Lily Allen

Lily Allen – Alright, Still (2006)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Smile: 8
  2. Knock ‘Em Out: 8,5
  3. LDN: 7
  4. Everything’s Just Wonderful: 6,5
  5. Not Big: 7
  6. Friday Night: 7,5
  7. Shame for You: 8
  8. Littlest Things: 7,5
  9. Take What You Take: 8
  10. Friend of Mine: 5,5
  11. Alfie: 7

La joven Inglesa Lily Allen nació el 2 de Mayo de 1985, en el seno de una familia artística, la joven Allen recorrería no menos de trece escuelas diferentes hasta dejar finalmente sus estudios a la edad de quince años, dedicándose entonces con todas su energía a su verdadera pasión la música

Lily Allen ficharía por la disquera Parlophone en diciembre de 2005 que conoció su música a través de la Web donde en MySpace, comenzó a dar a conocer su música y comprobar la acogida que podía tener entre el público y la crítica. El resultado no pudo ser mejor. Rápidamente, sus canciones pasaron de la red a las emisoras de radio, hasta que en abril del 2006 publicó su primer sencillo, titulado «LDN», lanzado en una edición limitada de 500 copias hechas en vinilo. Pero lo mejor estaba por llegar. A mediados del 2006 Lily Allen publicaría su primer álbum Alright, Still.

Alright, Still fue bendecido de inmediato por la prensa británica, quizás en forma exagerada. En sus letras Allen trato de abordar temas que le pasan a la gente en distintos ámbitos, sin dejar de lado la controversia y el humor negro. En “Smile”, “Not Big” y “Shame for You” se ocupa de insultar a un ex novio y en “Knock ‘Em Out» dramatiza una batalla de sexos al estilo “Fit But You Know It” de The Streets pero esta vez desde el punto de vista femenino.

Musicalmente hablando la joven Lily escogió usar el reggae, ska y melodías pop como base para cantar sobre ellas y en algunos pasajes se puede ver una influencia de improvisación “jazzera”. Si bien en algunos pasajes del disco sus temas pegadizos logran sorprender y gustar Allright, Still se queda a mitad de camino, es un buen disco debut pero sin muchas cosas nuevas que podamos destacarle mas haya del carisma innegable de Allen y sus simpáticas letras que le posibilitaron colocarse como revelación en la escena musical británica de fines de la década pásada.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
David Bowie

David Bowie – Diamond Dogs (1974)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Future Legend: –
  2. Diamond Dogs: 8,5
  3. Sweet Thing: 8
  4. Candidate: 8
  5. Sweet Thing (Reprise): 8
  6. Rebel Rebel: 9,5
  7. Rock ‘N Roll With Me: 7
  8. We Are The Dead: 6
  9. 1984: 5,5
  10. Big Brother: 7
  11. Chant of The Ever Circling Skeletal Family: 5 ,5

Si en algo se caracteriza Bowie es en los constantes cambios en los que incurrió a lo largo de su carrera. Con la aparición de Diamond Dogs se daría uno muy significativo: El despido de The Spiders From Mars. La banda que lo acompaño durante todos estos años darían un paso al costado luego de Pin Ups. Pero Bowie no perdió su identidad del marciano Ziggy Stardust. Por eso Diamond Dogs marca su encrucijada artística.

Diamond Dogs es un álbum conceptual (como Ziggy Stardust) bizarro sobre un mundo post apocalíptico basado en la novela “1984” de George Orwell, que no es tan malo como otros (llamemosle “All M.” o “A. Music”) nos quieren hacer creer, alegando que ya no cuenta con los brutales riffs de Mick Ronson. Sin su mano derecha, Bowie se encargó de ser el guitarrista principal. Y no lo hizo nada mal.

Aunque no hay dudas de que es inferior a sus predecesores Aladdin Sane, Ziggy Stardust y Hunky Dory. Es un disco desproporcionado, donde lo mejor esta en la primera parte. El tema homónimo “Diamond Dogs” es un hit divertido, “Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise)” forman una suite bastante buena y “Rebel Rebel” es el clásico del disco con su fantástico riff de guitarra. Es una perla del Glam que no tiene desperdicio alguno.

