The Who – Odds and Sods (1974)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. I’m The Face: 7
  2. Leaving Here: 5,5
  3. Baby Don’t You Do It: 6,5
  4. Summertime Blues: 8
  5. Under My Thumb: 7
  6. Mary Anne With The Shaky Hand: 8,5
  7. My Way: 6,5
  8. Faith In Something Bigger: 8,5
  9. Glow Girl: 8
  10. Little Billy: 7,5
  11. Young Man Blues: 8
  12. Cousin Kevin Model Child: 7
  13. Love Ain’t For Keeping: 9
  14. Time Is Passing: 8
  15. Pure and Easy: 9
  16. Too Much Of Anything: 8
  17. Long Live Rock: 9,5
  18. Put The Money Down: 7,5
  19. We Close Tonight: 6,5
  20. Postcard: 6
  21. Now I’m A Farmer: 6
  22. Water: 9
  23. Naked Eye: 10

A lo largo de la carrera los Who, entre muchas de sus composiciones, tuvieron diversas canciones que quedaron en el camino. Algunas de ellas banales que merecen el rotulo de “Lados B” y otras que pueden competir sin problemas con sus mejores canciones. Odds and Sods sería el disco encargado de recompilar estas rarezas y descartes que vale la pena repasar para que no queden en el olvido.

Odds and Sods para ser un compilado es bastante satisfactorio por la calidad de material que ofrece y por traer algunos de los números más oscuros del catalogo de The Who. Sin embargo, no es perfecto. Si tenemos en cuenta la cantidad innumerables de canciones de la banda podría haber sido aún mejor.

Esta selección hace un recorrido desde los inicios de The Who hasta la época de Quadrophenia. Entre sus canciones más destacadas podemos remarcar en primer lugar la presencia de ese extraordinario clásico llamado “Naked Eye”, uno de los rockers mejor logrado por Pete Townshend. Esta vez en su forma original, que es más espectacular que cuando la tocan en vivo. Es una obra de arte, escucharlo genera pura inspiración. Si me aventuro un poco debe ser uno de los mejores lados B de la historia.

No muy lejos de su nivel se encuentra ese himno tremendo de hard rock llamado “Long Live Rock” y otras gemas de como “Water” y “Pure And Easy”. Y también tenemos la brutal versión eléctrica de “Love Ain’t For Keeping”, incluso mejor que la original.

El álbum también incluyo una muy buena versión alternativa de “Mary Anne With The Shaky Hand” y una encantadora balada pop llamada “Faith In Something Bigger”. De la época de Tommy nos encontramos con: “Glow Girl”, cuya letra enuncia las estrofas “It’s Girl” en lugar de “It’s a Boy” como en la opera rock; y tenemos a una viñeta dedicada al primo de Tommy “Cousin Kevin Model Child”.

Entre las otras rarezas de Odds and Sods también se puede mencionar la aparición de las versiones de estudio de los covers “Summertime Blues” y “Young Man Blues”, que no están mal pero nada tienen que hacer frente a sus interpretaciones en vivo en Live at Leeds.

Por otro lado, entre lo que quedo afuera y pudo (debería) haber sido incluido, “I Don’t Even Know Myself”, “Heaven and Hell” y “The Relay” son algunas de las grandes ausentes. Y si se les ocurría meter aquellos singles que no formaron parte de sus discos podemos mencionar clásicos por doquier como: “The Seeker”, “Substitute”, “Magic Bus”, “Pictures of Lily”, etc. Que buenos temas!! Me hubiera encantado verlos a todos juntos. Una lastima. De todas maneras, si sos fan de los Who, Odds and Sods vale la pena, especialmente si tenemos la posibilidad de escuchar a “Naked Eye”.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Marillion – Script for a Jester’s Tear (1983)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Script for a Jester’s Tear: 9
  2. He Knows You Know: 8.5
  3. The Web: 8
  4. Garden Party: 9
  5. Chelsea Monday: 7
  6. Forgotten Sons: 8

A fines de la década del setenta, cargado de toda la influencia del rock progresivo de aquellos años, nació en Aylesbury, Ingalterra, una banda que calaría hondo en la música con un gran disco debut. Originalmente conocida como Silmarilion en honor a la obra del novelista J.R.R. Tolkien, la formación británica estaba compuesta por  el guitarrista Steve Rothery, el bajista Soug Irvin, el tecladista Brian Jelliman y el baterista Mick Pointer y luego se sumarían Fish (Dereck Dick) como vocalista y Diz Minnitt en el bajo.

