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Aerosmith

Aerosmith – Night in the Ruts (1979)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. No Surprize: 8
  2. Chiquita: 7
  3. Remember (Walking In The Sand): 4,5
  4. Cheese Cake: 7
  5. Three Mile Smile: 6,5
  6. Reefer Head Woman: 5
  7. Bone To Bone (Coney Island White Fish Boy): 6,5
  8. Think About It: 5
  9. Mia: 4,5

Lamentablemente Draw the Line inicio una etapa negra en la carrera de Aerosmith y de hecho Night in the Ruts, que fue su paso siguiente, tampoco tremolo. Posiblemente, mucho tuvo que ver que la banda inició una gira en medio de sus grabaciones y su líder compositivo Joe Perry dejó Aerosmith por fuertes discusiones internas. Por este problema las grabaciones de guitarra no fueron íntegramente hechas por Perry. Jimmy Crespo colaboraría para completarlas y se transformaría en su reemplazo oficial.

Como resultado estamos frente a un disco en el que su mayor déficit es lo poco memorable y lo intrascendente que resultan sus canciones. Su hard rock sigue siendo tan genérico y poco impresionante como el de Draw the Line. Pero si a eso le sumamos sus nuevas absurdas ideas, el nivel del disco termina siendo incluso más bajo.

Night in the Ruts es un disco que ensambla discretos cortes de hardrock, con covers que poco entusiasman y power ballads como las que arruinarían su carrera en el futuro. Desde esta perspectiva lo mejor del álbum son esas simples canciones de hardrock como “No Surprize”, “Chiquita” y “Cheese Cake” que resultan entretenidas. Mucho las ayuda una secuencia del disco bastante ordenada, que permite esconder los puntos flojos. De hecho es menos agobiante que en Draw the Line. Hasta podemos pensar que Aerosmith se da el gusto de rockear de forma más consistente, como si hubiera recuperado algo del fuego sagrado de sus años previos. No, una ilusión óptica.

Con escuchar sus pobres covers nos damos cuenta que Night in the Ruts igualmente esta por de bajo de las expectativas. Su cover del tema de los Yardbirds “Think About It” es una performance que simplemente no agrada y “Reefer Head Woman” es un cover blusero de relleno en el que intentan parecerse a Led Zeppelin sin gran éxito.

Pero lo peor son las baladas de Night in the Ruts. “Remember” canción de las Shangry-Las (sí, otro cover) fue versionada como si fuese una power ballad. Una movida extrañísima que deformó a un clásico (que no tenía gran jerarquía y tampoco era de mi agrado) de los sesenta. “Mia” es todavía más alarmante, es una de esas power ballads que le encantarían a Jon Bon Jovi. Evidentemente la ausencia de Perry le dio libertad a Tyler para que produzca estas porquerías que le encantan para agitar su boca gigante. Por suerte años más tarde Perry se volvería a reincorporar, pero esto no significó que en el futuro no hayan producido nuevas power ballads. Que mal…

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Belle & Sebastian

Belle & Sebastian – The Boy with the Arab Strap (1998)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. It Could Have Been a Brilliant Career: 8
  2. Sleep the Clock Around: 8
  3. Is It Wicked Not to Care: 7,5
  4. Ease Your Feet in the Sea: 7,5
  5. A Summer Wasting: 8
  6. Seymour Stein: 8,5
  7. A Space Boy Dream: 7
  8. Dirty Dream Number Two: 8
  9. The Boy with the Arab Strap: 8,5
  10. Chickfactor: 7
  11. Simple Things: 7,5
  12. The Rollercoaster Ride: 7

La tercera producción del grupo liderado por Stuart Murdoch, Belle & Sebastian, The Boy With the Arab Strap (1998) se enmarca en el periodo mas rico en la carrera de la agrupación unánimemente por sus fanáticos, señalado como complemento ideal a su antecesor If Youre Feeling Siniester. La crítica en general también acompañó esta afirmación consiguiendo el disco como premio mas importante un premio en los Brits Awards de 1999 como revelación.

Personalmente mas haya del buen gusto compositivo de Murdoch The Boy With The Arab Strap, no es un mal disco, pero es victima de la grandeza de sus antecesores, no estando a la misma altura.

En esta oportunidad Murdoch les deja espacio al lucimiento a sus compañeros de banda como Steve Jackson e Isobel Campbell, pero continúan siendo sus intervenciones las mas atractivas con el fascinante folk pop que nos tiene acostumbrado llaman la atención sobre el resto “It Could Have Been a Brilliant Career”, “Sleep the Clock Around”, “Seymour Stein” y “The Boy with the Arab Strap”. Aunque con el correr de las canciones resulte un poco tedioso la falta de cambio de ritmo en el álbum.

