Archivo de la categoría: Bandas de Rock Nacional Argentinas / En Español

El Perrodiablo – El Espíritu (2012)

 

Puntaje del Disco: 8

  1. Algo Sobre Estar Vivo: 8
  2. Los Malditos: 9
  3. No Me Digas Que No: 7,5
  4. Las Vegas: 8,5
  5. Estrellándome: 6,5
  6. Una De Esas Cosas: 7
  7. No Califica: 8
  8. Cuando Ya No Sé Que Hacer: 8
  9. El Monje Negro: 7

El Perrodiablo es sin dudas una de las bandas más excitantes de la escena roquera local. Su hard rock crudo y violento influenciado por AC/DC y The Stooges, entre otros, los ubican entre las bandas que más dejan en el escenario en cada escenario.

Resulta curioso que Doma, su cantante y frontman desquiciado, sea fan de los Beastie Boys y comenzó su carrera musical a mediados de los noventa en una banda de hip-hop y según el mismo cuenta no les había ido nada mal: “Se llamaba Clausen Rollers y éramos seis personas, un quilombo. En un año y medio de laburo ya estábamos tocando con muchas bandas importantes de Capital en ese momento: Actitud María Marta, Los Cafres, Lumumba, Sindicato Argentino de Hip-Hop.” Hasta que a principios de la década pasada formaría El Perrodiablo con la estructura tradicional de guitarra – bajo – batería.

Desde la edición de su segunda placa, Orgía Políticamente Correcta, El Perrodiablo era un número fijo en la escena under porteña y se empezó a hablar de sus shows poderosos y particulares con total entrega dejando todo en los escenarios. “Es nuestra manera de sacarnos de encima todo el veneno que tenemos adentro –explica Doma–, porque todo, tal cual está el mundo, nuestros trabajos y el modo de vida gris que llevamos todos, nos parece difícil de aceptar.”

El Espirítu sería el nombre con el que se conocería su tercer disco de estudio, producido de manera independiente que saldría a las ventas a finales de 2012. Con un sonido más pulido, profesional, pero igual de salvaje comenzaron a tener mayor repercusión y a ganar reputación. “Es buenísimo el rebote y que a la gente le guste nuestra música –dice Doma–, pero lo que nos interesa realmente es que todo esto se logró de manera independiente. Fuimos paso a paso, sin pedir nada a nadie, dando lo mejor que tenemos en cada recital y confiando en nuestras canciones, que al fin y al cabo es lo único que tenemos. Y también es lo más importante.”

Cuenta Chaume, primera guitarra de la banda, este crecimiento de El Perrodiablo: “Musicalmente la banda creció mucho. Cambió del primer disco a este tercero. Imaginate, pasaron más de 200 shows en el medio y eso te hace tocar distinto. Yo siento que los temas antes eran un poquito más apurados a nivel velocidad y tocábamos con mucho más de urgencia. Antes dábamos más vuelta para llegar. Ahora sigue estando el mismo espíritu de cuando empezamos, de la electricidad, de virulencia, del salvajismo que sale naturalmente de adentro, pero le sumamos un sonido más directo, como una trompada. De las letras te puedo hablar casi como un oyente más, porque las escribe Doma, y está logrando un poder de síntesis muy importante. Por ahí hay cosas que nosotros pensamos entre los cinco y él las sabe traducir y escribir con mucha síntesis y no con metáforas raras. A mí las letras me gustan mucho, siguen la línea de cuando empezamos, pero creo que ahora estamos musicalmente como con un contagio entre todos: están letra y música más unidas y con más fuerza, con un mejor sonido.”

El Perrodiablo supo evolucionar y crecer en popularidad pero siempre sabiendo donde están parados y tratando de ser distintos del resto. Agrega Doma sobre las modas en la música actual dejando en claro su postura: “Hay dos maneras de pertenecer… de pertenecer no, hay dos clases de gente que quiere pegarla: una manera es que te vaya bien comercialmente, y la otra es querer pertenecer a un circuito, como que es una moneda no comercial muy importante en el rock. Pertenecer algo, no se sabe bien a qué. Hacer la música que conviene hacer… todo esa mierda, es todo mierda.”

F.V.