Antes del lanzamiento de su primer álbum, y tras acortar el nombre del grupo a Marilion, un nuevo cambio en la formación se producía. Mark Kelly y Pete Trewavas reemplazaban a Jelliman y Minnitt. En ese entonces la banda grabó el single debut “Market Square Heroes”, que curiosamente no aparecería en la versión original de “Script for a Jester’s Tear” de 1983.

Marillion logró un interesante disco enfocándose en las influencias de las grandes bandas de rock progresivo, tales como Genesis, Pink Floyd o Yes aunque sin descuidar su estilo propio. El género en el cual encajaron se conoció como Neo Prog Rock en alusión a la evolución que éste estaba experimentando a principios de la década del ochenta.

La canción que da título al disco, siendo uno de los mejores, expone una exquisita pieza de casi diez minutos de grandes arreglos. El teclado como gran protagonista, como en la mayoría de los temas, y la voz de Fish le dan al álbum un toque especial. “He Knows You Know”, que trata acerca de la adicción a las drogas y la culpa que genera, es la otra gran interpretación del disco. “The Web”, por su parte, con un potente riff de guitarra encanta desde el comienzo y en “Garden Party” la banda llega al punto máximo del disco.

Finalmente “Chelsea Monday”, bajando un poco la intensidad con la que venía el disco, no pega tanto como el resto. En cambio, “Forgotten Sons” cierra con creces un excelente álbum debut de una banda que revivió lo mejor del Rock Progesivo.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Gulp! (1985)

patricio_rey_y_sus_redonditos_de_ricota-gulp-persimusic-4960379

Puntaje del Disco: 9

  1. Barbazul Versus el Amor Letal: 8,5
  2. La Bestia Pop: 9
  3. Roto y Mal Parado: 7
  4. Pierre, el Vitricida:
  5. Unos Pocos Peligros Sensatos: 9
  6. Yo No Me Caí del Cielo: 8
  7. Te Voy a Atornillar: 8,5
  8. Superlógico: 7,5
  9. Ñam Fri Fruli Fali Fru: 8
  10. El Infierno Está Encantador Esta Noche: 9,5
  11. Criminal Mambo: 8,5

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda más popular y convocante en la historia del rock en Argentina, tuvo sus orígenes en La Plata en 1976, en un principio no tenía ni nombre ni integrantes fijos,  alrededor de 15 músicos se alternaban en los instrumentos. Los tres pilares fundamentales son: el Indio Solari (voz), Skay Beilinson (guitarra) y Carmen Castro ‘La Negra Poly» (manager y alma mater) a los que se puede agregar a Ricardo Cohen, «Rocambole» director artístico del grupo. En sus primeras presentaciones en teatros de La Plata sorprendieron por el show integral que desarrollaban donde se montaban números de teatro y ballet, mientras se repartían verdaderos redonditos de ricota entre el publico.

Su primer trabajo discográfico Gulp! grabado en forma independiente a finales de 1984 y editado un año después contaba con la colaboración de Lito Vitale en teclados y del grupo vocal femenino “Bay-Biscuits” (en el que se encontraba Fabiana Cantilo) en coros. Además del Indio Solari y Skay en su primera obra contaron con Tito «Fargo» D’Aviero en guitarra, Semilla Bucciarelli en bajo, Willy Crook en saxo y Piojo Ávalos en Batería. El sonido inicial de los Redondos se apoya en sólidas melodías de guitarra, pero carente de sutilezas o sofisticaciones que mas adelante exhibirían y con buenas letras que siempre fue su fuerte. La distribución comercial corrió por cuenta de la Negra Poly: “Si un productor quiere ocuparse de Patricio Rey en grabaciones, o en lo que sea, está invirtiendo una cantidad. Y para resarcirse de lo que invirtió deberá vender a Patricio Rey de alguna manera que no tiene absolutamente nada que ver con lo que Patricio Rey quiere hacer”.

