Archivo por meses: enero 2011

U2

U2 – Pop (1997)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8

  1. Discothèque: 9
  2. Do You Feel Loved: 7,5
  3. Mofo: 9
  4. If God Will Send His Angels: 7
  5. Staring at the Sun: 9
  6. Last Night on Earth: 8,5
  7. Gone: 8,5
  8. Miami: 5,5
  9. The Playboy Mansion: 5
  10. If You Wear That Velvet Dress: 6,5
  11. Please: 7,5
  12. Wake Up Dead Man: 8

Uno de los trabajos que levanto más polémicas en la extensa carrera de U2 fue Pop (1997). Después de cuatro años sin lanzamientos oficiales se esperaba con ansias la continuación del experimental Zooropa. Si bien Pop se oriento hacia estructuras de canciones el grupo abandonaría un poco sus raíces de rock clásico en la búsqueda de nuevos sonidos con influencias tecno y dance que estaban en plena expansión a finales de la década del noventa. Claro ejemplo de esto es su primer sencillo “Discothèque” que termino siendo numero uno en varios países alrededor del mundo.

Hay un significado más profundo detrás de Pop y el Popmart Tour (la grandilocuente gira de presentación del álbum), los dos trataban de retratar la cultura plástica y exagerada que se vivía en los noventa como suerte de parodia. Bono mismo meses mas tarde admitió que el disco no comunico lo que ellos intentaron comunicar.

Pop tiene destellos de sorpresa, especialmente en “Mofo” y cuenta con otros buenos momentos como la balada “Staring at the Sun” y los mas roqueros “Gone” y “Last Night on Earth”. El problema aparece en algunas canciones que no llegan a reflejar lo que los irlandeses intentaron para este material, ni tampoco tienen la esencia del U2 ochentoso y son lo mas flojo lejos del disco como “The Playboy Mansion” y “Miami”.

En conclusión, Pop es injustamente uno de los discos mas subvalorados de la carrera de U2. Me pregunto ¿Cual es el problema que una banda totalmente consolidada explore nuevos horizontes como en Zooropa o Pop y no se estanque en la formula que tanto éxito les dio y la repita solo para complacer a sus seguidores? Considero mucho mas flojo y desafortunado su ultimo trabajo hasta ahora No Line on the Horizon sin aportar nada nuevo y con definitivamente malas canciones.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)
La Renga

La Renga – Esquivando Charcos (1991)

Deja un comentario

la_renga-esquivando_charcos-6848031

Puntaje del Disco: 7

  1. Somos los mismos de siempre: 7
  2. Moscas verdes, para el charlatán: 6
  3. Embrolos, fatos y paquetes: 6.5
  4. Luciendo mi saquito blusero: 6.5
  5. Voy a bailar a la nave del olvido: 8
  6. Buseca y vino tinto: 6.5
  7. El juicio del ganso: 7
  8. Negra es mi alma, negro es mi corazón: 6
  9. Blues de Bolivia: 7.5

En medio de los festejos de fin del año 1988, en el barrio porteño de Mataderos, el futuro hiperinflacionario 1989 vería nacer a una de las bandas más destacadas de la década de los noventa en la Argentina. La Renga se componía de Gustavo “Chizzo” Nápoli, Raúl “Locura” Dilelio, Jorge “Tanque” Iglesias y su hermano Gabriel “Tete”, quienes dieron sus primeros pasos en el underground de Buenos Aires con presentaciones en las que versionaban temas de Creedence, Vox Dei y Manal.

En 1991 la banda grabó su primer disco, “Esquivando Charcos”, o mejor dicho, su primer cassette, ya que fueron los mismos integrantes quienes se encargaron de distribuirlos entre su gente. Un total de mil copias fueron repartidas entre los afortunados seguidores que hoy cuentan con una verdadera reliquia entre los fanáticos “rengueros”. En 1998 la discográfica PolyGram reeditó el álbum para que cada vez más gente siga descubriendo los sonidos de Chizo y compañía.

“Esquivando Charcos” es un entretenido disco de rock de garage en el que a través de sólidas bases de guitarras y batería, queda plasmado el estilo bien callejero del grupo. Las letras expresan, con un lenguaje coloquial y sin vulgaridades, las vivencias de barrio de este grupo de amigos que sólo querían hacer buena música (“Somos los mismos de siempre”). Rescato los buenos riffs como en “Embolos, fatos y paquetes”, la voz del cantante que siendo muy joven, todavía no había desarrollado esa ronquera que lo caracterizaría más adelante.