Lo bueno de la música de Belle & Sebastian es el sentimiento y lo reconfortantes que suenan sus canciones con toques pop calidos y suaves, siempre manteniendo esa premisa las canciones pueden resultar o no, en este caso se encuentra a mitad de camino sin llegar a alcanzar la calidad de otras ocasiones.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Audioslave

Audioslave – Audioslave (2002)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Cochise: 7,5
  2. Show Me How to Live: 7
  3. Gasoline: 6
  4. What You Are: 6
  5. Like a Stone: 8
  6. Set It Off: 7,5
  7. Shadow on the Sun: 8
  8. I Am the Highway: 6
  9. Exploder: 6,5
  10. Hypnotize: 6
  11. Bring Em Back Alive: 6
  12. Light My Way: 7
  13. Getaway Car: 6
  14. The Last Remaining Light: 5,5

Con la partida de Zack de la Rocha como cantante de Rage Against The Machine,  los restantes miembros de la banda decidieron continuar sus carreras a través de la formación de un nuevo grupo.  Tom Morello en guitarra, Tim Commerford en bajo y Brad Wilk en batería, encontraron en Chris Cornell al vocalista ideal para darle vida, en 2001, a Audioslave. Considerada en un principio como una fusión entre Soundgarden, la banda de la que provenía Cornell, y Rage Against The Machine, el grupo californiano logró consolidarse y adoptar una identidad propia con el correr del tiempo.

En 2002 y tras varias idas y venidas por problemas con el nombre de la banda y otros tantos entre Cornell y el manager, Audioslave editó un disco homónimo. La tapa del mismo estuvo a cargo de Storm Thogerson, un importante artista inglés que también diseñó varios álbumes de Pink Floyd y otras renombradas bandas. Con su participación, Thogerson le dio un aspecto al grupo de superbanda de los setenta, que combinado con la música de fines de los noventa, daban una interesante temática.

El corte presentación fue “Cochise” que arranca con una fuerte riff de Tom Morello que simula un sonido de un helicóptero. El alto vuelo con el que se inicia el disco continúa con “Show Me How to Live”, de buenos arreglos instrumentales y que culmina con el cantante cambiando la voz para generar un efecto poco usual. El punto fuerte del disco viene dado por “Like a Stone”, una canción melancólica que según Chris Cornell, habla sobre la vida después de la muerte. También, con un tono menos acelerado, “Shadow on the Sun” es una gran interpretación. Con una forma parecida a “Like a Stone”, “I Am the Highway” no termina de convencer.

Se podría decir que lo mejor del disco llega hasta este momento, ya que el resto se mantiene en una misma estructura, con sonidos bastante similares. A pesar de no haber sido un extraordinario material, Audioslave se las ingenió para llegar a una gran cantidad de fanáticos.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Tim Buckley

Tim Buckley – Tim Buckley (1966)

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tim-buckley-tim-buckley

Puntaje del Disco: 8

  1. I Can’t See You: 9
  2. Wings: 9
  3. Song of the Magician: 8
  4. Strange Street Affair Under Blue: 8
  5. Valentine Melody: 7
  6. Aren’t You The Girl: 8
  7. Song Slowly Song: 8
  8. It Happens Every Time: 8
  9. Song For Jainie: 8
  10. Grief In My Soul: 7,5
  11. She Is: 7,5
  12. Understand Your Man: 8

El padre de Jeff Buckley. Tim Buckley fue un tipo que supo ganar su prestigio en la década de los sesenta y setenta. Al igual que su hijo (como si el destino los uniera en cierto punto) tuvo una carrera corta, terminada lamentablemente por su muerte.

Su disco debut, que llevó su propio nombre, se caracterizó por ser un trabajo íntegramente acústico con gran preponderancia de su guitarrista Lee Underwood, que hace mucho hincapié en el folk, con ciertos rasgos psicodélicos y, que al igual que su hijo Jeff, nos muestra los mayores dotes de Tim en su privilegiada voz.

Las canciones del álbum son relativamente cortas y presentan un nivel bastante parejo. Pero en lo personal me quedó con dos temas que casualmente son los primeros: “I Can’t See You” es a mi gusto el clásico del disco, es un número folk dinámico bien interpretado por Tim en vocales; y “Wings” es una canción hermosa, más tranquila e incluso con buenos arreglos orquestales de parte de su tecladista Van Dyke Parks.