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Charly Garcia – Parte de la Religión (1987)

Charly Garcia – Parte de la Religión (1987)

Puntaje del Disco: 9

  1. Necesito Tu Amor: 9
  2. Buscando Un Símbolo De Paz: 9
  3. Parte De La Religión: 7
  4. Rap De Las Hormigas: 5,5
  5. Adela En El Carrousel: 6,5
  6. No Voy En Tren: 8,5
  7. Rezo Por Vos: 10
  8. El Karma De Vivir Al Sur: 7,5
  9. Ella Adivinó: 8
  10. La Ruta Del Tentempié: 9

Debo confesar que la primera vez que escuché Parte de la Religión tuve sensaciones encontradas. Muchos lo remarcan como uno de los grandes discos de Charly, y la realidad es que tiene numerosas canciones que quedaron dentro de lo más recordado de su repertorio. Pero el sonido tan ochentoso me generaba cierta reticencia. De todas formas aprendí a valorar el álbum.

Parte de la Religión es una nueva declaración hacia el New Wave de Charly, que tiene acercamientos al sonido de bandas como Talking Heads, pero con la gran diferencia y el grandísimo defecto de que en lugar de demostrar una locura original, Charly desarrolla un sonido más programado, a base de su batería y caja de sonidos ochentosa.

De todas formas, las composiciones de Garcia son de tan buen nivel que este tipo de defectos quedan tapados aunque no en su totalidad (hay números un poco molestos como “Rap De Las Hormigas”, una especie de pastiche semi electrónico con un sonido de percusión reiterativo).

Pero hablemos de lo bueno. El arranque con “Necesito tu Amor” y el famoso hit “Buscando Un Símbolo De Paz” es excelente. También tenemos a “No Voy En Tren”, que debe ser el single más conocido del álbum, muy entretenido por su pegadizo estribillo. Aunque el momento más importante del disco es “Rezo por vos”, un himno conmovedor y uno de los pocos registros de las grabaciones de Charly junto a Spinetta a mediados de los ochenta. Y para finalizar tenemos a “La Ruta Del Tentempié”, otro tema muy conocido con el teclado de Charly a full, con un melodía pop más enternecedora y que pega simultáneamente.

Parte de la Religión es un disco con sus claros picos, aunque no llega a ser un trabajo tan consistente, por eso pienso que si bien es un álbum remarcable, no supera a los primeros trabajos solistas de Charly.

Persy

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El Otro Yo – Ailabiu (2010)

Puntaje del Disco: 6

  1. Siempre Fui Yo: 8
  2. Ailabiu: 7
  3. Astronauta: 7,5
  4. Célula Madre: 6,5
  5. Velero: 5
  6. El Verano: 6
  7. Acuario: 6
  8. Rebelión: 6
  9. Autotraicionarte: 5,5
  10. Sígueme: 6

El alejamiento de su histórico baterista Ray Fajardo en Agosto de 2009 puso un interrogante en la continuidad de El Otro Yo. Luego de un show en el Parque Roca que conmemoraba los veinte años de historia de la banda corría un fuerte rumor de separación, pero los rumores fueron desmentidos y Ray sería reemplazado por Ricky Rua.

Poco tiempo después en Marzo de 2010 se conocería el octavo álbum de estudio de EOY, Ailabiu, con la participación de Fajardo que ya había grabado la batería para los temas antes de su alejamiento. El disco fue producido por el líder de la banda mexicana de rock Fobia, Paco Huidobro, y grabado íntegramente en ese país, convirtiéndose en el primero que graban fuera de Argentina. La experiencia fue fructífera según explicaría Cristian Aldana en una entrevista de esa época: “Al disco lo grabamos en México, con Paco Huidrobo que es amigo nuestro del grupo Fobia, y tuvimos invitados de lujo estuvo Tito de Molotov, Quique de Café Tacuva, Iñaki de Fobia. Fue un disco que lo grabamos en dos meses en México, con Jason Kramer que fue el técnico, que grabó discos como las Donnas, JNC. También lo masterizamos en Canadá, en la ciudad de Montreal, con James Newman, que es un masterizador de bandas que a nosotros nos gusta mucho, como Arcade Fire.”

