Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Mountain

Mountain – Nantucket Sleighride (1971)

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Mountain - Nantucket Sleighride (1971)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Don’t Look Around: 8,5
  2. Taunta (Sammy’s Tune): –
  3. Nantucket Sleighride (To Owen Coffin): 7,5
  4. You Can’t Get Away: 7
  5. Tired Angels (To J.M.H.): 8,5
  6. The Animal Trainer And The Toad: 7,5
  7. My Lady: 8
  8. Travellin’ In The Dark (To E.M.P.): 7
  9. The Great Train Robbery: 7,5

Después de su comentada participación en Woodstock y su gran disco inicial, Mountain tenía la dificil misión de ratificar estos logros en una segunda incursión discográfica que llegaría al poco tiempo en 1971 con Nantucket Sleighride.

En esta su segunda obra podemos encontrar más de lo mismo. Hard rock sólido del bueno, con solos de guitarra destacados y una banda que suena muy bien. Pero a diferencia de lo que podemos encontrar en Climbing!, no hay composiciones tan logradas y memorables como “Mississippi Queen” o “Theme for an Imaginary Western”. Aquí los temas que sobresalen son “Don’t Look Around”, “Tired Angels” y “My Lady” pero sin alcanzar aquellos estándares de calidad.

Nantucket Sleighride es un disco interesante para seguir conociendo a esta banda de Long Island, uno de los primeros exponentes del hard rock y además uno de los que más influyeron en el desarrollo del temprano heavy metal a principios de los setenta y en los grupos que pocos años después provocarían su explosión.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
St. Vincent

St. Vincent – St. Vincent (2014)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Rattlesnake: 8,5
  2. Birth in Reverse: 8,5
  3. Prince Johnny: 9
  4. Huey Newton: 8
  5. Digital Witness: 9
  6. I Prefer Your Love: 7,5
  7. Regret: 8
  8. Bring Me Your Loves: 7
  9. Psychopath: 8,5
  10. Every Teardrop Disappears: 7,5
  11. Severed Crossed Fingers: 8

Desde su debut en 2007, Annie Clark estuvo haciéndose un lugar en el mundo de la música indie, bajo el nombre artístico St. Vincent (Tomado de la canción “There She Goes, My Beautiful World” de Nick Cave), llevando una carrera ascendente caracterizada por la incorporación de múltiples instrumentos y su enloquecida persona.

Tras el lanzamiento de un par de discos muy buenos como Strange Mercy (2011) y su colaboración con David Byrne, Love This Giant (2012), la extravagante norteamericana lanzaría su cuarto disco en el 2014 tomando como titulo su nombre artístico (Algo raro ya que generalmente los discos homónimos son los de debut).

Es este nuevo trabajo el que se podría considerar el más experimental y distorsionado entre todos, armando extravagantes arreglos para complementar su enérgica voz crea un pop interesante que capta la atención a lo largo del disco. Y es que abre de muy buena manera con “Rattlesnake” una canción freak de buenos trucos electrónicos que cuenta un bizarro incidente que Annie tuvo con una serpiente del desierto; “Birth in Reverse” es frenética, con excelsa interpretación vocal y un riff de guitarra inusual que le realza es uno de los puntos altos del disco , pero sí de hits se trata no se hable más allá de “Digital Witness” tema muy pegadizo con uno uso extensivo de los instrumentos de viento y el mejor gancho de entre todas, es una crítica a la cultura digital; las selfies y las redes sociales.

Si bien los sintetizadores y guitarras distorsionados y las vocales alocadas de Clark dominan el disco (“Regret”, “Bring Me Your Loves”), hay espacio para baladas sentidas como “Prince Johnny” la balada por excelencia del disco con una interpretación desde el corazón que le convierte en otro punto alto; la muy personal “I Prefer Your Love” y la honesta canción de cerradura “Severed Crossed Fingers”.

St. Vincent tiene una personalidad extraña muy dada a crear cosas interesantes, por lo que me atrevo a decir que este disco es su disco más arriesgado y variado, nunca dando espacio a la monotonía. Precisamente este riesgo y la gracia experimental pagan dividendos llevando a que este sea su disco más destacado, hecho que queda confirmado con la critica que terminó dándole reconocimiento universal.

