 30: 7.5
  5. El trepador: 6
  6. Lo mismo boogie: 6
  7. El estibador: 6.5
  8. En todas las ciudades: 6

Memphis La Blusera fue una de las bandas pioneras en Argentina en combinar el blues con el rock. Con letras inspiradas en cuestiones sociales y tomando las experiencias de típicos laburantes de barrio porteño, la banda liderada por el carismático Adrián Otero se hicieron cargo de extender el género más allá del ámbito de los entendidos.

1978 fue el año fundacional para este grupo proveniente del barrio de La Paternal en Buenos Aires. La primera presentación fue en el teatro Union e Benevolenza ante un reducido público. Luego creciendo de a poco, participaron como teloneros de Pajarito Zaguri en el Estadio de Obras. En 1982, tras conseguir en sonido que tanto buscaba, Memphis sacó su disco debut, “Alma bajo la lluvia”, obteniendo buenas críticas.

Desde este material Memphis propone un estilo diferente de Blues. Uno no tan melancólico ni depresivo, sino más amigable. Las letras simples y sin complejos son la constante en este buen disco debut.

“Moscato, pizza y fainá” relata las alocadas horas de la avenida Corrientes y se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo. “El Blues de las 6 y 30” que se enfoca en el desgarrador esfuerzo que implica comenzar la jornada tan temprano en la mañana es el otro destacado del álbum. “El Estibador” es otro ejemplo del duro trabajo al que este obrero está sometido en su vida cotidiana. Por otra parte, la canción que da nombre a este trabajo se orienta más al amor perdido y expone la parte más natural del Blues.

Con este disco Memphis La Blusera entró en la escena del Rock Nacional con temas interesantes y dos buenos clásicos.

Piro

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Cafe Tacvba

Cafe Tacvba – Re (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. El Aparato: 9,5
  2. La Ingrata: 8,5
  3. El Ciclón: 8,5
  4. El Borrego: 8,5
  5. Esa Noche: 7
  6. 24 Horas: 9
  7. Ixtepec: 8
  8. Trópico de Cáncer: 9
  9. El Metro: 8,5
  10. El Fin de la Infancia: 8
  11. Madrugal: –
  12. Pez: 7,5
  13. Verde: 8
  14. La Negrita: 8,5
  15. El Tlatoani del Barrio: 9
  16. Las Flores: 8
  17. La Pinta: 9,5
  18. El Baile y el Salón: 9
  19. El Puñal y el Corazón: 8
  20. El Balcón: 7,5

Anteriormente conocidos como “Alicia Ya No Vive Aquí (en honor a un film de Martin Scorsese con ese nombre) el grupo mexicano Café Tacvba finalmente tomaría su nombre definitivo de una añeja cafetería ubicada en México DF (el Café de Tacuba).y para evitar problemas sobre derechos por el uso del nombre, utilizaron una grafía antigua de «Tacuba», sustituyendo la «u» con una «v», de allí la peculiaridad de la escritura del nombre del grupo.

Formados en 1989 por Rubén Isaac Albarrán Ortega (voz y guitarra), Emmanuel «Meme» del Real Díaz (teclados, guitarra y piano), José Alfredo «Joselo» Rangel Arroyo (guitarra y voces) hicieron su incursión musical en 1992, pero seria su segundo álbum Re (1994) el que los consagraría, señalado como la contribución mas importante en la historia del rock mexicano y yendo aun mas lejos algunos medios como el New York Times lo bautizarían como “el equivalente al Album Blanco de los Beatles para el rock en español”, no sólo por su duración y cantidad de temas, sino por la exploración hacia distintos géneros musicales y su complejidad en cuanto a composición. Re proviene lógicamente de la segunda nota musical simbolizando el avance hacia el segundo disco en la carrera de Café Tacvba.

La producción del argentino Gustavo Santaolalla ayudo bastante a la solidez y la diversidad que se abarcan en Re. El disco gira alrededor de las diferencias culturales a través de lo cíclico del sonido, maneja una gran paleta de instrumentación y se mueve dentro de diversos estilos musicales como el rock latino, funk, parodias de sonidos regionales, samba brasileña, heavy metal, baladas, pop, bailables, ska, todos interpretados con mucha calidad.