Con Gulp los Redondos comenzaron a hacerse conocidos con temas como «Barbazul Versus el Amor Letal», «La Bestia Pop», «Ñam Fri Fruli Fali Fru» que tuvieron difusión en ese momento y otros clásicos ricoteros incluidos en este material quedarían para la historia como «Unos Pocos Peligros Sensatos», «Yo No Me Cai del Cielo» y «El Infierno Esta Encantador Esta Noche».

Para la presentación oficial del disco alquilaron el histórico teatro Astros de la Ciudad de Buenos Aires ubicado en la Avenida Corrientes. . Sin embargo, a último momento la insoportable también hace veinticinco años Valeria Lynch agregó nuevas funciones a sus ciclos y la banda se quedó sin fechas. Por lo que tuvieron que presentarlo en Cemento, cuna de varios grupos del rock nacional, propiedad de Omar Chaban.

Este disco les sirvió de plataforma para hacerse mas conocidos, aunque todavía no contaban con una masividad importante, y empezar a cimentar una carrera que en los ochenta los encontraría editando material casi todos los años y superándose disco tras disco como acrecentando su mística concierto tras concierto. Sobre el debut de la banda en estudio, el Indio Solari dijo: “Tienen todos los temas que por placer, gusto o quién sabe por qué impulso, queríamos grabar. El material que tenemos, luego de tantos años de no grabar, es enorme. Con el tiempo cambiamos y por eso elegimos los nuevos”.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Cadan – Mañana Puede Ser (2009)

cadan-7172844Puntaje del Disco: 7,5

  1. Abriendo: 7
  2. Como Pedirte: 7,5
  3. A Quien Engañan: 7,5
  4. Girar: 8
  5. Al Reves: 7
  6. Son Dos: 8
  7. Con La Misma Vara: 6,5
  8. Dale Calor: 6,5
  9. Para Largar: 8
  10. Mañana: 8
  11. Algún Sitio: 8,5

La arraigada influencia de las bandas más populares del rock argentino ha marcado un predominio incluso en los grupos de la actualidad. Cadan es una de esas nuevas bandas nacidas en la última década, caracterizada por tomar muchas cosas de los Piojos, los Redondos e incluso Sumo.

Este grupo conformado por Esteban Morrone (Voz), Santiago Tambone (Guitarra), Federico Caroni (Teclado), Santiago Sorroche (Bajo), Diego Andriani (Bateria), Maria Eugenia Puyo (Coros) y Juan Pablo Nigrele (Percusión), editaría en el año 2009 (luego de un Demo y un EP) su primer disco: Mañana Puede Ser.

Mañana Puede Ser es un buen álbum debut, un decente puntapié inicial para su carrera. Cadan nos trae un disco que esencialmente es “muy de rock nacional”. No fuera de serie, pero sí rock nacional bien elaborado. Desde este aspecto, estos muchachos son buenos en lo que hacen. De hecho su cantante tiene la particular habilidad de mutar su voz para que parezca por momentos la de Ciro de los Piojos y la del Indio Solari.

Por otro lado, Mañana Puede Ser es un producto entretenido, muy recomendable para escuchar en una reunión entre amigos, o para que le regales a ese amigo “copado” que se la pasa escuchando La Mega como si su existencia dependiera de ello.