Después de los primeros cuatro temas a puro rock casi bailable, el disco baja la intensidad con el temazo “Voy a bailar a la nave del olvido” que sonaría mejor aún en vivo en próximos discos. Seguido, “Buseca y vino tinto”, volviendo al ritmo de los temas anteriores, invita no sólo a rockear sino también a “morfar”.  Por último el disco cierra con “Blues de Bolivia”, el otro destacado, en el que tomando el estilo blusero, la letra incita a recorrer los terrenos del hermano país y si la ley no lo advierte, conseguir algunas dosis de cocaína y marihuana.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)
Ween

Ween – GodWeenSatan: The Oneness (1990)

1 comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. You Fucked Up: 9
  2. Tick: 9,5
  3. I’m In The Mood To Move: 8,5
  4. I Gots A Weasel: 8
  5. Fat Lenny: 8
  6. Cold And Wet: 8,5
  7. Bumblebee: 7
  8. Don’t Laugh (I Love You): 9
  9. Never Squeal: 7,5
  10. Up On The Hill: 8,5
  11. Wayne’s Pet Youngin’: 8
  12. Nicole: 8
  13. Common Bitch: 7
  14. El Camino: 9
  15. Old Queen Cole: 8
  16. Nan: 8
  17. Licking The Palm For Guava: 7
  18. Mushroom Festival In Hell: 8,5
  19. L.M.L.Y.P.: 9
  20. Papa Zit: 7,5
  21. Old Man Thunder: –
  22. Birthday Boy: 9,5
  23. Blackjack: 8
  24. Squelch the Weasel: 9
  25. Marble Tulip Juicy Tree: 9
  26. Puffy Cloud: 7

Pero que cosa más sorprendente es este disco. No se si sabrán pero este es un álbum debut y cuenta con más de 20 temas. Aunque la mayoría sean cortos es demasiado para cualquier banda común y corriente que esta haciendo sus primeros pasos. Son 26 canciones para ser exactos. Perdón, 29!! Si tenemos en cuenta la reedición que sacarían años más tarde. Sí, un álbum suculento para que llenes tu panza, donde la más asombrosa virtud es la cantidad muy diversa de estilos que abordan y experimentan: punk, metal, folk, pop, gospel, etc. Semejante disco nos insita a preguntarnos: ¿Quién diablos lo hizo?

Los autores materiales e intelectuales de este excelente trabajo tienen nombre: Ween, un descollante dúo alternativo conformado por Gene Ween y Dean Ween, cuya existencia se remite a los ochenta, pero recién en 1990 (cuando todavía el Grunge no era el genero arroyar del momento) editarían esta perlita, o mejor dicho esta joyería llamada GodWeenSatan.

Créanme cuando les digo que el álbum es excelente, no solo por los géneros que exploran sino también por como experimentan con su humor paródico. Ya desde el arranque con “You Fucked Up”, Ween exclamando una grosería (en este caso muy efectiva) como “You Fuckek Up!! You Bitch!!” te inserta una adrenalina explosiva que te motiva a escuchar todo el disco. “Tick” es aún mejor, Ween se mofa con una letra graciosisima “I feel a tick in my head, and he’s sucking on my head”, rockeando con arrebatos paranoicos. El álbum continua con juegos de voces robotizadas como en “I’m In The Mood To Move” o poppies como en “Don’t Laugh”.

Dentro de esta ensalada también tenemos un divertido gospel como “Up On The Hill”, cuyo coda es verdaderamente muy bueno, y una tremenda canción que mezcla flamenco con rock alternativo “El Camino”. Tampoco se puede pasar por alto el cover de Prince “L.M.L.Y.P.” uno de sus puntos más altos junto a la neo psicodelia de “Birthday Boy” y “Marble Tulip Juicy Tree” y a la magnifica balada acústica “Squelch the Weasel”.