Actualmente Café Tacvba cuenta con diez materiales de estudios editados, desde su debut y con casi veinte años de carrera son una de las bandas más influyentes e innovadoras en el rock latinoamericano, por lo difícil de catalogar y encasillar de su musical y la versatilidad de ritmos que manejan a la perfección.

F.V.

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Sui Generis

Sui Generis – Vida (1972)

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sui-generis-vida-4601833Puntaje del Disco: 9

  1. Canción Para Mi Muerte: 10
  2. Necesito: 7,5
  3. Dime Quien Me Lo Robó: 9,5
  4. Estación: 8
  5. Toma Dos Blues: 7,5
  6. Natalio Ruiz: 8
  7. Mariel y el Capitán: 9
  8. Amigo Vuelve A Casa Pronto: 8,5
  9. Quizás, Porque: 7,5
  10. Cuando Comenzamos A Nacer: 8,5
  11. Posludio: –

Como si fueran Simon y Garfunkel, el rock argentino también tuvo su propio dúo de músicos que dio de que hablar en la década de los setenta. Sui Generis estaba conformado por dos figuras preponderantes como lo son Charly Garcia y Nito Mestre. Juntos lograron desarrollar un enternecedor folk rock que se puede deslumbrar en su primer trabajo: Vida.

Tal como el nombre lo sugiere y por palabras de sus propios autores, Vida es un trabajo muy puro e inocente. Es eminentemente acústico, remarcando nuevamente la influencia de Simon y Garkunkel, pero especialmente en las armonías vocales de sus interpretaciones. Aún así lo que llegó a diferenciar a Sui Generis del dueto yankee es que abordaron una mayor variedad de estilos.

De esta forma, si bien en Vida predomina el folk rock, también podemos encontrar excelente rock progresivo en “Dime Quien Me Lo Robó”, blues puro en “Toma Dos Blues”, clásicos que incorporan el piano/teclado como “Natalio Ruiz” y “Amigo Vuelve A Casa Pronto”, y luego flautas medievales en “Cuando Comenzamos A Nacer”. Sin embargo, la gran destacada del disco es la famosa “Canción Para Mi Muerte”, una preciosa canción acústica que te enamora con su melodía.

Vida también da lugar a temas más sonsos (escuchen el conocido “Necesito”, es practico pero puedo ser confundido por una composición de Ignacio Copani), además de otros desperfectos que hacen del álbum un producto no tan redondo. De todas maneras, Vida es uno de los mejores discos del dúo y también del rock argentino.

Persy

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Bersuit Vergarabat

Bersuit Vergarabat – Y Punto (1992)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. El Tiempo No Para: 8
  2. La Papita: 6
  3. Diez Mil: 5
  4. Tuyu: 5.5
  5. Homenaje A Los Locos Del Borda: 6
  6. Venganza de los muertos pobres: 7
  7. Hociquito De Ratón: 6.5
  8. La Logia (Iambo-Iombo): 6
  9. Como Nada Puedo Hacer (Puteo): 6
  10. Sistema Al Mejor Postor (La pantalla): 5.5

El nombre del disco lo dice todo. “Y Punto” intentó expresar en términos sencillos lo que Bersuit Vergarabat venía a hacer; poner un freno a tanta hipocresía que la sociedad argentina había mostrado durante los años previos a 1992. Con letras muy elocuentes, la banda fundada por Gustavo Cordera surgió del sur de la provincia de Buenos Aires como una necesidad de expresar lo que estaba pasando en la sociedad.

El nombre original de la banda fue Henry y los Palangana y tenía, acompañando a Cordera, a Carlos Martín en batería, Pepe Céspedes en bajo, Juan Subirá en teclados y Charly Bianco en guitarra. A comienzos de los noventa se incorporaron Oscar Righi en guitarra eléctrica, Raúl Pagano en teclados y Rubén Sabrinas en voz. Una vez completa la banda y con el nombre actual, en 1992 salió a la venta su primer disco.

La combinación del rock con ritmos latinoamericanos, letras con doble sentido y la voz picaresca de Cordera fueron las características más novedosas que proponía Bersuit. “Yo veo al futuro repetir al pasado” dice la más popular canción del disco, “El Tiempo No Para” y con tan sencilla frase parece reflejada la política argentina. La vigencia de sus letras hace de esta la mejor interpretación del álbum.

