Archivo por meses: septiembre 2014

Muse

Muse – Absolution (2003)

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Muse - Absolution (2003)

Puntaje del Disco: 10

  1. Intro: –
  2. Apocalypse Please: 9
  3. Time is Running Out: 9,5
  4. Sing for Absolution: 8,5
  5. Stockholm Syndrome: 10
  6. Falling Away With You: 7,5
  7. Interlude: –
  8. Hysteria: 10
  9. Blackout: 8
  10. Butterflies & Hurricanes: 8,5
  11. The Small Print: 9,5
  12. Endessly: 8
  13. Thoughts of a Dying Atheist: 8
  14. Ruled by Secrecy: 9

Muchos consideran que ponerle un 10 a este disco parece un poco absurdo. Lo lamento chicos, pero he tratado de ser negativo con este disco y la banda, y aun no he podido. Hace 1 semana que la vengo escuchando y ha influido musicalmente muchísimo mi autoestima. Absolution de Muse, es de los mejores discos del siglo.

Absolution vendría a ser el tercer trabajo de Muse, lanzado en 2003, 2 años después de la salida del espectacular Origin of Symmetry, con el cual los llevaron al éxito. Este disco, pese a haber recibido no tan buenas criticas especializadas, fue enormemente aclamado por el publico, además de ser considerado hasta el mejor disco de la banda.
Si hubo algo que me encanto el día que conocí esta banda, es que vendrían a ser como los hermanos de Radiohead, pero estos en su versión mas metalera, espacial, épica y directa.

Por eso, Absolution triunfa en todos los sentidos, es un disco en donde el rock sinfónico y progresivo se casan, las orquestas son invitados especiales, y de vez en cuando, porque no poner un poco de rock pesado?. El LP es plasmante desde la intensa «Apocalypse Please» y la clásica «Time Is Running Out», pasando por la pesada, épica, desesperante y atrapante «Stockholm Syndrome» (de las mejores canciones de la banda)  también por la importantísima «Hysteria» (que convirtió a Christopher Wolstenholme como el mejor bajista del siglo, hasta incluso de la propia historia del rock), la agresiva y melódica «The Small Print» hasta la lenta, misteriosa y sinfónica «Ruled By Secrecy».

Con este disco, Muse abrieron paso la experimentación, al igual como hicieron con su siguiente álbum, Black Holes and Revelations, demostraron toda su rabia agresiva y la combinaron perfectamente con elementos sinfónicos y melódicos. Este disco y Origin of Symmetry, terminaron convirtiendo el trío de Bellamy, Wolstenholme y Howard en uno de los mejores de la nueva generación del rock.

Toto

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(Votos: 3 Promedio: 4)
The Stooges

The Stooges – The Weirdness (2007)

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The Stooges - The Weirdness (2007)

Puntaje del Disco: 6

  1. Trollin’: 7
  2. You Can’t Have Friends: 7,5
  3. ATM: 6
  4. My Idea of Fun: 6,5
  5. The Weirdness: 6,5
  6. Free & Freaky: 6
  7. Greedy Awful People: 6
  8. She Took My Money: 6
  9. The End of Christianity: 5
  10. Mexican Guy: 7,5
  11. Passing Cloud: 6
  12. I’m Fried: 6

¿Por qué Iggy? ¿Por qué se te ocurrió revivir a una banda que influenció tanto a distintas generaciones y había editado tres discos soberbios e inigualables? Cada uno con su particularidad pero en los tres en su conjunto podemos encontrar cosas que escuchamos en cualquier tipo de música moderna de hoy por hoy en una disquería. No les faltaba nada como banda de rock para ofrecernos en su carrera, sin embargo treinta y cuatro años después de la edición de Raw Power, The Stooges volvería con The Weridness (2007).

Junto a Iggy Pop formarían esta versión de The Stooges otros miembros fundadores como Ron Asheton (guitarra) y Scott Asheton (batería) junto a nuevos integrantes como Mike Watt (bajo) y Steve Mackay (saxofón), aunque este último ya había participado de Fun House (1970).