Sin embargo, no falta el que critique al disco por su longitud, que hace que algunas de sus canciones sean descartes humorísticos a simple vista. Pero desde mi punto de vista forma parte de la fisionomía de Ween. No esperes un disco de ellos con menos de 10 canciones. Además ninguno de sus cortes deja de entretener. GodWeenSatan es tan largo como original y divertido.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Johnny Cash

Johnny Cash – Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar (1957)

1 comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Rock Island Line: 8
  2. (I Heard That) Lonesome Whistle: 8
  3. Country Boy: 8.5
  4. If the Good Lord’s Willing: 8.5
  5. Cry! Cry! Cry!: 9
  6. Remember Me (I’m the One Who Loves You): 8
  7. So Doggone Lonesome: 8
  8. I Was There When It Happened: 8
  9. I Walk the Line: 9
  10. Wreck of the Old 97: 8.5
  11. Folsom Prison Blues: 10
  12. Doin’ My Time: 8

“Hello, I’m Johnny Cash”. Con esas inmortales palabras y al ritmo de “Folsom Prison Blues” el legendario Johnny Cash solía hacer sus presentaciones ante el público. The Man in Black, como se lo conoció por vestir siempre atuendos negros, fue uno de los más importantes exponentes de la música de segunda pos guerra en los Estados Unidos. Su música no era únicamente folk, ni tampoco ryhtm n’ blues, sino que combinó estos géneros con el incipiente rock n’ roll que hacia fines de los años cincuenta comenzaba a invadir la escena. Su actitud arrogante y desafiante eran las características esenciales que hicieron de Cash un ícono de la cultura norteamericana.

Tras haber sido rechazado por Sam Phillips en una audición para Sun Records, la rebeldía de Cash salió de los moldes y en una segunda oportunidad, dejó al productor encantado con “Hey Porter”, una de sus primeras canciones. El góspel ya era cosa del pasado y Cash lo sabía por lo que, con la guitarra a cuestas, Johnny Cash empezó a captar los sonidos de ese momento para darle una pizca de trasgresión en sus letras, que serían las delicias del público.

En 1957 el primer disco de Johnny sería la pieza que faltaba a un conjunto de temas que ya habían sido previamente lanzadas como singles, tales como “Cry! Cry! Cry!” o “So Doggone Lonesome”. “I Walk the Line”, grabado en 1956, se convirtió en uno de los grandes clásico en la carrera de Cash y el éxito comercial que alcanzó permitió que se colocara el frente de los charts.

Entre sus letras Johnny Cash encontró gran inspiración durante su paso por las Fuerzas Armadas. Uno de estos casos se da claramente en “Folsom Prison Blues” que con esa genial frase “I shot a man in Reno just to watch him die” el tema pasó a ser un estandarte entre los prisioneros de las cárceles estadounidenses.

Además de las canciones propias, Cash incluyó canciones prestadas como en “If the Good Lord’s Willing” de Jerry Reed y por supuesto desarrolló temas folk como «Remember Me (I’m the One Who Loves You)» y “(I Heard That) Lonesome Whistle”, aunque sin perder el estilo que caracterizó a sus melodías.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
The Hives

The Hives – Tyrannosaurus Hives (2004)

1 comentario

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Abra Cadaver: 7
  2. Two-Timing Touch and Broken Bones: 8
  3. Walk Idiot Walk: 8
  4. No Pun Intended: 6,5
  5. A Little More For Little You: 7
  6. B is for Brutus: 9
  7. See Through Head: 7,5
  8. Diabolic Scheme: 8,5
  9. Missing Link: 7,5
  10. Love in Plaster: 7
  11. Dead Quote Olympics: 6,5
  12. Antidote: 7,5

The Hives, La banda sueca de garage rock que apareció con mucha fuerza a principios del nuevo milenio de la mano de su hit “I Hate To Say I Told You So”, volvería cuatro años mas tarde en el verano europeo del 2004 a pisar fuerte con  Tyrannosaurus Hives, su trabajo mas aclamado por la crítica.

Sus canciones rápidas, directas y bien rockeras vuelven a escena. Quizás la mayor virtud de su música sea justamente que no aburre pasa rápido y encuadro justo en la momento más fuerte de garage rock revival y el crecimiento del Indie rock lo que les proveyó un grupo de seguidores fieles no solo en su país natal sino en mercados realmente interesantes como Estados Unidos y el Reino Unido. Para agilizar este cometido luego de su explosión con Veni Vidi Vicious The Hives decidió editar un compilado de lo mejor de sus primeros discos, desconocidos fuera de Suecia hasta el momento, bajo el nombre de Your New Favourite Band un compilado altamente recomendable para inmiscuirse en el grupo si aun no lo conocen.