El nivel del disco es bastante parejo, sin embargo se puede mencionar algunas canciones como las más destacadas. “Girar” por ejemplo es un reggae bastante divertido. “Para Largar” por su parte es una interesante balada. Y “Son Dos” junto a “Mañana” tienen buenos estribillos. Pero lo mejor del álbum a mi juicio esta sobre el final. “Algún Sitio” es un tema intenso y hace un cierre digno que nos deja con la esperanza de que Cadan puede seguir prosperando en el futuro.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Jet – Shine On (2006)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. L’esprit D’escalier:
  2. Holiday: 8.5
  3. Put Your Money Where Your Mouth Is: 7
  4. Bring It on Back: 7,5
  5. That’s All Lies: 7,5
  6. Hey Kids: 8
  7. Kings Horses: 8,5
  8. Shine On: 8,5
  9. Come On, Come On: 8
  10. Stand Up: 7
  11. Rip It Up: 6,5
  12. Skin and Bones: 8,5
  13. Shiny Magazine: 7
  14. Eleanor: 6
  15. All You Have to Do: 7,5

Shine On (2006) segundo trabajo de la banda australiana Jet trata de repetir las formulas que le dieron tanto éxito en su disco debut especialmente con sus hits la roquera “Are You Gonna Be My Girl?” y la balada “Look What youve Done». El grupo reincide en esa mezcla explosiva de riffs al estilo de sus coterráneos AC/DC y melodías pop más cercanas a las típicas baladas marca registrada de Oasis en sus últimos discos.

Lo malo de Shine On no es la idea ni la búsqueda sino que simplemente no cuenta con esas canciones que pueden llegar a atraer y convertirse en singles pegadizos que no son para nada una tarea sencilla de conseguir, pero por otro lado no todo son canciones memorables y temas que rotan en la radio permanentemente y Jet sigue sonando bien y con la misma pasión que Nic Cester le imprime a cada tema.

Las canciones roqueras son el fuerte del grupo y en esa oportunidad toman la delantera “Holiday” y “»Skin and Bones”, desafortunadamente hay un par de fiascos como “Put Your Money Where Your Mouth Is” que es un obvio intento de imitar a “Are You Gonna Be My Girl?”. En cuanto a las baladas “Kings Horses” y el mejor tema del disco “Shine On” son de lo mejorcito, aunque para mi gusto no aportan demasiados elementos novedosos y son muy parecidas a cosas que pudimos escuchar de Oasis, Keane y hasta Coldplay.

Shine On es un buen disco que elude el fracaso que muchas bandas exitosas en su debut experimentan en su segunda incursión, pero deja muchas interrogantes y cierta preocupación sobre el futuro y que dirección tomara su música de aquí en adelante.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Ramones – Rocket to Russia (1977)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Cretin Hop: 7,5
  2. Rockaway Beach: 8
  3. Here Today Gone Tomorrow: 8,5
  4. Locket Love: 6,5
  5. I Don’t Care: 5,5
  6. Sheena Is A Punk Rocker:
  7. We’re A Happy Family: 7,5
  8. Teenage Lobotomy: 7
  9. Do You Wanna Dance: 7,5
  10. I Wanna Be Well: 7,5
  11. I Can’t Give You Anything: 7,5
  12. Ramona: 8
  13. Surfin’ Bird: 7,5
  14. Why Is It Always This Way: 7

Los Ramones de nuevo. Una maldición punk que me persigue desde sus primeros discos. Esta vez nos toca repasar Rocket to Russia, considerado por muchos como su mejor trabajo discográfico. Una distinción que no me dice mucho considerando lo que ya escuché de ellos, y seriamente hablando me lleva al siguiente razonamiento: ¿Qué es lo que hace a este disco mejor que sus predecesores?

No lo entiendo. Por más que me esfuerzo por ser menos riguroso con este grupo que fue uno de los más importantes del Punk, le pregunto a los fans y a los críticos ¿Qué hace distinto y extraordinario a Rocket to Russia del resto?

Rocket to Russia son nuevamente 14 canciones de 2 minutos promedio cada una en donde se siguen repitiendo los pocos acordes que usa Johnny Ramone. Algo que ya se podía escuchar en Leave Home y The Ramones ¿O me equivoco? Por más duro que suene esencialmente su tercer disco es más de lo mismo pero con el nombre cambiado (hasta la portada es parecida a las anteriores). Encima vuelven a incluir a “Sheena Is A Punk Rocker” para rellenar (me niego a ponerle puntaje nuevamente). Sin embargo, SÍ voy considerarlo como el mejor álbum que los Ramones editaron hasta entonces. Porque si bien la formula Ramona se repite, noto una tenue (muy tenue) mejora en lo que son las melodías de sus canciones. Sus 14 temitas en general entretienen y me gustan algunos de ellos como “Rockaway Beach” y “Ramona”. Incluso los covers como “Do You Wanna Dance” y “Surfin’ Bird” están bastante bien versionados siguiendo el estilo de la banda.