Un par de cosas estaban claras con este regreso. The Stooges no iban a sonar con la energía y la crudeza que en sus comienzos, simplemente porque pasaron los años y no son los mismos que eran de jóvenes y aunque la banda haya sido grandiosa y legendaria, el no haber tocado juntos por décadas nada indica que al juntarse salga todo perfecto como más de treinta años atrás. Dicho y hecho, The Weridness no tiene nada de especial, solamente lo que significa la reunión y algunos temas más logrados que otros pero ninguna composición inspirada, inclusive con letras patéticas y menos elaboradas que las que nos ofrecía el Iggy de veintipico, como por ejemplo este extracto de “Trollin’”: «My dick is turning into a tree», no queda mucho más por agregar.

En general la idea de un nuevo disco para una banda de culto de la talla de The Stooges ya es criticable de por si, pero más aún lo es al ver el resultado final vacio totalmente de inspiración, fuera de eje algo totalmente innecesario. A pesar de que en algunos pasajes suene bien y los solos de Ron te despierten alguna sonrisa se encuentra años luz de lo que fueron Iggy Pop & The Stooges en los años setenta.

F.V.

 

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(Votos: 1 Promedio: 1)
Kevin Johansen

Kevin Johansen – City Zen (2005)

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Puntaje del Disco: 8

  1. City Zen: –
  2. All I Wanna Do Is You: 8
  3. Desde que te Perdí: 8,5
  4. Atahualpa, You Funky!: 7,5
  5. El Palomo: 8
  6. I Don’t Know: 8,5
  7. Oops: 8
  8. No Voy A Ser Yo: 8,5
  9. La Falla de San Andrés: 7
  10. The Gem In I: 7,5
  11. Volutas de Humo: –
  12. Buenos Aires Anti-Social Club : 6,5
  13. El Incomprendido: 7,5
  14. Push Your Luck: 7
  15. Milonga Subtropical: 8
  16. Tom Zen: 7,5
  17. Twist Del Rezo: 7
  18. Tema del Zurdo: –
  19. Everything Is (Falling Into Place): 8

Kevin Johansen grabó su tercer disco City Zen, tres años después del suceso de su antecesor Sur o No Sur, según sus propias palabras lo bautizó de ese modo ya que se trata de: “A guantar la vorágine de la ciudad donde la música siempre está presente, como el Zen que te ayuda a relajarte dentro de la locura diaria.” E ingenioso como siempre amplia la idea contando una experiencia propia: “No hace mucho me encontraba descansando cuando el sonido de una sierra eléctrica combinado con el silbido de algunos pajarillos me obligaron a balbucear la frase “es una guerra entre le ruido y nada… y me dije: eso es City Zen, título que había estando dando vueltas en mi cabeza por unos cuantos años.”

Este nuevo álbum del cantautor oriundo de Alaska se compone por diecinueve temas, que a decir verdad a pesar de ser un número importante se pasan bastante rápido y en lineas generales se encuentran un paso adelante a sus anteriores obras, se lucen bastante los temas en ingles como “All I Wanna Do Is You” y “I Don’t Know” junto a otros simpáticos pasajes como “Desde que te Perdí”, “Atahualpa, You Funky!”, “El Palomo”.

Otro punto a favor de City Zen es la calidad de los invitados que acompañaron a Kevin en distintos temas como Vicentico en “Oops”, Jorge Drexler en “No Voy A Ser Yo”, León Gieco en “Milonga Subtropical” y el “Negro” Rada en “Twist Del Rezo”.

Kevin Johansen nos ofrece un aire fresco en la música actual. Musicalmente se basa en distintos ritmos que logran una identidad reconocible en su sonido y sus letras divertidas y lúdicas forman parte del combo tan particular que nos ofrece.