Durante la grabación de Tyrannosaurus Hives el grupo había mencionado que iba a abandonar un poco el rock potente de sus mas resonantes hits de años anteriores para adentrarse en un sonido experimental mas acercado a Kraftwerk, ciertamente esta evolución y complejización en su música se percibe en todo el álbum, especialmente en temas como “Love in Plaster”, aunque nunca abandonarían su verdadera esencia. La crítica especializada unánimemente señala a Tyrannosaurus Hives como su mejor obra, aunque personalmente me parece más genuino y valioso su sonido primario y menos complejo reconozco que gracias a esta evolución los suecos serian capaces de mantenerse en el mercado musical cuando la moda Indie afloje un poco con el correr de los años.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Los Siete Delfines

Los Siete Delfines – L7D (1992)

Deja un comentario

l7d1-7548899Puntaje del Disco: 8

  1. Dale Salida: 8,5
  2. Post Crucifixión: 7,5
  3. Never Du Nozin: 8
  4. Tu Orden: 8,5
  5. Florextrema: 7,5
  6. Musgo Sobre Oro: 8,5
  7. No es Simple: 7,5
  8. Es Tan Celosa: 8
  9. Travesía: 8,5
  10. Amo la Noche: 8,5
  11. La Ronda: 7
  12. Árboles: 7
  13. Ni Una Vez Más: 8,5

Los Siete Delfines nacieron a principios de los noventa como un dúo formados por el ex Fricción Richard Coleman y el ex Todos Tus Muertos “Gamexane» Villafañe a ellos se le sumaron Ricardo Saenz Paz en bajo y teclados y Braulio D’Aguirre en batería.

Sin ningún disco oficial en su haber y con gran repercusión en conciertos donde se presentaron junto a Charly Garcia, Luis Alberto Spinetta, entre otros. El prestigioso (por ese entonces) suplemento musical del diario Clarin Sí los ubico como el grupo revelación del año 1990.

La figura de Richard Coleman siempre me resulto interesante y valiosa dentro del rock nacional, gran amigo del líder de Soda Stereo Gustavo Cerati, es una suerte de alter-ego rockero y mas oscuro de el. Lógicamente Soda influyo bastante en Coleman pero también se perciben en su música claras influencias dark y británicas.

En Julio de 1992 finalmente lograrían editar su primer trabajo oficial L7D bajo la producción del mismo Cerati. Un disco con momentos intensos y valiosos, pondría por encima del resto “Dale Salida”, “Musgo Sobre Oro”, “Amo la Noche” y “Travesía”, pero lo que es mas importante se nota una cohesión musical y una búsqueda que se mantiene a lo largo del disco sin mostrar demasiados altibajos ni zonas grises. Cuenta también con una buena versión de “Post Crucifiction” de Pescado Rabioso. La periodista Gloria Guerrero describía por ese entonces de esta forma a Los Siete Delfines: “En épocas en que los grandes letristas no descuellan (salvo los tradicionales), Coleman insiste en una poesía única y particular. Fascinado por los juegos de palabras y por una danza casi fotográfica de imágenes superpuestas, canciones como «Azulado» (que grabó Soda Stereo en su segundo LP) o las actuales letras de Los Delfines están absolutamente dedicadas a la belleza”.

Tan recomendable como adentrarse en los sonidos de Los Siete Delfines es darle una oportunidad al material de Fricción (la anterior banda de Coleman) y no solo a su conocido cover de “Heroes” de David Bowie sino a su discografía completa Consumacion o Consumo (1986) y Para Terminar (1988).

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)
Janis Joplin

Janis Joplin – Big Brother & The Holding Company (1967)

1 comentario

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Bye Bye Baby: 8
  2. Easy Rider: 7
  3. Intruder: 7,5
  4. Light Is Faster Than Sound: 7
  5. Call On Me: 8,5
  6. Women Is Losers: 7
  7. Blindman: 7
  8. Down On Me: 8
  9. Caterpillar: 6
  10. All Is Loneliness: 7,5
  11. Coo Coo: 8
  12. The Last Time: 8,5

Big Brother & The Holding Company fue la primera banda en la que participaría Janis Joplin. Este grupo sería uno de los más reconocidos que saldrían de San Francisco en los sesenta junto a otros como Grateful Dead y Jefferson Airplane. La incorporación de Janis a Big Brother sería en 1966 y tan solo un año después llegaría el homónimo álbum debut de la banda.