Gera Ramos

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The War on Drugs

The War on Drugs – Lost in the Dream (2014)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Under the Pressure: 9,5
  2. Red Eyes: 8
  3. Suffering: 8,5
  4. An Ocean in Between the Waves: 9
  5. Disappearing: 8
  6. Eyes to the Wind: 9
  7. The Haunting Idle: 7
  8. Burning: 8,5
  9. Lost in the Dream: 8,5
  10. In Reverse: 9

Adam Granduciel, el alma mater y frontman de The War on Drugs, demostró este año con el destacadísimo Lost in the Dream su increíble capacidad para inspirarse y componer canciones que nos transportan al rock clásico de Bob Dylan, Bruce Springsteen, Tom Petty, entre otros, de forma aggiornada, con originalidad y talento.

La historia de The War on Drugs se remonta al año 2003 cuando Adam Granduciel y Kurt Vile se conocieron en una fiesta en su Filadelfia natal y luego de unos tragos se dieron cuenta de su fascinación mutua por Dylan. Juntos y con ya una banda establecida de apoyo editaron Wagonwheel Blues (2008) sin demasiada repercusión. Al poco tiempo Kurt abandonaría la banda para enfocarse en su carrera solista y allí fue cuando Adam se hizo cargo del control total del grupo que comenzó a llamar la atención con su continuación, Slave Ambient (2011), un material experimental de gran valor.

Los trabajos para Lost in the Dream comenzaron en la gira de 2012 cuando Granduciel empezó a escribir y pensar en nuevos sonidos para luego plasmarlos en cinco estudios de grabación en distintos estados de los Estados Unidos, durante un año y medio de intenso trabajo.

El arduo labor valió sus frutos y tuvo como consecuencia uno de los discos más aclamados de este 2014 y por lejos el mejor en la corta existencia de The War on Drugs. Rindiéndole homenaje a sus héroes musicales que tanto influenciaron en su vida enmarcado en un sonido plagado de sintetizadores, teclados, cornetas y guitarras ambientales. Entre los puntos altos resultan imprescindibles algunas pistas como “Under the Pressure”, “An Ocean in Between the Waves”, “Eyes to the Wind” y “In Reverse”. Mientras en las anteriores placas se incluían gran cantidad de instrumentales en esta oportunidad, sabiamente, y teniendo en cuenta la calidad de las composiciones que tenían entre sus manos incluyeron uno solo, “The Haunting Idle”, que en definitiva es el track más flojo de todos.

Lost in the Dream es una colección impecable, vibrante, emocionante de canciones que confirma que sin dudas estamos ante el momento mas elevado en la carrera de Adam Granduciel. Situándolo como uno de los compositores jóvenes a tener en cuenta en los próximos años.

F.V.

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Run The Jewels

Run The Jewels – Run The Jewels 2 (2014)

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Run The Jewels - Run the Jewels 2 (2014)

Puntaje del Disco: 9

  1. Jeopardy: 8,5
  2. Oh My Darling Don’t Cry: 9
  3. Blockbuster Night Pt, 1: 9,5
  4. Close Your Eyes (And Count To Fuck): 9
  5. All My Life: 9
  6. Lie, Cheat, Steal: 9
  7. Early: 8,5
  8. All Due Respect: 7,5
  9. Love Again (Akyniele Back): 8
  10. Crown: 8,5
  11. Angel Duster: 9,5

El año pasado se formó un grupazo de Rap con muchísimo futuro llamado Run The Jewels, y lanzaron su homónimo álbum debut que se convertiría en una de las revelaciones más importantes del 2013, por sus líricas espectaculares, fiesteras y divertidas, y sus beats tan sólidos como de calidad. Ahora con su nuevo disco directamente ya saltaron a la fama y dejaron de ser un dúo de Rap Underground para pasar por alto los charts. Run The Jewels 2 repite la misma fórmula que el anterior pero de manera mejorada. Las letras siguen siendo fuertes, espectaculares y de calidad, y los beats son mucho mas cañeros, añadiendo R&B, Soul y más a las canciones.