F.V.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Comedia, Damián Szifrón, Drama

Relatos Salvajes

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Relatos Salvajes

Puntaje de la Película: 

 

  • Año: 2014
  • Género: Drama, Comedia
  • Director: Damián Szifrón
  • Reparto: Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Darío Grandinetti

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Black Crowes

The Black Crowes – Three Snakes and One Charm (1996)

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The Black Crowes - Three Snakes and One Charm (1996)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Under a Mountain: 7,5
  2. Good Friday: 8,5
  3. Nebakanezer: 9
  4. One Mirror Too Many: 7
  5. Blackberry: 7,5
  6. Girl from a Pawnshop: 8
  7. (Only) Halfway to Everywhere: 7,5
  8. Bring On, Bring On: 7
  9. How Much for Your Wings?: 7,5
  10. Let Me Share the Ride: 7,5
  11. Better When You’re Not Alone: 8
  12. Evil Eye: 7,5

Three Snakes and One Charm, cuarto álbum de estudio de The Black Crowes, se editó en 1996 y si bien no formará parte de la galería de los grandes trabajos de su carrera hay que decir que sigue siendo una muy buena colección de canciones roqueras que pocas bandas como los “cuervos” nos pueden ofrecer.

Para mediados de la década del noventa ya se puede afirmar que los Black Crowes cuentan con un sonido absolutamente reconocible y en Three Snakes and One Charm siguen esa linea de blues, rock sureño y toques de psicodelia, en este caso estamos ante un material directo hasta monótono y repetitivos en algunos momentos. De todas formas podemos rescatar algunas piezas realmente efectivas como el sabiamente elegido como single “Good Friday”, las guitarras adictivas en “Nebakanezer” y un par de temas más disfrutables como “Better when you’re Alone” y “Girl from a Pawnshop”.

Es probable que cierta merma en la calidad de sus composiciones se debió a que pasaban por ese entonces por un período de crisis muy fuerte dentro de la banda y las relaciones personales entre sus miembros se encontraban realmente deterioradas. Lo cierto es que significó su primer bajón importante de ventas y fue muy poco valorado en su momento, algo que comenzó a revertirse con los años recibiendo el reconocimiento de sus fanáticos como suele pasar en muchos casos pasados los años.

Por talento y su valía como músicos uno espera más de un disco de los Black Crowes pero si en su momento lo hicieron a un lado por sus críticas negativas háganse un tiempo y escuchen aunque sea los mejores momentos de una de las bandas que supo interpretar como pocas al glorioso rock de los setentas.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Divididos

Divididos en el Luna Park (19/09/2014)

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Hacía mucho que veníamos diciendo quienes forman parte de este espacio que teníamos que ir a ver a Divididos en vivo alguna vez. Aprovechando la serie de recitales que programaron en el Luna Park para celebrar su trayectoria, pudimos asistir a esta que fue su segunda fecha (la primera de agosto se agotó rápidamente y ya hay una tercera fecha disponible para octubre).

Al ser la segunda fecha, teníamos cierta información de lo que nos podríamos encontrar esta noche. Pero decidimos no recabar mucho para no sacarle sorpresa. Aunque nos quedamos con dos datos útiles: 1) que salieron al escenario a las 21:30hs; 2) que tocaron más de 30 temas. Ambas premisas se cumplieron en el show que dieron ayer.

Advertencia: Si tenes pensado ir a su presentación de octubre y no te queres enterar de nada, deja de leer ahora. Acá comienzan los Spoilers.

La Aplanadora del Rock motivada por los cánticos de sus fanáticos arrancó con  “Los Sueños y las Guerras”, pero con el telón todavía tendido tapándolos. Una vez que se quitó, comenzó el delirio en el campo. Y de esa forma, a puro Rock, con un sonido aplastante y consistente empezarían a hacer un primer repaso de sus clásicos como “Salir a Asustar”, “Qué Tal”, “Sábado” y sumando por supuesto sus primeros covers de Sumo (“La rubia tarada” y “Debede”).

Luego llegaría la segunda parte del recital: la parte de los temas acústicos y los más lentos de Divididos. Con canciones como “Ortega y Gases”, “Dame un Limón” y clásicos para entonar como “Spaghetti del Rock” y “Par Mil”, fue una sección decente pero un poco agotante al tocar este tipo de temas todos juntos en lugar de intercalarlos. Más reprochable aún fue el momento en que Diego Arnedo cazó la guitarra acústica para cantar. No sonaba muy bien cómo la tocaba ¿Estaba desafinada o simplemente le estaba pifiando? Pero le perdonamos todo, por las maravillas que hace con el bajo. También hay que mencionar el breve homenaje de Mollo a Cerati mientras interpretaba “Brillo triste de un canchero”, que fue muy bien recibido.