Más allá de la parte reflexiva que la banda quiera imponer, el principal recurso de Bersuit es el humor. Videos desopilantes y canciones fáciles como “La Papita” o “Diez Mil” son ejemplos de este aspecto. Incluso la locura es un tema al que se recurre, como en “Homenaje a Los Locos del Borda”, en alusión a una leyenda que cuenta que Cordera pudo haber sido uno de ellos.

“Y Punto” puso a Bersuit Vergarabat en escena y aunque no fue un gran debut, lo mejor estaría por llegar cuando la banda encontró de la forma justa cómo manifestar la ebullición de la sociedad argentina ante tanta corrupción.

Piro

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Babasonicos

Babasonicos – Trance Zomba (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Desarmate: 8,5
  2. Malón: 9,5
  3. Montañas de Agua: 9
  4. Coral Caraza: 8
  5. Ascendiendo: 8,5
  6. Patinador Sagrado: 8,5
  7. Koyote: 7
  8. Poder Ñandú: 7
  9. Arbol Palmera: 9
  10. Sheeba Baby: 7,5
  11. Misericordia: 8
  12. Posesión del Tercer Tipo: 9

Procedentes de Lanus, localidad del gran Buenos Aires, los Babasonicos empezaron a hacerse conocidos con el single «D-Generacion» parte de su primer trabajo Pasto (1992) que sonó constantemente en las radios con un estilo alternativo y distorsionado muy distinto a como alcanzarían la fama años mas tarde, lo que hizo diferenciar a los fans nuevos de la banda con los que los siguieron desde sus comienzos cuando tocaban un rock mas «duro» y menos comercial.

Pasto contó con la participación de Gustavo Cerati y Daniel Melero como invitados y comenzarían de buena forma a ganar adeptos presentándose como teloneros de bandas nacionales muy populares como Soda Stereo e internacionales como INXS y Depeche Mode.

Su segundo trabajo Trance Zomba (1994) marcaría una diferencia notoria con su antecesor. Si en Pasto todo era rápido y no había respiro, Trance Zomba es un viaje, un trance, hay una excesiva contemplación un medio-tiempo constante, todo en este disco se caracteriza en una pausa infinita, de hecho hasta los temas más roqueros tienen una pausa. Otro elemento fundamental en el sonido del disco es la incorporación de la música negra y del Glam rock, que musicalmente no es explicito, sino que lo es a puro nivel estético, algo que adquiriría relevancia e importancia para Babasonicos disco tras disco. La estética-sónica puso una cuota de originalidad marcando un camino que muchos imitarían en el rock argentino y latinoamericano.

Otra cuota de originalidad seria la incorporación de DJ Peggyn el primer DJ estable en una banda de Latinoamérica que les sumo diferentes alternativas sonoras a las canciones. Trance Zomba merodea por diferentes estadios un tema con base hip-hop “Desarmate” digno de los Beastie Boys o Rage Against the Machine, momentos roqueros como “Montañas de agua” y “Malón” que se convertiría en un clásico de la banda, “Sheeba Baby” una canción casi progresiva, baladas como “Coral Caraza” y “Arbol Palmera” que anticiparon el sonido que mas adelante seria una marca registrada del grupo y la innovadora mezcla de funk y música futurista de “Patinador Sagrado”.

A pesar de ser considerado un disco fundamental en su carrera tanto por fans como por la critica especializada, no es tan bien recordado por el grupo, lo que se desprende de las palabras del bajista Gabo Manelli: “Es un disco pobre, humilde… los sonidos del disco son así, tenía que ser un disco de bajo sopor, de descanso… es un disco de clase media“.

F.V.

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Vox Dei

Vox Dei – Caliente (1970)

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  1. Reflejos Tuyos y Míos: 8
  2. No Es por Falta de Suerte: 7,5
  3. Cuero: 7,5
  4. Compulsión: 8
  5. Total Que: 7,5
  6. Canción Para una Mujer (Que no esta): 9
  7. Presente: 9

“La Voz de Dios” ese es el significado (santurrón) de Vox Dei, otra de las bandas fundacionales y más importantes del rock argentino. Su procedencia se remite a finales de los sesenta con la unión de Willy Quiroga (Bajo y Voz), Ricardo Soule (Guitarra y Voz), Juan Carlos Godoy (Guitarra y Voz) y Ruben Basoalto (Bateria). En el ’69 conseguiría un contrato con la compañía discográfica Mandioca y empezarían a grabar sus primeros singles. Pero recién en 1970 llegaría su álbum debut: Caliente.