Pero luego el álbum decae en calidad. “Rock ‘N Roll With Me” y “Big Brother” son canciones de glam rock más genéricas. El prototipo de hit para disco “1984” no me gusta nada, pero viniendo de Bowie no es un número que sorprenda. Y “Chant Of The Ever Circling Skeletal Family” es simple relleno que finaliza a Diamond Dogs demostrando su inestabilidad.

De aquí en más la carrera del Duque Blanco haría un giro mostrando sus intensiones de evolucionar para no quedar encasillado en el éxito que estaba experimentando con Ziggy.

Persy

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(Votos: 3 Promedio: 4.3)
Foo Fighters

Foo Fighters – The Colour and the Shape (1997)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Doll: 8
  2. Monkey Wrench: 9
  3. Hey, Johnny Park!: 7,5
  4. My Poor Brain: 8,5
  5. Wind Up: 6,5
  6. Up in Arms: 7
  7. My Hero: 8,5
  8. See You: 7
  9. Enough Space: 8
  10. February Stars: 8
  11. Everlong: 9
  12. Walking After You: 8,5
  13. New Way Home: 8

Luego del esfuerzo individual que significo el disco debut de Foo Fighters para Dave Grohl, su segunda proyecto estaba pensado con los miembros oficiales del grupo, cosa que no se pudo llevar a cabo, ya que en el medio de las grabaciones Grohl despidió al baterista William Goldsmith y se encargaría también entonces de la batería en este disco. Bastante entendible de su parte al ser uno de los mejores bateristas del planeta o sino el mejor y su presencia en la misma le da al sonido del grupo una potencia arrolladora que sin el seria casi imposible de lograr.

The Colour and the Shape finalmente se conoció en Mayo de 1997 bajo la producción de Gil Norton conocido por trabajar con los Pixies anteriormente. Con respecto a su anterior trabajo se puede decir que “bajaron un cambio” y se introdujeron en melodías no solo agresivas sino también en temas melódicos, mas pop, aunque nunca dejando de lado su esencia, a los singles “Monkey Wrench”, “My Hero” y “Everlong” se les suman algunos que otros momentos interesantes como “My Poor Brain”, “February Stars” y “New Way Home” pero sin alcanzar la inspiración compositiva de su estreno. Poco les importaría esto a los Foo Fighters ya que The Colour and The Shape es hasta hoy su disco mas vendido en Estados Unidos y también les posibilito adquirir un nivel de popularidad y prestigio en el Reino Unido. Luego de la grabación del disco se incorporaría el actual baterista del grupo el carismático Taylor Hawkis y se marcharía el guitarrista Pat Smear sustituido por Franz Stahl.

Para conmemorar los diez años de su lanzamiento en Julio del 2007 se reeditaría el disco incluyendo seis lados B, “Dear Lover”, “The Colour and the Shape” mas cuatro covers.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Guided By Voices

Guided By Voices – Bee Thousand (1994)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Hardcore UFO’s: 9
  2. Buzzards And Dreadful Crows: 8
  3. Tractor Rape Chain: 8,5
  4. The Goldheart Mountaintop Queen Directory: 5,5
  5. Hot Freaks: 6
  6. Smothered In Hugs: 6,5
  7. Yours To Keep: 6,5
  8. Echos Myron: 9
  9. Gold Star For Robot Boy: 7,5
  10. Awful Bliss: 7,5
  11. Mincer Ray: 8
  12. A Big Fan Of The Pigpen: 7
  13. Queen Of Cans And Jars: 8
  14. Her Psychology Today: 8
  15. Kicker of Elves: 8
  16. Ester’s Day: 8
  17. Demons are Real: 6
  18. I am a Scientist: 9
  19. Peep-Hole: 8
  20. You’re Not an Airplane: –

Guided By Voices es una banda de rock alternativo que nació a mediados de los ochenta, pero que recién en 1994 con su séptimo álbum Bee Thousand, empezaría a ser reconocida dentro del rock norteamericano del momento.