Para cortar llegaría “Moby Dick”, para que Ciavarella demuestre todo su potencial y su fiereza implacable como batero. Y además para abrir lo que podría llamarse la sección de los covers (“Sucio y Desprolijo” y “Quien se tomó todo el vino”) mezclados con un par de temas de su último disco, como “Hombre en U” y “Amapola”.

Sin embargo, el momento bestial llegaría con la seguidilla conformada por “Paisano de Hurlingham”, “El 38”, “Rasputin” y “Paraguay”. Fue un shock de energía que armó revoluciones en el público.

Para cerrar interpretarían “Ala Delta”, incluyendo un fragmento de “Whole Lotta Love” (muy celebrado por nosotros, pero raramente no tan coreado por el público) junto a otro clásico de Sumo “Crua Chan”. Y a modo de Encore, a pedido del público, con un Mollo que ya se había retirado del escenario, tocaría “Next Week”.

El recital nos dejó muy satisfechos. Si le tuviéramos que poner un puntaje sería un 8,5. Remarcable la calidad y la solidez con que toca el trío durante todo el show. Muy bueno para asistir también si queres escuchar un repaso de toda su carrera, incluyendo covers de sus influencias y su pasado. Y al final de cuentas porque es uno de los mejores grupos que existen a nivel nacional.

 Persy

Anécdota 1: En nuestra retirada del recital nos cruzamos con el público que fue a ver a Axel esa misma noche… Dos mundos distintos…

Anécdota 2: Fuimos a cenar al Guerrín donde apareció sorpresivamente el baterista Catriel Ciavarella.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Faith No More

Faith No More – The Real Thing (1989)

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Faith No More – The Real Thing (1989)

Puntaje del Disco: 10

  1. From Out Of Nowhere: 9
  2. Epic: 10
  3. Falling To Pieces: 9
  4. Surprise! You’re Dead!: 8,5
  5. Zombie Eaters: 9,5
  6. The Real Thing: 10
  7. Underwater Love: 8,5
  8. The Morning After: 8
  9. Woodpecker From Mars: 9,5
  10. War Pigs: 10
  11. Edge Of The World: 8

Faith No More es una banda de Metal alternativo formada en San Francisco (California) en 1982, formada por el tecladista Roddy Bottum, el guitarrista Jim Martin, el bajista Billy Gould, Mike Bordin en la batería y Chuck Mosley como vocalista. Pero debido a los problemas con el alcohol del vocalista, este es despedido después de haber sacado solo dos discos We Care A Lot (1985) y Introduce Yourself (1987) los cuales tuvieron muy poco éxito comercial, pero que le permitieron a la banda hacerse de un nombre en el circuito alternativo que en ese momento estaba empezando a florecer en los Estados Unidos. Dado el escenario complejo que se le presentaba a la banda, Jim Martin sugiere a sus compañeros de grupo la inclusión del joven cantante de Mr Bungle llamado Mike Patton. En un principio los miembros del grupo no entendían porque a Jim Martin le gustaba. Igualmente accedieron a probarlo, y Mike Patton  los dejo totalmente sorprendidos, casi sin dudarlo fue integrado al grupo y en menos de dos semanas, Patton tenía todas las melodías y letras de las canciones que ya habían sido creadas por el resto de la banda para lo que sería The Real Thing.

El sonido que caracteriza este disco es la mezcla entre Metal, Funk, Rap, Lounge y Soul. Pese a lo dispar que son estos estilos, este álbum logra que estos cohesionen de gran manera a lo largo de todo el disco. Sustentado principalmente por la gran actuación de Mike Patton, con un estilo agudo algo “bufonesco”, que le permite cantar desde Metal clásico hasta melodías dulces.