Caliente es un muy buen trabajo que desde mi punto de vista se divide en dos partes: los primeros 5 temas que rockean siguiendo una misma tendencia de rock/blues algo primitiva pero también muy entretenida; y los últimos 2 grandes clásicos del disco que desde su concepción se desligan marcadamente de los antes mencionados.

El primer tramo arranca con “Reflejos”, que se luce por tener un jam instrumental largo pero interesante. Luego “No Es por Falta de Suerte” se nos presenta como una prolongación, es más o menos la misma canción. “Cuero” y “Compulsión” es hard blues más del estilo de Cream o Led Zeppelin. Y para finalizar tenemos a “Total Que” que incorpora la armónica y se destaca por tener un estribillo pegadizo.

Ya en la segunda parte de Caliente primero está “Canción Para una Mujer”, una preciosa y nostalgica balada acústica, mi favorita del disco. Y para cerrar el álbum “Presente”, el tema más conocido de Vox Dei. La canción esta muy quemada, pero no quedan dudas que es un himno del rock argentino. El estribillo enunciando “Todo me demuestra que al final de cuentas, termino cada día, empiezo cada día” hizo historia y quedará inmortalizado para siempre.

Persy

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Los Abuelos de la Nada

Los Abuelos de la Nada – Los Abuelos de la Nada (1982)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí: 8
  2. Sin Gamulán: 8.5
  3. Como Debo Andar: 7.5
  4. En la Cama o en el Suelo: 6
  5. Ir a Más: 6.5
  6. Tristeza de la Ciudad: 7
  7. Creo Que es un Sueño Más: 6
  8. Levantando Temperatura: 6.5
  9. Guindilla Ardiente: 5
  10. Te vas Rica: 6
  11. Se Me Olvidó Que Te Olvidé: 5.5

“Padre de los piojos, abuelos de la nada” decía una frase de Leopoldo Marechal en el libro “El Banquete de Severo Arcángel”, cuyas últimas palabras fueron el punto de partida de la historia de una de las bandas más importantes del Rock Nacional. Fundada en 1967 por Miguel Angel Peralta y Pipo Lernoud, Los Abuelos de la Nada dieron forma al proyecto de rock criollo que se venía gestando con Almendra, Los Gatos y Manal.

La historia de los Abuelos de la Nada tiene dos etapas. En la primera, que se inició hacia fines de los sesenta, Miguel Abuelo era el encargado de las voces, Héctor Lorenzo era el batero, Alberto Lara en bajo, Micky Lara en guitarra, Eduardo Fanacoa en teclados y el legendario Pappo hacía de las suyas con la viola. Lograron editar el simple que incluía a “Divina Diana” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero sin conseguir sacar un disco. Luego vinieron las diferencias entre los integrantes y mientras Abuelo se fue a España, Pappo continuó con el grupo dándole un estilo más blusero, pero tiempo más tarde también dejaría la formación.

La segunda etapa del grupo comenzó con la vuelta de Miguel Abuelo y la incorporación en los teclados de Andrés Calamaro, un talentoso joven que infundió el pop y el New Wave ochentoso en la banda. En 1982, con la producción de Charly García, se lanzó el disco homónimo que abrió un exitoso camino en la carrera del grupo.

Este álbum debut tiene un estilo pop combinado con rock y reggae bastante innovador para la época. A la experiencia de Abuelo se le sumaba el gran talento que mostraba Calamaro en cada intervención, como en “Sin Gamulán”, uno de los grandes hits. “No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí” es el otro éxito del disco aunque también se destaca “Tristeza del Ciudad”.

El éxito del álbum llevó a los Abuelos a presentarlo por el interior del país y forjar a partir de entonces una serie de éxitos que durarían no más de cinco años, pero que sirvieron para posicionar al grupo como uno de los grandes del Rock Nacional.