Para ser el primer disco de Janis junto a Big Brother, la banda no ofrece algo particularmente novedoso o impactante, sobretodo si lo comparamos con otros trabajos de la misma época como Surrealistic Pillow. El material de Big Brother & The Holding Company es bastante genérico. No tiene nada de especial, es blues rock con algo de psicodelia, en composiciones que no son muy sólidas ni atrapantes. Son simples canciones promedio que cumplen con su papel de entretener al oyente.

Por otro lado, por aquel entonces la voz de Joplin era tan poderosa como siempre, pero todavía no tenía el protagonismo que alcanzaría años más tarde. Hay que decirlo, no interpreta íntegramente todos los temas y hasta pasa en un segundo plano por el bajo nivel del grupo. Justamente los mejores momentos del disco son cuando Joplin libera su garganta apoyada en una buena composición como en “Call On Me” y “The Last Time” (que nada tiene que ver con el tema de los Stones).

Pero este solo sería el inicio de la banda. Big Brother & The Holding Company alcanzaría su cumbre con su excelente próximo trabajo Cheap Thrills.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Tindersticks

Tindersticks – Tindersticks I (1993)

1 comentario

r-389316-1262948921-jpeg

Puntaje del Disco: 9

  1. Nectar: 8,5
  2. Tyed: 8,5
  3. Sweet, Sweet Man Pt. 1: –
  4. Whiskey and Water: 9,5
  5. Blood: 7
  6. City Sickness: 9
  7. Patchwork: 7,5
  8. Marbles: 8,5
  9. The Walt Blues: –
  10. Milky Teeth: 9
  11. Sweet, Sweet Man Pt. 2: 8
  12. Jism: 8,5
  13. Piano Song: 8
  14. Tie-Dye: 8,5
  15. Raindrops: 8,5
  16. Sweet, Sweet Man Pt. 3: 8,5
  17. Her: 9
  18. Tea Stain: 6,5
  19. Drunk Tank: 8
  20. Paco de Renaldo’s Dream: 9
  21. The Not Knowing: 9

Formados a comienzos de la prolífera década del noventa, en materia musical, en la ciudad británica de Nottingham Tindersticks recibió desde el comienzo una espléndida acogida por parte de la crítica especializada.

El sonido entre elegante y alternativo del grupo tiene su sello distintivo en la profunda voz de barítono de su vocalista y líder Stuart Staples, con toques tan particulares que sorprenderían a cualquiera que nunca lo escuchara antes, emulando por momentos a Nick Cave o Ian Curtis pero con una imponente y oscura voz difícil de igualar. Otra pieza clave en el sonido tan particular de Tindersticks es lo que aporta el guitarrista Dickson Hinchliffe con guitarras podridas en algunos casos y en otros tocando una gran variedad de instrumentos que contribuyen al sonido ecléctico del grupo. Entre ellos están el piano, violín, trompeta y órgano Hammond.

Su disco debut Tindersticks I (1993) tubo bastante repercusión en el Reino Unido señalado como disco del año por la prestigiosa revista Melody Maker y como uno de los debuts musicales mas prometedores de la epoca. La atmosfera densa que se percibe durante los 21 tracks (buen numero para un disco inicial) alcanza su mejor momento en temas como “Whiskey and Water”, “Raindrops”, “Milky Teeth”, “Her”, “The Not Knowing” por solo nombrar algunos en un álbum bastante parejo y consistente.