Bee Thousand fue un disco inesperado y muy interesante para su época. En el mismo se nota el Lo-fi de la banda, ya que grabaron la mayoría de sus canciones en grabadores para consumidores y en garajes, más que en un estudio. De esta forma, la baja calidad de audio le ayudó a Guided By Voices a generar una atmosfera bizarra, que combinada con las letras surrealistas de Robert Pollard (principal mentor y compositor), le dan una tonalidad que hacen único a Bee Thousand. Según el mismo Pollard, su intensión era “sonar como algún Bootleg de The Beatles”.

Y el efecto buscado funciona. Bee Thousand parece una colección de outtakes (con una duración de dos o menos minutos) de una banda de los sesenta (al menos por la gran influencia de bandas británicas de esa época), pero interpretados como la banda de rock alternativo de los noventa que son.

Dentro de esta compilación hay de todo. Principalmente destaco al pop rocker “Hardcore UFO’s”, a la melodía pop sesentona de “Echos Myron” y al clásico del álbum “I am a Scientist”. También hay muy buenas canciones de rock alternativo como “Tractor Rape Chain”, otras acústicas como “Kicker of Elves” y “Ester’s Day”, y otros números sesentosos como la byrdeana “Queen Of Cans And Jars”.

Pero Bee Thousand no es perfecto. También tiene abundancia de temas que a simple oída parecen verdaderos descartes o rellenos innecesarios. Aunque mucho no importa, porque ayudan a cerrar la idea original del disco a la perfección.

Persy

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Eurythmics

Eurythmics – Sweet Dreams (Are Made of This) (1983)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Love Is a Stranger: 8,5
  2. I’ve Got An Angel: 8,5
  3. Wrap It Up: 7,5
  4. I Could Give You (A Mirror): 7
  5. The Walk: 7,5
  6. Sweet Dreams (Are Made of This): 9
  7. Jennifer: 7,5
  8. This Is The House: 6
  9. Somebody Told Me: 7,5
  10. This City Never Sleeps: 8

Annie Lennox por un lado, más Dave Stewart por el otro, dan como resultado Eurythmics, una de las más importantes bandas de los años ochenta. Surgido en la era post punk y entre los sintetizadores y el new wave, el dúo se convirtió en una banda que supo perdurar más allá de aquella alocada década, para transformarse en un emblema de esos movimientos musicales.

En 1981 la banda editó su primer disco “In the Garden” que pasó sin pena ni gloria. Sin embargo, dos años después llegaría el gran lanzamiento y despegue de Eurythmics. “Sweet Dreams (Are Made of This)” fue el álbum que catapultó a la fama mundial a esta talentosa dupla. El tema que da nombre a este material fue un ícono de los ochenta y de la cadena MTV que se cansó de transmitirlo alrededor del mundo.

Basado en los sintetizadores y esos sonidos de bateos constantes, el disco sigue una misma línea de la que casi no se aparta. “Love Is a Stranger” y “I’ve Got An Angel” acompañan a “Sweet Dreams” como los principales tracks. Después encontramos la rareza que en “This Is The House” se escucha una voz femenina que menciona el nombre del tema es español, siendo esto un recurso poco habitual en los ochenta.

Este disco no sólo le valió la fama internacional a Eurythmics sino también que posicionó a Annie Lennox en el estatus de estrella, aspecto que luego potenciaría con su carrera solista.

Piro

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Pink Floyd

Pink Floyd – Animals (1977)

7 comentarios

Puntaje del Disco: 10

  1. Pigs on the Wing (Part 1): 8
  2. Dogs: 9,5
  3. Pigs (Three Different Ones): 10
  4. Sheep: 10
  5. Pigs on the Wing (Part 2): 8

The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here siempre fueron discos muy reconocidos en la carrera de Pink Floyd, pero sería Animals el que marcaría su mejor momento como banda de rock progresivo.