Piro

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Sumo

Sumo – Divididos por la Felicidad (1985)

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dividios-por-la-felicidad_tapa1-5109564Puntaje del Disco: 9 ,5

  1. La Rubia Tarada: 9
  2. Mula Plateada: 8,5
  3. No Acabes: 8,5
  4. Regtest: 7,5
  5. El Reggae de Paz y Amor: 8,5
  6. Debede: 9,5
  7. Mejor no Hablar (de ciertas cosas): 9,5
  8. Divididos por la Felicidad: 9,5
  9. No Duermas Más: 8
  10. Kaya: 7,5

La imagen de Luca Prodan es sin dudas una de las mas importantes y llamativas en la historia del rock nacional. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca fue el tercero de cuatro hermanos: Michela (Micaela) y Claudia eran las mayores, y Andrea el menor de todos. Estudió en Escocia en el Gordonstoun, el mismo colegio al que asistía el Príncipe Carlos de Inglaterra y vivió toda la década de los ’70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de su amigo Timmy McKern que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, recién ahí conoció Argentina sin saber una palabra de español, al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad cordobesa y decidió mudarse a Buenos Aires concretamente a la localidad de Hurlingham.

Prodan se hizo amigo del cuñado de Timmy, Germán Daffunchio en guitarra y con un vecino de éste, Alejandro Sokol en bajo a ellos se les sumo en un comienzo Stephanie Nuttal en batería, una amiga inglesa de Luca, y con esta formación tocaron su primer show en una discoteca de El Palomar llamada Caroline’s Pub. En época de Malvinas tuvieron problemas por cantar sus temas en ingles y especialmente por contar con una inglesa como Nuttal que tubo que volverse a su país. En 1984 Sokol dejó la banda y se sumaron Diego Arnedo en bajo, Alberto Troglio en batería, Ricardo Mollo en guitarra y en saxofón Roberto Petinatto hasta ese entonces periodista de la revista El Expreso Imaginario.

El grupo se volvió en habitúe del Bar Einstein, propiedad del empresario excéntrico Omar Chaban, y se ubicaron a la cabeza del movimiento under Argentino. Su primer disco oficial Divididos por la felicidad (1985), el nombre surgió como homenaje al grupo británico Joy Division, lanzó al estrellato a Luca presentándolo en el Teatro Astros, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado Corpiños en la madrugada, y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit que ayudo a este éxito fue “La Rubia Tarada” pero no seria lo único interesante de su disco debut. “Mejor no hablar (de ciertas cosas)”, “Divididos por la felicidad” y “Debede” mostrando su faceta mas dura y alternativa que también se desenvolvía con facilidad en el reggae “No acabes”, “Regtest”, “El reggae de paz y amor”, “No duermas” y “Kaya” dan pruebas de ello.

F.V.

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Los Ratones Paranoicos

Los Ratones Paranoicos – Ratones Paranoicos (1986)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. Movamos: 7,5
  2. Sedan 1: 5
  3. Algo Me Queda: 5,5
  4. Ahora No Es Lo Mismo: 7,5
  5. Descerebrado: 7
  6. Bailando Conmigo: 5
  7. Primavera Nacional: 6,5
  8. Sucia Estrella: 8
  9. Slide: 6
  10. Chica Cadáver: 5

En la década de los ochenta nacería en Buenos Aires un grupo que tomaría mucha influencia de los Rolling Stones, demasiada, a punto tal de ser considerados la máxima expresión de los Rolling Stones en Argentina. Esta banda era Los Ratones Paranoicos, quienes liderados por un muchacho “rebelde” llamado Juanse llegaron a hacerse conocidos imitando las formulas y premisas más básicos de los Stones.

Lo alarmante es que alcanzarían mucho reconocimiento en el país sin merecerlo. Seamos honestos, los Ratones son una copia bastante floja de los Stones. Solo tuvieron un puñado de muy buenas canciones emulando algunos riffs de Richards o imitando el estilo sucio y sexual de Jagger. Aun así, los Ratones desde su naturaleza solo pueden conformarse con ser un discreto grupo de rock. El considerarse los Rolling Stones argentinos es un rotulo que les queda muy grande (le queda grande a cualquiera). El Sr. Juanse y los suyos no son creadores de nada, solo copian y a veces en forma bastante absurda. Son el símbolo de la falta de originalidad del rock nacional.