La música y las letras de Tindersticks son tan particulares como su carrera, actualmente cuentan con ocho discos y tienen su base de seguidores pero es difícil aspirar que alcancen al gran público y seguramente es algo que tampoco busquen y se sientan cómodos en la categoría de banda de culto y para determinadas elite. El mismo Staples afirmaba en una entrevista reciente acerca del estilo de la banda lo siguiente: “Hacer buenas canciones, componer música hermosa, transmitir credibilidad a lo que cantas. Y hacer todo eso con una producción y un vestido sonoro realmente exquisito y cuidado. No está bien que lo diga yo mismo, pero estoy convencido de que los Tindersticks son sinónimo de una manera de hacer y degustar música muy específica. Quiero decir, que más allá de que yo puedo componer unas melodías así o asá, existe detrás un trabajo de arreglos y de instrumentación en directo que nos convierte en un producto no sólo inclasificable sino casi único».

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Estelares

Estelares – Extraño Lugar (1996)

Deja un comentario

estelares-extrac3b1o-lugar-1996-5868041

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Suena el Timbre: 7
  2. 20 de Noviembre: 7,5
  3. Pelotitas de Pin Pon: 7,5
  4. La Remera: 8
  5. El Último Beso: 7,5
  6. Febrero: 7,5
  7. Los Inolvidables: 8
  8. Extraño Lugar: 8
  9. Frescos Como Uvas: 8
  10. Vestido de Azul: 6,5
  11. Me Hundo: 6
  12. Verde Esperanza: 7

Estelares es una banda de origen platense formada a mediados de los noventa que hoy en día tiene bastante reconocimiento dentro de la escena nacional. La banda formada por Manuel Moretti (voz y guitarra), Victor Bertamoni (guitarras), Pali Silvera (bajo) y Carlos Sánchez (batería) alcanzaría su distinción y originalidad por combinar rock con influencia y estética del Tango.

Mucha de esta influencia se puede encontrar en su álbum debut Extraño Lugar, en donde constantemente se puede escuchar a un Moretti que interpreta y enuncia cada estrofa como un verdadero tanguero. Y a eso hay que sumarle los particulares ritmos de guitarra que agrega Bertamoni para alcanzar una mayor distinción. Al respecto el cantante de Estelares declaró lo siguiente: «Incorporamos cositas tangueras pero de ninguna manera queremos vincularnos con ese género, porque el tango es algo muy sofisticado».

A pesar de esta remarcable cualidad, las composiciones de Extraño Lugar son buenas pero no lo suficientemente notables como para quedar en la memoria de los oyentes. La mayoría serán recordadas como canciones pop (o de rock alternativo) que exploran la fusión con música popular del país, pero que no termina de sacarle el jugo a esa combinación creativa. Aún así el disco pasa por muy buenos momentos como “La Remera”, “Los Inolvidables” y “Frescos Como Uvas”, que dejarían un panorama muy prometedor en lo que a futuro vendría de la banda.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
The Cult

The Cult – Love (1985)

1 comentario

Puntaje del Disco: 8

  1. Nirvana: 8
  2. Big Neon Glitter: 7
  3. Love: 6.5
  4. Brother Wolf, Sister Moon: 8
  5. Rain: 8
  6. The Phoenix: 7
  7. Hollow Man: 7.5
  8. Revolution: 8.5
  9. She Sells Sanctuary: 9
  10. Black Angel: 7.5

En Agosto de 1985 The Cult ingresó, por segunda vez en menos de dos años, a los estudios de grabación para darle forma a “Love”. “Dreamtime” había sido para la banda de Ian Astbuty un gran puntapié que sirvió de impulso emocional hacia una nueva producción.

El primer corte promoción del disco fue “She Sells Sanctuary”, uno de los mejores  del álbum y de la carrera de la banda, que logró posicionarse entre los primeros veinte en los charts británicos durante varias semanas. Este lanzamiento, meses antes de la salida definitiva del disco, anticipaba rumbos de mejoría en la banda. La psicodelia de “Dreamtime” se mantiene pero la combinación con el hard rock y el new wave gótico producen un efecto muy efectivo.

Buenos arreglos y bateos constantes , sumados a la voz de Astbury, son las claves que permitieron a “Love” superar a su antecesor y darle a The Cult un gran material. La participación en la composición y en los riffs por parte del guitarrista Billy Duffy hace que los temas alternen de lo casi melódico de “Hollow Man” y “Revolution” a la más estridente “The Phoenix”.

Con momentos muy buenos y puntos altos como en “Brother Wolf, Sister Moon” y “Rain”, The Cult tomó vuelo con este formidable disco y demostró que lo de Astbuty y compañía venía en serio.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)