Animals nació en pleno auge del punk, una época en la que un neandertal como Johnny Rotten con una remera que decía “I Hate Pink Floyd” comenzaba a ser la sensación del momento. Por eso este disco fue desestimado por una porción de la crítica, no dándole la valoración que merecía. Una imprudencia. Animals es un disco de rock progresivo muy accesible, con canciones guitarreras, interesantes, oscuras e incluso más melódicas que las de sus discos previos. Es un álbum disfrutable hasta para aquellos que comúnmente se aburren con Floyd.

Lo curioso, es que llegó a ser catalogado como el disco “punk” de Pink Floyd. Pero esto solo queda reflejado en sus letras de fuerte crítica social, las cuales se basaron en la fabula política del escritor George Orwell “Animal Farm”. Roger Waters, quien entonces tomó en forma definitiva el liderazgo del grupo, nos trae un relato que divide a la humanidad en 3 clases de personas: los perros (“Dogs”) que representan a la ley; los cerdos (“Pigs”) a los políticos; y las ovejas (“Sheep”) el resto de las personas que son manipulados como peones.

Siguiendo la temática, Animals está dividido en dos breves segmentos que hacen de intro y cierre del disco (“Pigs on the Wing”), y las tres grandiosas épicas (“Dogs”, “Pigs” y Sheep”) que hacen el principal contenido del álbum. Como no podía ser de otra manera, las épicas multi-segmentadas son el plano fuerte de este trabajo y son de las mejores en su especie dentro del catalogo de Floyd. “Dogs” (principal contribución de Gilmour) es asombrosa y poderosa en su combinación de guitarras. “Pigs (Three Different Ones)” es muy original con la incorporación de sonidos de cerdos. Y “Sheep” rockea como ninguna con sus sintetizadores. Pero incluso “Pigs on the Wing” tiene su encanto. Es una linda canción acústica que sigue la misma tendencia que su archireconocida “Wish You Were Here”.

Una lastima que para muchos este disco esta en un segundo plano de su carrera, como si fuera un ínterin entre Wish You Were Here y The Wall. Animals en líneas generales es un gran álbum. Y con un poco de atrevimiento puedo decir que es el mejor de su trayectoria.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)
John Lennon

John Lennon – Some Time in New York City (1972)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Woman Is the Nigger Of the World: 8
  2. Sisters O Sisters: 4,5
  3. Attica State: 6,5
  4. Born In A Prison: 5
  5. New York City: 7,5
  6. Sunday Bloody Sunday: 6
  7. The Luck Of The Irish: 7
  8. John Sinclair: 7,5
  9. Angela: 6
  10. We’re All Water: 5

En Septiembre de 1972 saldría el tercer álbum de John Lennon post-Beatles luego de regalarnos joyas como John Lennon/Plastic Ono Band (1970) y Imagine (1971) este sería su primer álbum decepcionante en su carrera, con poca repercusión en ventas y malas criticas.

John Lennon y Yoko Ono se mudaron a Nueva York a fines de 1971 y se encontraron confrontando políticamente desde entonces con las autoridades policiales y políticas americanas, este tipo de letras politizadas se vislumbran a lo largo de Some Time in New York City, “Attica State” (sobre los disturbios y protestas en la prisión de Attica en Septiembre de 1971), “Sunday Bloody Sunday” (el mismo titulo que el tema de U2 con la misma temática sobre la masacre en Irlanda en 1972), “John Sinclair” (el nombre de un joven arrestado por portar marihuana y que fue liberado gracias al apoyo entre otros de Lennon y Ono a fines de 1971) y “Angela” (en contra de la encarcelación en espera de juicio de Angela Davis de 1970 a 1972). Nada mas interesante que estas temáticas se pueden encontrar a lo largo del disco el tema inicial “Woman Is the Nigger Of the World” parecía ofrecer otra cosa y nos permitía ilusionarnos con otro nuevo Imagine, pero todo se desmoronaría ya con la segunda canción “Sisters O Sisters” una especie de reggae cantado por Yoko y continuaría en declive el resto del álbum.

No se entiende como teniendo un cantante y compositor de la talla de Lennon, Yoko tuviera tanta participación cantando en tantas canciones, John sufrió el fracaso comercial de este trabajo, por primera vez en su vida, y lo sumió en una depresión que lo llevaría a abandonar los estudios de grabación por casi un año.