A diferencia de otros trabajos de EOY esta vez se seleccionaron menor cantidad de tracks, diez en total, sobre esta decisión Cristian explicaría lo siguiente: “En este disco como que teníamos claro que queríamos hacer un disco más corto y ya cuando llegó el momento de grabar ya teníamos todo armado. Directamente grabamos lo que queríamos, ya sabíamos que íbamos a hacer con el disco antes de grabarlo. Y por eso es un disco corto, claro, fácil de entender. Un disco moderno que tiene un sonido moderno. Creemos que hemos logrado algo bueno con el disco y por eso está bueno tocarlo en vivo, es una linda experiencia.”

Musicalmente hablando Ailabiu es el trabajo más flojo en años en la carrera del grupo de Temperley. Comienza bien con buenos temas como “Siempre Fui Yo”, “Ailabiu” y “Astronauta” pero se va deshilachando con el correr de los minutos, con poco del estilo alternativo y distorsionado que los llevo a ponerlos en un lugar de privilegio dentro del rock nacional y en cambio con exceso de temas pop olvidables.

El título del disco según explica Cristian es una forma de rendirle homenaje a la propia banda: “En un momento se nos había ocurrido ponerle “Yo Odio a El Otro Yo” o “Yo amo a El Otro Yo”, era como una especie también de balance entre lo que es las dos caras de El Otro Yo. Pero finalmente decidimos ponerle Ailabiu porque nos parecía que era más positivo y ya en la canción de “Ailabiu” ya habla un poco del odio y también habla del amor. Como que ese extremo en la canción esta bien claro. Es como cuando una pareja, después de treinta años, se vuelve a casar. A nosotros nos pasa eso, después de estos 21 años de carrera, estamos diciendo “nosotros seguimos amando a El Otro Yo, a nuestro grupo”, por todo lo vivido, por la gente que conocimos, por las giras, por los discos.”

F.V.

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Smitten – Smitten (2006)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Mi Voz: 7,5
  2. Problemas: 7
  3. Dame: 7,5
  4. 23 de Abril: 8,5
  5. Mejor: 6,5
  6. Grandes Sueños: 7
  7. A Otro Lugar: 8,5
  8. Niños: 7,5
  9. Más de Nada: 8,5
  10. Recuerdos: 7,5
  11. Para No Volver: 7,5
  12. Sin Saber: 7
  13. My Life: 7,5
  14. Ya No Sé: 8

El año 2006 sería clave en la carrera de Smitten. Comenzaron el mismo tocando mucho y llenando varias veces el “Teatro Colegiales”, más tarde el sello Iguana Records, sub-sello de Sony, los convocaría para grabar un tema en un disco tributo al gran Pappo Napolitano, Pappo Versionado. Su versión de “Desconfío” fue tan acertada que terminó siendo el corte difusión de dicho material y el propio sello los ficharía para grabar su próximo CD ese mismo año.

Patrick Steve explicaría en una entrevista de la época lo que ocurrió con el tema de Pappo: “Está buenísimo, de hecho lo seguimos tocando, es como un tema nuestro, porque le dimos ese tratamiento, tomamos la canciones del Carpo… Pero básicamente termino siendo un tema nuestro.” Y sobre su nuevo status al haber firmado con una discográfica grande señalaría las diferencias: “Y es otra cosa… Es como que lo que haces… se da a conocer de verdad y todo repercute mas de verdad… porque lo independiente nunca sabes hasta qué punto se conoce bien. Por ahí te matas haciendo un disco y llega a pocos sitios, en cambio ahora… nosotros sabemos que sacamos algo y va a sonar, y esta buenísimo. O sea… que la gente lo va a conocer de verdad.”

Smitten, nombre con el que se conoció el ansiado álbum vendría a cerrar definitivamente la etapa punk rock de la banda adoptando melodías pop y sonidos alternativos que enriquecerían su sonido. Sobre esto Steve sentaría posición en el mismo reportaje: “Smitten hace 13 años que toca y hace lo mismo… Pero se fue haciendo más profesional, que cada uno haga lo que quiera… nosotros no sé que tocamos… pero es la música que a nosotros nos gusta. Somos una banda de rock, pero con onda, que curtió todo tipo de música… desde el punk hasta el hip hop, desde el pop copado hasta el country, pop copado… Morrisey, por ejemplo. The Smiths, The Cure.”