Run The Jewels esta formada por 2 raperazos llamados El-P y Killer Mike, que si bien, ya habían lanzado obras maestras en sus discografías en solitario, decidieron unirse y hacer este grupazo que los llevaría a la fama mundial. Con Run The Jewels 2 demostraron que son la mejor revelación rap hecha en la época. Pero en este LP lo que mas sorprendió fue la colaboración espectacular de Zack de La Rocha (líder de la legendaria Rage Against The Machine) en “Close Your Eyes (And Count To Fuck)”. También hay que mencionar otros temazos que se encuentran en el disco como “Oh My Darling Don’t Cry”, “Blockbuster Night PT.1” (hasta ahora la mejor canción del dúo), “All My Life”, “Lie Cheat Steal” y “Angel Duster”.

En conclusión, Run The Jewels 2 es sin dudas el mejor disco de Hip Hop del año. Es aplaudido por la crítica. Y lo mejor es que, al igual que su antecesor, El-P y Killer Mike son tan grandes que no les importó un carajo nada y lanzaron el álbum gratis en facebook en formato MP3 con el Artwork y los tours que realizaran antes del lanzamiento oficial. Y OJO, además ya anunciaron Run The Jewels 3 para el año que viene (se ve que no dejan de tener ideas estos grandes). Y encima se está trabajando ahora mismo el disco, con OTRA COLABORACIÓN de Zack de la Rocha!! Por ahora solo nos queda esperar a ese espectacular trabajo que nos están cocinando, de momento tenemos que conformarnos con los excelentes 71 minutos de los 2 trabajos de la banda.

Toto

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Leonard Cohen

Leonard Cohen – Popular Problems (2014)

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Leonard Cohen - Popular Problems (2014)

Puntaje del Disco: 9

  1. Slow: 9
  2. Almost Like the Blues: 9
  3. Samson in New Orleans: 9
  4. A Street: 9
  5. Did I Ever Love You: 8,5
  6. My Oh My: 8,5
  7. Nevermind: 8
  8. Born in Chains: 9
  9. You Got Me Singing: 9

Dos días después de que este año Leonard Cohen cumpla nada menos que 80 años de edad lanzaría su décimo tercer disco de estudio: Popular Problems. En este álbum lejos de parecer un viejo anticuado y agotado musicalmente, demuestra que se encuentra en su plenitud para seguir inspirando y ofreciendo lo mejor de sí mismo.

Popular Problems es un disco fantástico en el que con simpleza Leonard logra mucho. Las canciones del disco cuentan con una instrumentación sencilla generalmente con base de teclado o piano y con coros femeninos resaltando especialmente en los estribillos de cada canción. Pero lo más importante es la voz de Cohen, que suena añeja, grave y susurrante, recitando sus letras para impactar de manera profunda. En cierto sentido me hace acordar a Tom Waits pero sin tanta verborragia y con su estilo propio.

En base a esta formula todos los temas de Popular Problems son efectivos y prácticamente excelente. En lo personal lo más rico lo encuentro en la primera parte del álbum. “Slow” es una apertura más que prometedora de muy buen estribillo. Mientras que “Almost Like the Blues” con sus líneas de bajo marca un ritmo intrigante. Luego tenemos a “Samson in New Orleans”, una balada orquestada hermosa. Y también está “A Street”, que me encanta como relata su letra y el coda con coros: “The party’s over/But I’ve landed on my feet/I’ll be standing on this corner/Where there used to be a street”.

En la segunda parte del disco Leonard ofrece su country en “Did I Ever Love You” y en la agradable balada “You Got Me Singing”. También hay que destacar la balada a piano “Born in Chains” que crece gradualmente hasta alcanzar su climax.

No hay mucho más que agregar. Popular Problems es un gran álbum. La prueba fehaciente de que teniendo 8 décadas encima no es un impedimento para seguir haciendo buena música.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Spoon

Spoon – They Want My Soul (2014)

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Spoon - They Want My Soul (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Rent I Pay: 9
  2. Inside Out: 8
  3. Rainy Taxi: 8,5
  4. Do You: 8,5
  5. Knock Knock Knock: 9,5
  6. Outlier: 7
  7. They Want My Soul: 8,5
  8. I Just Don’t Understand: 8,5
  9. Let Me Be Mine: 8,5
  10. New York Kiss: 8

Spoon se tomó su tiempo para presentar su octavo disco de estudio. Luego de cuatro años la explicación perfecta partió de su líder y cantante Britt Daniel quien afirmó con total sinceridad: “Estábamos un poco quemados, necesitábamos parar si o si para poder enfocarnos en algo nuevo”.