Además, otro punto a favor es que me encuentro con un par de sorpresas para el desmayo. Escuchen por favor “Here Today Gone Tomorrow”, lo más lúcido que hicieron aquí, no solo por el ritmo de la canción, la entonación de Joey es muy buena y tenemos un solo de guitarra de Johnny!! Un milagro!!

En síntesis, Rocket to Russia es ciertamente más de lo mismo. Pero es un buen disco, el más disfrutable y divertido de su primera tríada.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Juan Carlos Baglietto – Tiempos Difíciles (1982)

juancarlosbaglietto-tiemposdifc3adciles-8139161

Puntaje del Disco: 8

  1. Mirta de regreso: 8
  2. Aunque mañana no estés: 7.5
  3. Era en abril: 8
  4. Los nuevos brotes: 6
  5. Puñal tras puñal: 7
  6. Sobre la cuerda floja: 7.5
  7. Dulce pájaro: 7
  8. La música del río de la plata: 7.5
  9. Sin luna: 7
  10. La vida es una moneda: 8.5

Proveniente de Rosario, como tantos otros talentos de las artes en Argentina, Juan Carlos Baglietto comenzó su carrera en 1972 con los primeros grupos Via Vaneto y Confidencias, para transformarse en uno de los músicos más respetados de la escena de los últimos cuarenta años. Luego formó Irreal acompañado por Daniel Wirtz, Sergio Sainz, Juan Chianelli, Piraña Fegúndez y Beto Corradini, con la que participó del Primer Encuentro Nacional de Rock del Interior.

En 1981 se lanzó en solitario contando con un grupo soporte con Silvina Garré como corista, Fito Páez en teclado, Rubén Goldín en guitarra, Sergio Sainz en bajo y José Zappo Aguilera en batería. Al año siguiente llegaría el primer disco, “Tiempos Difíciles”, uno de los más importantes de su carrera.

La dictadura militar que todavía azotaba a la Argentina, el terror y la censura quedan expresadas en el tono de este disco, cuyo título refleja muy bien cómo vivían los artistas que deseaban liberarse de tantas penurias. Con la ayuda de los músicos antes mencionados, Balgietto pone su voz melancólica y suaves melodías a temas tan dispares como “Era en Abril” hasta “La Música del Río de la Plata”. Las letras de “Aunque mañana no estés”, “La vida es una moneda”, entre otras, a cargo de Fito Páez, dejaba en evidencia el gran talento aquel joven rosarino tendría por explorar.

“Mirta, de regreso”, que relata la historia de un hombre que vuelve con su amada luego del exilio, se convirtió en uno de los mayores éxitos. Pero tal vez el mayor éxito de Juan Carlos Baglietto fue lograr transmitir con simples canciones esa sensación de desamparo que se vivía por entonces, en un país que no acostumbrado a las Guerras, se encontraba peleando por sus territorios en Malvinas.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

The White Stripes – Icky Thump (2007)

Puntaje del Disco: 9

  1. Icky Thump: 9,5
  2. You Don’t Know What Love Is (You Just Do as You’re Told): 8,5
  3. 300 M.P.H. Torrential Outpour Blues: 9
  4. Conquest: 8
  5. Bone Broke: 8,5
  6. Prickly Thorn, But Sweetly Worn: 7
  7. St. Andrew (This Battle Is in the Air): 7,5
  8. Little Cream Soda: 9
  9. Rag and Bone: 9
  10. I’m Slowly Turning Into You: 9
  11. A Martyr for My Love for You: 6,5
  12. Catch Hell Blues: 8
  13. Effect and Cause: 8

Mucha agua corrió debajo del puente para los White Stripes entre Get Behind Me Satan (2005) y Icky Thump (2007); mientras Meg White se mudo a Los Angeles, Jack White contrajo matrimonio tubo una hija y formo su proyecto alternativo The Racounters que alcanzo además de elogios preocupación en los fanáticos de los White Stripes sobre el futuro de la banda.