De todos modos, la “actitud rockera” de Juanse fue posiblemente un factor determinante para convencer a su compañía discográfica para que graben su primer disco. Es así como en 1986 llegaría su álbum debut: Ratones Paranoicos.

Su primer disco tiene mucho de lo que comentaba anteriormente. Es un álbum de rock y blues genérico y obsoleto. No tiene nada de novedoso y es bastante uniforme. Es una versión bastardeada de los Stones, en donde hay poco para destacar de ellos musicalmente. Puedo decir que “Sucia Estrella” es el mejor tema, por su estribillo y por ser lo más redituable dentro de lo repetitivo de su receta. Y “Ahora No Es Lo Mismo” y “Movamos” son números dinámicos y entretenidos. El resto aburre, como el tedioso blues de “Sedan 1”.

Pero señores, lo peor del álbum son las letras. Son ordinarias y vulgares. El “poeta” Juanse nos trae una serie de canciones con prosas sutiles sobre “Chicas” y “Baile” que se repiten una y otra vez como si fuera un álbum conceptual. Algunos ejemplos: Movamos: “En el auto hay dos chicas mojadas/ son negras, fumaban ya de acá”; Sedan 1: “Son todas chicas nada mas/ Que bailan y gritan al llegar/ Muchachas calientes que al entrar/ Se quieren quedar”; Bailando conmigo: “Tu nena está caliente/ Su cuerpo no lo entiende/ Sale todo el día baila bien.”; Sucia Estrella: “Estrella, todas las chicas no quieren bailar/ Estrella, total a mi me da igual”; Chica Cadáver: “La chica ya es un cadáver, es imposible sacarla a bailar”. Claro, en “Chica Cadáver” la Chica termina agotada… al igual que el oyente…

Persy

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Fito Páez

Fito Páez – Del ’63 (1984)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Del sesenta y tres: 7
  2. Tres agujas: 8
  3. Viejo mundo: 6.5
  4. La rumba del piano: 7
  5. Cuervos en Casa: 6
  6. Sable chino: 6.5
  7. Rojo como un corazón: 7
  8. Canción sobre canción: 6
  9. Un rosarino en Budapest: 7.5

Cuna de numerosos artistas y poetas que con sus obras atravesaron el tiempo y el espacio, la ciudad santafesina de Rosario es uno de los pulmones que oxigenan al Rock Argentino. Juan Carlos Baglietto, Lito Nebbia, Silvina Garré son sólo algunos de los muchos músicos que se enorgullecen de haber surgido de la querida Rosario. Entre tanto talento, hacia fines de los años setenta, la ciudad encontraba a un nuevo hijo pródigo, Rodolfo Páez. O simplemente Fito.

En plena adolescencia y comenzando a ver los excesos que esos años conllevan, tocaba en El Banquete junto a Rubén Goldín y Jorge Llonch. En 1978 Baglietto lo incluyó como tecladista de su banda y cinco años más tarde cantaba “Del ‘63”, tema que luego formó parte de su primer disco. Pero antes de su debut discográfico, tuvo el privilegio de compartir ensayos con su ídolo Charly García que por entonces estaba grabando “Clics Modernos” y “Piano Bar”.

El impulso que significó trabajar con el mismísimo García, le permitió en 1984 editar “Del ‘63”, en el que estuvo acompañado de Fabián Gallardo en guitarra y teclados, César Franov en bajo y Tuerto Wirzt en batería. Desde el inicio Fito demostró ser un gran compositor, recibiendo varios premios y menciones.

El disco explora diversos géneros como el folklore, la bosa nova, la rumba y por supuesto, el rock, aunque este último género no es precisamente el más utilizado. La mayoría son canciones tranquilas en las que Fito repasa experiencias vividas y situaciones personales. El tema que le da nombre al disco, con una simple melodía, repasa los veinte años de vida del rosarino tomando a Lennon, Vietnam y otros hechos que marcaron su infancia y adolescencia. “Tres Agujas” y “Un Rosarino en Budapest” se convirtieron pronto en clásicos en la carrera de Fito ya que combinaba buenas letras y melodías pegadizas; aspecto que ganaría mayor forma con los siguientes trabajos.

Piro

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