Gracias a temas con mayor orientación al rock comercial como “Dame”, “23 de Abril”, “A Otro Lugar” y “Más de Nada” Smitten comenzó a sonar en todas las radios de Argentina desde Rock and Pop hasta la Mega, sobre esta mayor apertura Patrick se mostraría conforme: “Está buenísimo. Somos una banda de rock nacional más moderna que las ya clásicas… una nueva banda de rock nacional. y un poco lo que buscábamos como músicos era de a poco ir entrando en la historia del rock nacional primero…y también si se puede… expandirse.”

F.V.

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Los Gatos – Rock de la Mujer Perdida (1970)

 

Puntaje del Disco: 8

  1. Rock de la mujer perdida: 8,5
  2. Réquiem para un hombre feliz: 8
  3. Los días de Actemio: 8
  4. Invasión: 8,5
  5. Mujer de carbón: 7
  6. No fui hecho para esta tierra: 7,5
  7. Porque bajamos a la ciudad: 7,5
  8. Blues de la calle 23: 8

Rock de la Mujer Perdida es ni más ni menos el último disco de Los Gatos, en el cual se nota un cambio importante en el estilo de la banda. Los Cats a diferencia de sus primeros años, empiezan a dejar su faceta de rock inocente y le dan más lugar a la influencia del hard rock y el blues rock, llevados de la mano del talento de Pappo.

Así que esa contraposición entre el pop de Litto Nebbia y el estilo rockero de Norberto Napolitano, empieza a pesar la balanza para el lado del legendario guitarrista.

De esta forma, Rock de la Mujer Perdida cuenta con riffs más potentes e interesantes y solos de guitarra de Pappo, que si bien no llegan a la calidad suprema de lo que luego sería Pappo’s Blues, dan indicios de lo grande que iba a ser el Carpo para el rock argentino.

También hay que decirlo, si bien Pappo es el principal encargado de traer el sonido que se acerca más a los Rolling Stones y a Led Zeppelin, las composiciones siguen siendo en su mayoría de Litto, quien ofrece canciones muy sólidas desde que comienza el álbum. Tampoco quiero sacarle méritos a Fogliatta en teclados que le llega a dar hasta un toque más progresivo al asunto, sonando muy parecido a Jon Lord de Purple su estilo.

Rock de la Mujer Perdida es la transformación de un grupo de jóvenes ilustres a una banda de hombres con ganas de hacer rock del bueno.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Divididos – Vengo del Placard de Otro (2002)

Divididos - Vengo del Placard de Otro (2002)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Cajita Musical: 8,5
  2. Ay, que Dios Boludo: 9,5
  3. Brillo Triste de un Canchero: 7,5
  4. Villancico del Horror: 8
  5. Pepe Luí: 8,5
  6. Miente el After Hour: 7,5
  7. Despiértate Nena: 9
  8. Vengo del Placard de Otro: 7,5
  9. Casitas Inundadas, a Votar: 8,5
  10. Un Alegre en Este Infierno: 8
  11. Libre el Jabalí: 8,5
  12. Aburridos Peligrosos: 7,5
  13. Puertas: 6
  14. Guanuqueando: 9

Definido por Ricardo Mollo como el “descendiente directo de Narigón del Siglo”, su anterior material, Divididos lanzó un nuevo disco de estudio Vengo del Placard de Otro (2002), en medio de una profunda crisis económica y política que atravesaba Argentina.

Este tema no estaría exceptuado en la temática del álbum, según el mismo cantante y guitarrista: «Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas.» Y agregó: «Todos los temas del álbum en algún momento pasan por reflejar una realidad del país. Tenemos una manera de escribir muy especial que a veces evade un hecho puntual de la realidad, pero somos hijos de esta tierra, por eso en cada tema hay una frase que está relacionada a todos.”

En Vengo del Placard de Otro la banda de Hurlingham conjugo distintos estilos y una amplia gama de instrumentos y sonidos, llegando a trabajar con doce violines, cuatro chelos, fagot, corno y flautas. Además de su habitual y demoledora potencia encontramos momentos más relajados de reggae y folclore, particularmente en el último track «Guanuqueando», grabado en vivo en “El Pucara” de la ciudad jujeña de Tilcara.