Mas haya de estos cambios de escenarios Icky Thump, bautizado por ellos mismos como “La música de nuestros tiempos una mezcla de blues, rock, gaitas, banjos y violines americanos.”, mantiene el sello inconfundible del dúo de Detroit pero con una preponderancia en buena hora de la guitarra de Jack, sin dudas uno de los mejores guitarristas de rock en la actualidad, en especial los sonidos hard-rock, blues-rock de principios de los setenta, dejando un poco atrás los pianos y los climas desenchufados que predominaban en su anterior material . El disco incluye una fuerte crítica a la política migratoria de los Estados Unidos. Icky Thump deriva de un coloquialismo de una de las primeras colonias norteamericanas, Yorkshire, en una época en la que los ingleses migraban a Norteamérica en busca de mejores oportunidades de vida. Irónicamente, se le aplica a un personaje que también emigra hacia los Estados Unidos, sólo que esta vez lo hace desde México.

Desde la caótica y genial “Icky Thump” pasando por las roqueras «Catch Hell Blues» y 300 M.P.H. Torrential Outpour Blues”, la graciosa “Let’s Build a Home” y otros momentos interesantes como “Rag and Bone” y “Little Cream Soda” Icky Thump cuenta con demasiados momentos para confirmar que esta “vuelta al rock” es verdaderamente acertada. Con la excepción de un par de temas deslucidos como la balada “A Martyr for My Love for You” y el country “Prickly Thorn, But Sweetly Worn”.

El álbum, como era de esperarse, recibió críticas muy positivas calificándolo como brillante, maduro y una gran diversión escucharlos tocar, este ultimo punto me parece el mas valioso ya que siempre que uno se dispone a escuchar algo donde Jack White es participe (The White Stripes, The Racounters o The Dead Weather) se percibe esa sensación de autenticidad y de que el tipo disfruta de lo que hace lo que lo transforma en uno de los músicos mas auténticos en la industria musical en la actualidad.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Emerson, Lake & Palmer – Emerson, Lake & Palmer (1970)

Puntaje del Disco: 9

The Barbarian: 8
Take a Pebble: 8.5
Knife Edge: 8
The Three Fates(Clotho, Lachesis, Atropos): 7
Tank: 8
Lucky Man: 9

Luego de darse a conocer con un magnífico concierto en The Isle of Wight Festival, Emerson, Lake & Palmer editó en 1970 su álbum debut. Siendo un proyecto ambicioso, EL&P corría con la ventaja de haber mostrado pinceladas de talento, que se verían muy bien reflejadas en este gran material.

El disco se basa prácticamente en la suma de las partes que cada uno de estos formidables músicos aportan al todo. A excepción de “The Barbarian”, ninguna de las otras composiciones lleva el nombre de los tres integrantes. Aunque en la mayoría de las interpretaciones predomina el teclado, Keith Emerson se hizo cargo de “The Three Fates” (tal vez la más floja de todas), Greg Lake aportó la dulce balada “Lucky Man” que se convirtió en un emblema del rock progresivo y Carl Palmer compuso “Tank” en donde deja todo su talento a través de un genial solo de batería.

Una de las características de este álbum es la perfecta incorporación de piezas de música clásica, como se aprecian en “The Barbarian” cuando la banda adhiere los arreglos del piano de “Allegro Barbaro” de Bartóck o en “Knife Edge” basado en el primer movimiento de la Sinfonitta de Janáček junto a otra pieza de Johann Sebastian Bach.

“Emerson, Lake & Palmer” obtuvo buenas críticas que le permitieron llegar a un amplio espectro de seguidores y fanáticos del Rock Progesivo. Ubicándose en el cuarto lugar de los charts birtánicos, el disco debut de EL&P se transformó en una pieza fundamental del rock.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)