Lo que sobra de Tim Buckley como disco también es bastante entretenido. Por un lado, nos encontramos con  “Song of the Magician”, destacada por su aire barroco. Luego está “Strange Street Affair Under Blue” que parece una rareza de los años previos de The Doors. Y si de la banda de Morrison nos referimos, “Song Slowly Song” es un tema muy oscuro, con una atmósfera que parece sacada de Strange Days. También me gusta la melodía alegre de “Aren’t You The Girl” y la adorable canción pop “Song For Jainie”.

De esta forma, Tim Buckley empezaría a escribir su propia historia ofreciendo uno de sus trabajos más accesibles que lo destacaría en los sesenta.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Chemical Brothers

The Chemical Brothers – Exit Planet Dust (1995)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Leave Home: 9
  2. In Dust We Trust: 8
  3. Song to the Siren: 9
  4. Three Little Birdies Down Beats: 7
  5. Fuck Up Beats: 8
  6. Chemical Beats: 8,5
  7. Chico’s Groove: 8,5
  8. One Too Many Mornings: 9
  9. Life Is Sweet: 8,5
  10. Playground for a Wedgeless Firm: 8,5
  11. Alive Alone: 7,5

En 1989 dos estudiantes de Historia Medieval se conocieron en la Universidad de Manchester, y notaron que compartían los mismos gustos musicales, comenzarían a mezclar discos en reuniones de amigos, y nunca imaginarían lo que el futuro les deparaba. The Chemical Brothers, este dúo de DJs formado por Tom Rowlands y Ed Simons, pasó de sus reducidas fiestas a las grandes pistas londinenses y más tarde en todo el mundo. A fuerza de performances sobresalientes, se convirtieron en objeto de culto para la exigente escena inglesa que aún gozaba de las bondades del britpop en pleno auge en los noventa.

El sonido grandilocuente de los Chemical Brothers esta repleto de samplers de guitarras, sirenas y voces de cualquier tipo, moviéndose a la perfección en la electrónica, el house y por momentos el trip hop, logrando fusionar por momentos estos sonidos con el rock y el pop, lo que los llevaría a crear un sonido mas accesible y atrayente para el gran publico.

Su debut Exit Planet Dust (1995) fue uno de los pocos álbumes europeos post-tecno que pudo hacer cualquier tipo de avance en el mercado en los Estados Unidos. Muy avanzado para su tiempo, este material que ya cuenta con quince años suena bastante fresco y moderno actualmente, es considerado como uno de los mejores álbumes electrónicos de todos los tiempos.

Una buena forma de entrelazar la música electrónica con el rock fue la posibilidad a lo largo de su carrera de contar con artistas invitados en varias de sus canciones en esta oportunidad Tim Burgess cantante de The Carlatans y Beth Orthon prestan sus voces para «Life Is Sweet» y «Alive Alone» respectivamente.

El disco abre con la ya legendaria “Leave Home” (incluye un sampler del comienzo de «Ohm Sweet Ohm» de Kraftwerk), de allí en adelante canciones vibrantes algunas mas llevaderas e interesantes como “Song to the Siren”, “Chemical Beats”, “One Too Many Mornings” y “Chico’s Groove” nos dan un pantallazo del sonido de Exit Planet Dust.

Si bien su música podrá resultar monótona para los que no se familiarizan aun con los sonidos electrónicos y psicodélicos, su popularidad fue clave para el surgimiento de bandas electrónicas a finales de los noventa y en la década siguiente. Si bien no fueron los creadores (décadas atrás Kraftwerk, New Order, Depeche Mode, entre otros, ya habían incursionado en la electrónica con mucho éxito) fueron los encargados de que este genero alcance una masividad nunca antes conocida, siendo sin dudas uno de los géneros en boga en los últimos años.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Byrds

The Byrds – Turn! Turn! Turn! (1965)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Turn Turn Turn: 9,5
  2. It Won’t Be Wrong: 9
  3. Set You Free This Time: 8
  4. Lay Down Your Weary Tune: 7,5
  5. He Was A Friend Of Mine: 7
  6. The World Turns All Around Her: 8,5
  7. Satisfied Mind: 7
  8. If You’re Gone: 7
  9. The Times They Are A-Changin’: 7
  10. Wait And See: 7,5
  11. Oh Susannah: 8

Turn! Turn! Turn! Es el álbum que termina de definir la etapa de folk rock más pronunciado de los Byrds. Como en Mr. Tambourine Man, la banda decidió titular al disco con la misma denominación que su clásico más aclamado. En este caso “Turn Turn Turn” es una adaptación de la canción de Pete Seeger compuesta a fines de los años cincuenta, el cual esta basado en el Libro del Predicador (conocido como Eclesiastés) del Antiguo Testamento. Debo decir que la versión de los Byrds es la definitiva, con su melodía que marca fantásticos cambios de ritmo y los destellos distintivos de Roger McGuinn en guitarra.