El resultado fue They Want My Soul, un retorno triunfal donde se exponen todas las virtudes que supieron demostrar en estos años e incluso con composiciones más elevadas que expanden su paleta de sonidos hacia nuevos horizontes redondeando uno de sus mejores trabajos en muchos años.

Temas adictivos como “Rent I Pay”, “Rainy Taxi”, “Do You”, “Let Me Be Mine” y “Knock Knock Knock” son los que marcan el ritmo en esta placa corta pero efectiva que recibió excelentes notas por parte de la crítica situándolo en un lugar de privilegio dentro de lo mejor de este año que esta por terminar.

Spoon ya se encuentra en la galería de bandas clásicas del indie alternativo y en cada aparición, salvo en contadas excepciones, nos ofrecen material de sobra para disfrutar y hacer crecer su figura (tan solo por su música y no por escándalos ni causas externas) año tras año en el mundillo del rock actual.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Black Keys

The Black Keys – Turn Blue (2014)

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The Black Keys - Turn Blue (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Weight of Love: 10
  2. In Time: 8,5
  3. Turn Blue: 8
  4. Fever: 9
  5. Year In Review: 8
  6. Bullet In the Brain: 9,5
  7. It’s Up To You Now: 7
  8. Waiting On Words: 8,5
  9. 10 Lovers: 8
  10. In Our Prime: 7,5
  11. Gotta Get Away: 8

Luego del éxito que significó El Camino, catapultando a The Black Keys como una banda más mediática y reconocida, su próximo disco sería esperado con ansias. Así llegaría Turn Blue, donde el dúo muestra una evolución significativa en su sonido, quedando lejos el garaje rock sucio y blusero de sus primeros años e incluso marcando diferencias del rock efectivo de El Camino.

De la mano de Danger Mouse como productor, Turn Blue es un álbum más atmosférico, oscuro, psicodélico, espacial, donde los grandes riffs en guitarra de Dan Auerbach no es lo más importante (aunque sigue ofreciendo buenos solos de guitarra). Acá se florea el bajo, los coros y teclados ofreciendo arreglos más elaborados de los que estábamos acostumbrados en ellos.

Para empezar tenemos a “Weight Of Love”, el mejor del disco y por qué no el mejor de la banda, en el que demuestran una cara aun no conocida en ellos: su versión progresiva en todo su esplendor. Es una especie de clásico floydeano pero llevada a nuestros años realmente excelente. Con “Weight Of Love” The Black Keys te vuela la cabeza, pero hay que reconocer que hay una mayor abundancia de clásicos en El Camino que en Turn Blue. Esto no quiere decir que su reciente lanzamiento no los tenga. “Fever”, por ejemplo, es un hit instantáneo sobre la fiebre muy pegadizo y que me recuerda a la mejor de su disco predecesor. Mientras que “Bullet in the Brain” con su intensidad te transporta y te vuela la mente.

El resto del álbum, si bien no alcanza a estos 3 temas, está muy bien en la conformación de este nuevo y sofisticado sonido de la banda. Y si bien hay gente que advierte que The Black Keys está saliendo de las sombras del under para subirse al Hype como algo malo, hay que reconocer que Turn Blue es un muy buen disco, de los mejores del 2014.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Ty Segall

Ty Segall – Manipulator (2014)

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Ty Segall - Manipulator (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Manipulator: 8,5
  2. Tall Man, Skinny Lady: 9,5
  3. The Singer: 9
  4. It’s Over: 9
  5. Feel: 9
  6. The Faker: 8,5
  7. The Clock: 9,5
  8. Green Belly: 7,5
  9. Connection Man: 8,5
  10. Mister Main: 7,5
  11. The Hand: 8
  12. Susie Thumb: 8
  13. Don’t You Want to Know: 8
  14. The Crawler: 8
  15. Who’s Producing You?: 7,5
  16. The Feels: 8,5
  17. Stick Around: 8,5

El Californiano Ty Segall es un prolífico e incansable artista que no ha dejado pasar ni un solo año de su carrera sin sacar disco, mismos que siempre resultan sin tacha con una constante de calidad presente. En el 2014 a sus 27 años  de edad, Segall presentó su séptimo disco que se convirtió el mejor que ha producido en su carrera; Manipulator.