F.V.

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(Votos: 3 Promedio: 4.3)
The Jam

The Jam – All Mod Cons (1978)

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Puntaje del Disco: 9

  1. All Mod Cons: 8
  2. To Be Someone (Didn’t We Have a Nice Time): 9
  3. Mr. Clean: 9
  4. David Watts: 8
  5. English Rose: 9
  6. In the Crowd: 9,5
  7. Billy Hunt: 7
  8. It’s Too Bad: 8
  9. Fly: 9
  10. The Place I Love: 7,5
  11. ‘A’ Bomb in Wardour Street: 8,5
  12. Down in the Tube Station at Midnight: 8,5

Finalmente The Jam adoptó la forma que más le conviene, por la cual logró su reconocimiento. All Mod Cons marca el fin de su orientación punk y el inicio definitivo de su estilo mod que tomó una influencia notoria de grupos de los sesenta, especialmente The Who y The Kinks (incluyendo un cover que no está nada mal de “David Watts” a modo homenaje). No solo eso, Paul Weller mejora notoriamente la calidad de sus composiciones. Ahora las canciones de Weller tienen letras a lo Ray Davies, pero interpretadas con el estilo de Pete Townshend.

Por eso All Mod Cons es un gran disco. Que a pesar de no ser original (en el hecho de que The Jam sigue debiendo su existencia a The Who), no es una simple imitación de otras bandas y sus temas son lo bastante buenos como para llevarse aplausos.

All Mod Cons es un álbum más sólido y más diversificado que sus predecesores. Puede haber menos energía respecto de su disco debut In The City, pero igual podemos encontrar pop rockers geniales que nos ayudan a no extrañarlo como “To Be Someone” y “Mr. Clean”. También tenemos a “English Rose”, una hermosísima balada acústica, la primera en esta especie de The Jam. Y “Fly” es otro excelente tema, en la combinación de la guitarra acústica y la guitarra slide. Pero la mejor canción es “In the Crowd”, que  mezcla una fabulosa melodía kinksiana con un coda psicodélico no menos atractivo.

Por todo esto, All Mod Cons fue el primer gran trabajo de The Jam. Pero sus sucesores Setting Sons y Sound Affects también darían de que hablar.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Grand Funk Railroad

Grand Funk Railroad – Grand Funk (1969)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Got This Thing on the Move: 9,5
  2. Please Don’t Worry: 8,5
  3. High Falootin’ Woman: 8
  4. Mr. Limousine Driver: 8
  5. In Need: 9,5
  6. Winter and My Soul: 7,5
  7. Paranoid: 9
  8. Inside Looking Out: 9

Si hay un grupo injustamente olvidado de la década del setenta es el trío americano Grand Funk Railroad, no quedaron grabados en la posteridad como otros grupos de la época como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, aunque en su momento fueron realmente grandes y aclamados mas por la gente que por la critica especializada que nunca los tubo como sus favoritos especialmente en Estados Unidos, por algo son el grupo favorito de un americano medio como Homero Simpson.

Su segundo trabajo el clásico del Hard Rock Grand Funk o Red Album como popularmente se lo conoció editado en los últimos días de 1969. La música de este trío se construyó en blues con grandes riffs de guitarra del gran Mark Farner, letras simples, interminables zapadas y melodías amigables que se transformarían en su marca registrada. Una muestra clara de lo que es Grand Funk es el comienzo explosivo con “Got This Thing on the Move”, otro gran tema con grandes solos incluidos e ideal para sus presentaciones en vivo fue “In Need”, las influencias de grupos como Cream y Jimi Hendrix Experience sobrevuelan todo el disco que finaliza excelentemente con dos tamazos que atraviesan los auriculares como “Paranoid” y “Inside Looking Out”.

Red Album, a pesar del poco reconocimiento con que cuenta es un disco muy importante para su época donde el power trío americano se destapa por completo no solo la guitarra endiablada de Farner sino también Don Brewer (Batería) y Mel Schacher (Bajo) suenan muy potentes y se encontraban inspirados.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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