Entre su repertorio roquero destacamos el primer single “Cajita Musical”, “Ay, que Dios Boludo” y un cover de “Despiértate Nena” de Pescado Rabioso. Sobre esta versión Mollo explicaba: “Es devolver un poco de lo que tomamos, es como darle una ventilación a eso para que no quede en el olvido.»

Luego de este trabajo la banda se tomaría un respiro de muchos años hasta su siguiente paso en su discografía de estudio, aunque en el intermedio continuarían tocando en conciertos con asiduidad y de estas presentaciones se desprendería un disco en vivo donde demuestran toda su potencia, Vivo Acá (2003). Grabado en vivo con motivo de los festejos por los 15 años de la banda.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

La Oreja de Van Gogh – Dile al Sol (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. El 28: 8,5
  2. Cuéntame al Oído: 8,5
  3. Pesadilla: 8
  4. La Estrella y la Luna: 8
  5. Viejo Cuento: 7
  6. Dos Cristales: 8
  7. Lloran Piedras: 8
  8. Que Puedo Pedir: 8
  9. Dile al Sol: 8,5
  10. El Libro: 8
  11. La Carta: 7,5
  12. Soñaré: 8

La Oreja de Van Gogh es un grupo musical formado en España en el año 1996, identificado dentro de lo que podríamos llamar el “pop-rock”. En el año 1998, lanzan su álbum debut, titulado “Dile al Sol”.

Con respecto a las canciones del disco, se puede decir que tienen la potencia en las guitarras del rock (?), y los estribillos pegajosos del pop. La combinación de todo esto con la voz de Amaia Montero (que no me agrada mucho), no queda nada mal, lo que hace que todas las canciones resulten buenas.

Para promocionar el álbum, se publicaron ¡8 sencillos! De los cuales destaco las más conocidas “El 28” y “Cuéntame al Oído”, junto a la homónima “Dile al Sol”.

Las pistas tienen una duración promedio de 3 minutos, lo que lo hace que fácil escucha.

El disco tuvo un éxito importante, al vender 700.000 copias aprox. en España y 900.000 en todo el mundo, pero el mayor éxito en Latinoamérica llegaría con su siguiente disco “El Viaje de Copperpot” y temas como “La Playa”.

Néstor

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La Ley – Doble Opuesto (1991)

Puntaje del Disco: 7

  1. Doble Opuesto: 7,5
  2. Placer: 8
  3. En Lugares: 7
  4. Desiertos: 8
  5. Que Va a Suceder: 6,5
  6. Prisioneros de la Piel: 7
  7. A Veces: 7
  8. Angie: 7
  9. Sasha: 7
  10. Sólo Ideales: 6,5

La Ley es la banda de rock chilena que mayor popularidad adquiriría con el correr de los años en Latinoamérica. Formados a finales de los ochenta por el tecladista y guitarrista Andrés Bobe y el tecladista Rodrigo Aboitiz en sus inicios tenían la aspiración de convertirse en un grupo de música tecno con claras influencias ochentonas new wave como Duran Duran, Depeche Mode y The Cure, entre otros.

Luego de grabar su primer EP en 1988 constituido por seis temas su siguiente paso fundamental fue la incorporación de su histórico vocalista Luis Alberto «Beto» Cuevas quien reemplazaría a Shia Arbulu y se convertiría en el frontman de la banda. Según el propio Bobe el ingreso de Cuevas fue como la verdadera fundación de La Ley: “Bueno, por lo menos cuando nosotros hacíamos música y no teníamos cantante, sabíamos que el grupo tenía que ser con un cantante y en el momento en que llegó Beto, allí nace La Ley, porque antes de Beto, hubo un proyecto pero realmente La Ley nace cuando llega Beto y empezamos a trabajar juntos.”

Con su formación definitiva el grupo comienza a abrirse pasos en pequeños escenarios y logran editar en forma independiente su primer Larga Duración Desiertos (1989); pero sería dos años más tarde con su segunda placa Doble Opuesto cuando se harían realmente conocidos.

Doble Opuesto es un buen disco pop rock que explota las mayores virtudes del grupo que se encontraba en un momento fresco desde el punto de vista compositivo aunque tampoco sería una maravilla y lo superarían en calidad años más tarde.