Y si de McGuinn hablamos, también nos ofrece el excelente clásico de pop psicodélico “It Won’t Be Wrong”. Pero la mayoría de los aportes llegan de la mano compositiva de Gene Clark, pero esta vez en un nivel más discreto. Entre sus temas solo se puede destacar la notable canción pop “The World Turns All Around Her”. Por otro lado, este trabajo sería la última contribución Clark con The Byrds.

En lo que queda del álbum, en donde principalmente se deslumbran canciones acústicas caracterizadas por sus armonías vocales, tampoco faltaron los covers homenaje de Dylan: “Lay Down Your Weary Tune” y “The Times They Are A-Changin’”. Sin embargo, no son versiones tan brillantes como las que sí habían logrado en Mr. Tambourine Man. De hecho, prefiero su cover de la canción tradicional de Foster “Oh Susannah”, en la que se nota nuevamente que los Byrds impusieron su propio estilo para hacerla divertida.

De esta forma, Turn! Turn! Turn! sería una continuación de su primer disco, menos inspirada e incluso más aburrida que discos posteriores de los Byrds, pero que aún así con sus momentos de brillo que no tienen desperdicio.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Mundial de Bandas

Mundial de Bandas 2010: Final

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Al fin tenemos dos finalistas. Después de unas semifinales muy emotivas, ya están las dos bandas que disputaran en un mano a mano apasionante por ganar el Mundial de Bandas del Persi Music.

Los finalistas tuvieron recorridos distintos. En el caso de The Beatles, toda su historia le basto para ganar con comodidad su grupo, dejando luego en el camino a un buen rival como Radiohead y apabullando a su clásico rival The Rolling Stones en cuartos final. Con la moral en alza los 4 fantásticos de Liverpool ahora tuvieron que verse las caras con la leyenda de Jimi Hendrix. Y fue un duelo difícil y de estilos distintos. Por un lado, The Beatles sacó a relucir su creatividad colectiva, mientras que Hendrix tuvo que revalidar su heroica imagen individual tratando de lograr su mayor inspiración guitarrera.

De esta forma, el dúo Lennon – McCartney comenzó a ponerle pimienta al encuentro con temas como “A Day in the Life” y “Yesterday”. La colaboración ofensiva de Harrison también fue importante con perlas como “Something”. Y el cuestionado Ringo supo acoplarse con el genio colectivo de sus compañeros.

Ante semejante planteo, Jimi tuvo que sacar todo el rock de sus venas afinando su guitarra, la cuál término escupiendo fuego por medio de clásicos como “Purple Haze” y “Voodoo Child”. Pero no le fue suficiente. Su soberbio “Little Wing” se quedó corto. Cuando Hendrix ofrecía su mejor psicodelia con “Bold As Love”, enfrente tenía un rival que lo contrarrestaba con un monstruo súper fumado como “I Am the Walrus”. Y cuando deslumbraba su hardrock más espectacular con “Manic Depression”, también encontraba la sorpresiva y agresiva respuesta de McCartney con su “Helter Skelter”. Es así como los Beatles ganaron esta fantástica contienda. Atroche y Moche y a otra cosa.

En la otra llave el desafío fue aún más difícil y parejo. Led Zeppelin y The Who protagonizaron el enfrentamiento más conmovedor del mundial. Mucho tiene que ver en que ambos grupos son en realidad “Super bandas” por sus formaciones. Por un lado el dibujo táctico de: Bonham, Jones, Page y Plant; y por el otro la formación clásica de: Moon, Entwistle, Townshend y Daltrey.

El duelo fue espectacular, fue un golpe a golpe en el cual no se sacaban ventajas, a pesar de que Zeppelin era favorito tras haber pulverizado a sus antiguos rivales, mientras que The Who tuvo un mundial mucho más trabajado y costoso, ganando por la mínima diferencia en sus desafíos previos.