El disco comienza con “From  Out Of Nowhere” con un teclado omnipresente en la totalidad de la canción, melodías altas principalmente en el estribillo, un gran inicio, que se ve reforzado con la siguiente canción y primer single de éxito de Faith No More a nivel internacional. Estoy hablando de “Epic” una de las mejores  canciones del disco que refleja lo ecléctico que es este grupo, que desde su inicio invita a dar brincos y  cantar esta canción de pseudo rap para después desencadenar en el estribillo funk pasando por un buen solo, para luego terminar en la melodía final del teclado que da la sensación que algo está terminando, lo cual está muy lejos , esto lo afirma la pegadiza “Falling To Pieces” con el bajo dominando gran parte de la canción, la poderosa “Surprise! You’re Dead!” y “Zombie Eaters” la que en un principio parece una balada, pero que posteriormente desemboca toda su fuerza muy similar a la canción anterior. Mención aparte se merece la canción homónima “The Real Thing” que con un comienzo melódico y tranquilo que dan paso a un riff demoledor acompañados de manera genial por el resto de la banda, especialmente la batería y por las vocales de Patton en una misma dosis tanto melódicas y potentes.

El álbum finaliza con una muy buena canción instrumental llamada “Woodpecker From Mars” donde el teclado de Roddy Bottum se roba el protagonismo, que conecta de gran manera con la siguiente, que es nada menos que el cover del himno de Black Sabbath “War Pigs” donde el grupo muestra estar a la altura de semejante canción, brindándonos una versión muy cerca del nivel de la original, eso ya es mucho. La última canción es la juguetona y bizarra “ Edge Of The World” dominada por el teclado, una canción extraña que se mueve entre los  límites del soul el jazz y el pop.

En definitiva este disco logra que salieran al mundo, con un disco único en su estilo, con melodías lo suficientemente atrayentes para ser más comercial de lo que fue, pero debido a lo extraño que es logro repeler al consumidor común. El disco logro que las megas bandas banda del Momento como Guns N roses y Metallica citaran este disco como uno de sus favoritos y a Faith No More como su banda favorita del naciente movimiento alternativo que empezaba a sacudir la escena de la música. No podría afirmar tajantemente si este es el mejor disco de la banda, pero reúne los méritos  suficientes  para considerarlo así.

Diego

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
The White Stripes

The White Stripes – De Stijl (2000)

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The White Stripes - De Stijl (2000)

Puntaje del Disco: 9

  1. You’re Pretty Good Looking (For a Girl): 9
  2. Hello Operator: 9
  3. Little Bird: 8,5
  4. Apple Blossom: 8
  5. I’m Bound to Pack It Up: 8,5
  6. Death Letter: 9
  7. Sister, Do You Know My Name?: 8,5
  8. Truth Doesn’t Make a Noise: 9,5
  9. A Boy’s Best Friend: 8,5
  10. Let’s Build a Home: 8,5
  11. Jumble, Jumble: 8
  12. Why Can’t You Be Nicer to Me?: 9,5
  13. Your Southern Can Is Mine: 8

De Stijl, el estilo en holandés, seria el titulo que elogiaran los por entonces casi desconocidos White Stripes para su segunda placa, si bien habían logrado captar algo de atención un año atrás con su disco inicial con De Stijl comenzarían a formar parte de las primeras planas de la escena garage rock alternativa del nuevo siglo.

Jack y Meg White nos ofrecen algunas de sus canciones más brillantes de su carrera (aunque no sus más populares y que el público masivo conoce) como “You’re Pretty Good Looking (For a Girl)”, “Hello Operator”, “Death Letter”, “Truth Doesn’t Make a Noise” y “Why Can’t You Be Nicer to Me?”, con una variedad de estilos innedita hasta ese entonces en su repertorio que van desde el punk al blues demostrando el crecimiento de la banda de Detroit.

Curiosamente las ventas de De Stijl comenzaron a subir en forma considerables dos años después cuando The White Stripes había elevado su popularidad gracias a su siguiente trabajo White Blood Cells (2001) y como ocurrió en mi caso y en muchos otros comenzamos a interesarnos con su obra anterior luego de conocerlos.

De Stijl estuvo dedicado al mito del blues Blind Willie McTell del que además harían un cover que cierra el álbum, “Your Southern Can Is Mine”, y a su vez al diseñador de muebles y arquitecto holandés Gerrit Rietveld, admirado por Jack White y del que conocieron en un tour por Holanda donde pudieron conocer y hacerse fanáticos de su obra.

F.V.

 

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)