El álbum les posibilito ganar seguidores en su país natal pero también les abrió puertas en Peru y en especial en un mercado importante como Argentina gracias a temas como “Prisioneros de la Piel”, “Doble Opuesto”, “Placer” y su versión del clásico de los Rolling Stones “Angie”.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Suarez – Galope (1996)

Suarez - Galope (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. Porvenir: 8
  2. Camión regador: 8,5
  3. Explosión Madonna: 9
  4. Los veo aparecer: 7
  5. Bajo kill: 8
  6. Asesina: 7
  7. Estrella solitaria: 8
  8. En una habitación: 8,5
  9. Natación: 8
  10. Grandiosa: 8
  11. Río de enero: 8
  12. Brigada: 7,5
  13. Colonia: 7,5
  14. Chico invisible: 7,5
  15. Otro sueño: 7,5

Galope es el tercer trabajo discográfico de Suarez, en el que cambian un poco de estilo respecto de Horrible. En Galope las atmosferas que la banda lograba antes dejan de ser lo más importante, y apuestan más a una especie de Post Punk guitarrero, que tiene sus momentos muy delirantes (siguiendo la onda de grupos como The Fall), impredecibles y bien alternativos. De todas formas se las arreglan para que en general sus canciones tengan melodías rescatables.

Otra cualidad de Galope está en que sus canciones en su mayoría tienen una duración de 2 minutos cada una, las cuales son bastante diversas. No hay una monotonía como suelen tener muchos grupos punk que hacen temas cortos.

Así el álbum va y viene en lo que ofrece.  Hay cortes en los que rockean como una topadora alternativa como “Grandiosa”. Otros pasajes como “Rio de enero” donde ofrecen un sonido más tenue. También está “Estrella solitaria“, una especie de power ballad, que baja un cambio, con un aire más oscuro. Tenemos cortes más pop como “En una habitación”. Y delirios totales como “Asesina”. Aunque el tema que más me gusta es “Explosión Madonna”, donde mejor suena la banda así como la voz dulzona de Rosario.

Galope si bien no llega a superar a su predecesor, es un sólido y muy buen álbum., en el que se sigue percibiendo la evolución de Suarez como grupo y en la calidad de su sonido.

Persy

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Baltasar Comotto – Rojo (2008)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Arsenal: 8
  2. Caer: 8
  3. Fuego Intencional: 7
  4. Ya No Estoy Aquí: 7,5
  5. Milestones: 7
  6. Rojo Corazón: 7,5
  7. Paraíso Intocable: 7,5
  8. Desciendes: 8
  9. Jardín: 7,5
  10. Las Horas Azules: 7

“A los 17 años yo tenía un trío que se llamaba Mutrones. No grabamos un disco oficial, solo demos, pero estuvimos como cuatro años con mi hermano en batería y un amigo en bajo. En ésa época ya cantaba. El grupo era una especie de funk/metal con influencias de Nirvana y grupos de ésa época como los Chili Peppers.” De esta forma relataba en una entrevista en el año 2009 Baltasar Comotto su primera incursión con la música. El guitarrista que algunos años después formaría sería pieza fundamental en los grupos de leyendas del rock nacional como Luis Alberto Spinetta y El Indio Solari.

Además de las bandas que integra su carrera solista en el 2008 daría el puntapié inicial a su carrera solista con Rojo. Un álbum donde se aleja un poco del rock para incursionando en el funk y hasta en el jazz. Se asoman como los mejores tracks del material la spinetteana “Desciendes” y el funk rock con punteos de guitarra atractivos incluidos de “Arsenal” y “Caer”. Otro momento particular es el homenaje a Miles Davis, una de sus principales influencias en “Milestones”, aunque en este caso se queda a mitad de camino.

Esta claro que Baltasar es un soberbio guitarrista como pocos en nuestro país y mas allá de mantenerse ocupado tocando para figuras del rock nacional esta dispuesto a establecer una carrera solista y mejorar día a día, en especial con la voz que es su principal desafio, tal cual explica en el mismo reportaje antes citada: “Quiero focalizarme en mí y perfeccionar la voz, ir mejorando y puliendo la voz. Cada año cambia. La vas modificando y le vas encontrando cosas diferentes.”

F.V.

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