Y así se desarrolló el encuentro con Led Zeppelin atacando con “Rock and Roll” y “Black Dog”, y The Who respondiendo con “Substitute” y “I Can’t Explain”. Page intentó desatar sus mejores solos de guitarra en “Heartbreaker” y “Whole Lotta Love”, pero adelanto tenía un Townshend muy inteligente que se defendía con su aplastante combinación de sintetizadores en “Baba O’Riley” y “Won’t Get Fooled Again”. Plant era conciente de que en lo que iba del mundial nunca habían tenido un rival tan duro, por eso desató sus alaridos de batalla con “Inmigrant Song” y “Achilles Last Stand”. De aquí en más Zeppelin decidió sacar su inmaculada arma épica para definir el partido: “Stairway to Heaven”.

The Who quedó maravilladamente aturdido y la tenía difícil, pero con esta banda no se jode. A lo largo del mundial ya había demostrado tener mucho oficio frente las adversidades. Y como en los tiempos de Live at Leeds no se achicó ante el surgimiento de este tipo de grupos de hardrock. Un Keith Moon muy inspirado le dio el empuje que necesitaba a la banda para salir adelante. John Entwistle dibujo con sus líneas de bajo y Pete con su aporte compositivo le dio los pases gol a Roger Daltrey para que defina con sus rugidos leoninos. Fue entonces cuando empezaron a sonar los primeros acordes de su opera rock Tommy que culminó con “We’re not Gonna Take”, que encandiló al rival con sus “See Me Feel Me”. The Who intentó aprovechar su oportunidad para rematarlo con “My Generation”, pero no hubo tiempo para más. La solidez de Bonham permitió que Zeppelin aguante la embestida y terminó ganando por la mínima. Así festejó su victoria más complicada, que le ayudó a coronar un paso más en su escalera al cielo. Por su parte, The Who se fue muy aplaudido por sus hinchas por el enorme esfuerzo que demostró la vigencia de su generación.

La gran final ya tiene a sus protagonistas: The Beatles vs Led Zeppelin. ¿Podrán los Beatles mantener su invulnerable nivel? ¿Tendrá que sufrir nuevamente Zeppelin para llevarse el triunfo? De tu voto depende ahora quién será nada menos que el campeón de este mundial.

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Guess Who

The Guess Who – American Woman (1970)

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Puntaje del Disco: 9

  1. American Woman: 9,5
  2. No Time: 9
  3. Talisman: 9
  4. No Sugar Tonight/New Mother Nature: 8
  5. 969 (The Oldest Man): 8,5
  6. When Friends Fall Out: 8,5
  7. 8:15: 8
  8. Proper Stranger: 8,5
  9. Humpty’s Blues/American Woman (Epilogue): 9
  10. Got to Find Another Way: 7

El LP mas exitoso en la carrera de The Guess Who, American Woman salio a las ventas a principios de 1970, alcanzando el numero nueve en Estados Unidos y manteniéndose por mas de un año en lo mas alto en ventas.

Como siempre destacándose la maravillosa guitarra de Randy Bachman y Burton Cummings cantando como nunca, The Guess Who tambien logro sorprender a sus fanáticos con números acústicos y blues mucho mas redondos que en su anterior trabajo.

Mas haya de la archiconocida y versionada hace pocos años por Lenny Kravitz “American Woman” también nos maravillan una versión mas eléctrica de “No Time”, “Talisman” buceando un poco en el rock progresivo y el fantástico blues “Humpty’s Blues”.

American Woman fue el ultimo testimonio de la formación original del grupo, Randy Bachman abandonaría la banda después de la gira promocional del disco para luego dos años mas tarde formar el recordado Bachman-Turner Overdrive, The Guess Who continuaría editando discos con Cummings a la cabeza pero sin dudas American Woman representa mas un final que un triunfo.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Frank Zappa

Frank Zappa & The Mothers of Invention – Absolutely Free (1967)

3 comentarios

Puntaje del Disco: 8

  1. Plastic People: 8,5
  2. The Duke Of Prunes: 8
  3. Amnesia Vivace: 7
  4. The Duke Regains His Chops: 8
  5. Call Any Vegetable: 8,5
  6. Invocation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin: 8,5
  7. Soft-Sell Conclusion: 8
  8. Big Leg Emma: 8
  9. Why Don’tcha Do Me Right?: 8
  10. America Drinks: 7,5
  11. Status Back Baby: 7,5
  12. Uncle Bernie’s Farm: 8
  13. Son Of Suzy Creamcheese: 7,5
  14. Brown Shoes Don’t Make It: 9
  15. America Drinks & Goes Home: 7

La extravagancia de Frank Zappa y The Mothers of Invention había empezado muy bien con su excelente álbum debut Freak Out! Pero la originalidad de Zappa recién comenzaba y Absolutely Free sería el segundo paso en su extensa carrera.

Absolutely Free es un trabajo que sigue una tendencia similar a su primer disco. Canciones disparatadas con toques psicodélicos, melodías espontáneas con sonidos ridículamente experimentales, descabelladas interpretaciones vocales y letras paródicas con mensajes de crítica política y social. En otras palabras, un disco donde lo irracional tiene sentido. Solo para locos.

El álbum parece dividido entre los diferentes temas que relata Zappa, generando una ensalada de “conceptos” absurdos. Este completo lío empieza con “Plastic People” anunciando al Presidente de Estados Unidos. Luego tenemos a los cortes “The Duke Of Prunes”, “Amnesia Vivace” y “The Duke Regains His Chops” que conforman una suerte de suite con una clara connotación sexual.

De repente Zappa se convierte en el Dr. Cormillot y nos trae su relato sobre sus amigos verdes: los vegetales; conformado en este caso por el cómico “Call Any Vegetable”, acompañado del muy buen rito instrumental “Invocation & Ritual Dance Of The Young Pumpkin” y su desenlace final “Soft-Sell Conclusion”, en el que reflexiona sobre la relación con un vegetal (what a pumpkin!).

A continuación nos encontramos con “Big Leg Emma” y “Why Don’tcha Do Me Right?”, temas que fueron incorporados a esta reedición del disco. Ambos fueron descriptos por Zappa como “un intento de hacer música tonta para adolescentes tontos”. De hecho “Status Back Baby” es una viñeta pop que se refiere al estatus en el secundario.

Su locura no termina acá. “America Drinks” y “America Drinks & Goes Home” son canciones en las que Zappa logra transmitir con éxito sus noches de borrachera.

Pero falta mencionar el mejor tema de Absolutely Free: “Brown Shoes Don’t Make It”. Esta singular canción engloba toda la demencia del disco en una especie de mini opera conceptual de critica social, conformada por una gran variación de estilos. Según Frank es “un musical de dos horas condensado”.

Tal vez no sea tan extraordinario como otros aclamados trabajos de Frank Zappa, pero si sos fan de este genio es un disco que no podes dejar de escuchar.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Tom Petty & The Heartbreakers

Tom Petty & The Heartbreakers – You’re Gonna Get It (1978)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. When the Time Comes: 7,5
  2. You’re Gonna Get It: 7
  3. Hurt: 8
  4. Magnolia: 6,5
  5. Too Much Ain’t Enough: 8
  6. I Need to Know: 8
  7. Listen to Her Heart: 7,5
  8. No Second Thoughts: 6
  9. Restless: 6,5
  10. Baby’s a Rock ‘n’ Roller: 6

Hacia finales de la década de los setenta Tom Petty irrumpió en la música con su grupo The Heartbreakers con un respetable disco debut homónimo. Los éxitos “Breakdown” y “American Girl” eran un llamado de atención para otras figuras contemporáneas, que veían en Petty a un interesante compositor.

En 1978 la banda estadounidense editó “You’re Gonna Get It”, su segundo disco de estudio. Como a muchas otras agrupaciones que encuentran la fórmula del éxito en el primer disco, el siguiente suele tener algunas similitudes que mantienen dosis de la pócima mágica. Mucho de sonido sureño y combinaciones de rock clásico, como en “When Times Comes”, son parte de los recursos de Petty y compañía. La guitarra en “Hurt”, uno de las mejores interpretaciones del disco, tiene clara influencia en temas Beatles. El ritmo de “Too Much Ain’t Enough” bien podría adaptarse a un western, con el constante bateo y los rápidos riffs.

La segunda mitad del álbum inicia con la muy buena canción “I Need To Know” en la que la voz de Petty se encuentra con los coros de la letra del tema. Otro de los destacados es “Listen to Her Heart”, de aparente inspiración en un episodio no muy grato que le tocó vivir a la esposa de Tom. El final del disco es más de relleno que de gran creatividad. “Baby’s Rock ‘N ‘ Roller” parece ser más una anticipación del rock glam de los años ochenta. De cualquier manera, Tom Petty sostuvo un buen disco que, aunque no fue tan importante que el primero, le dio al grupo su primer disco de oro.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)