Manipulator es además el disco más extenso de Ty Segall casi pegándole a una hora de duración entre sus diecisiete temas. A lo largo de todo el disco queda claro que Segall es el autentico manipulador del sonido, sobre todo con su guitarra eléctrica (marcada por su sonido fuzz característico) y se apoya en una amplia gama de influencias de los sesentas y setentas, apoyándose particularmente en The Rolling Stones, T. Rex, Black Sabbath y David Bowie. El resultado es la concepción de un disco que a su escucha trae recuerdos de los tiempos del rock clásico, sin renunciar jamás a la originalidad.

El sonido crudo y melódico es una constante en este trabajo. La minimalista y agradable “Manipulator” es solo una introducción a lo que se está por venir: calidad pura. No es fácil decidirse por cual tema es el mejor, ya que hay material que destacar, sobre todo en el inicio del disco; por ejemplo está el dúo de Hard Rock conformado por “It’s Over” una canción donde Ty se suelta salvajemente acribillando con devastadores riffs y potente batería y su consecuente “Feel” un tema pesado y punteante con unos gritos espectaculares rivalizados por los excelentes solos de guitarra. Pero si me dan a elegir temas me quedo con “Tall Man, Skinny Lady” muy rítmica con un excelente riff distorsionado de power chords y donde salen a relucir los muy buenos falsettos del cantante, y “The Clock” es una canción muy llamativa donde la guitarra acústica hace sonidos orientales y se conjuga con arreglos de violines que hacen al tema muy distinguible.

Otro punto fuerte del disco es su variedad, por ejemplo “The Singer” es una rítmica canción de balada con un estribillo pegajoso, “The Faker” es Blues, “Don’t You Want to Know” es un tema acústico, mientras que “Susie Thumb” me suena a psicodelia clásica. He de reiterar que este es un disco de un nivel tan balanceado que la elección de cuáles son las mejores canciones depende mucho del interlocutor, como menciona Pitchfork “Todas podrían haber sido el sencillo del disco”.

Concluyendo,  Manipulator es el disco con el que Ty Segall ha alcanzado su punto más alto, pero a decir verdad así como no se le ven ganas de frenar, igualmente no se ve un final al potencial de este cantante. Sabiendo como es de creativo, probablemente no tenga que pasar mucho tiempo para disfrutar de otro de sus trabajos.

Gera Ramos

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Stephen Malkmus

Stephen Malkmus & the Jicks – Wig Out at Jagbags (2014)

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Stephen Malkmus & the Jicks - Wig Out at Jagbags (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Planetary Motion: 9
  2. The Janitor Revealed: 8,5
  3. Lariat: 9
  4. Houston Hades: 9
  5. Shibboleth: 8
  6. J Smoov: 8,5
  7. Rumble at the Rainbo: 8
  8. Chartjunk: 8,5
  9. Independence Street: 8
  10. Scattegories: 8
  11. Cinnamon & Lesbians: 8,5
  12. Surreal Teenagers: 8,5

Stephen Malkmus a esta altura es una leyenda y un icono a seguir por todas las bandas que surgen hoy en día. Es un ejemplo de cómo hacer buen indie rock y en Wig Out at Jagbags puede ser incluso más fresco en el tema que cualquier grupo nuevo que venga a imponerse como novedad.

Wig Out at Jagbags es uno de los discos más destacados del 2014, porque Malkmus con sus Jicks despliegan un sonido refrescante y agradable en canciones que tienen un poder melódico fantástico haciendo que el álbum tenga una consistencia asombrosa.

Lo interesante del disco son las estructuras de las canciones que resultan retorcidas y no tan convencionales en base a la variación en las distorsiones y riffs de guitarras en cada tema. No es pop común y corriente, aunque los ganchos melódicos están ahí y se apoderan de tu mente. Malkmus ya hizo esto antes con Pavement demostrando que puede tener salidas impredecibles y aquí lo retoma con éxito.

A diferencia de Mirror Traffic donde se podía detectar aquellos clásicos y hits instantáneos rápidamente, acá la tarea no es tan sencilla porque el nivel es parejo en general. Pero desde mi punto de vista en la primera parte del álbum está lo más destacable. “Planetary Motion” es atractivo por ejemplo por ese juego que ofrecen variando constantemente con sus guitarras. “Lariat” es una joya pop muy agradable. “Houston Hades” es aún más encantadora. Es imposible no ponerse a entonar los “Doo do do doo do” de su estribillo cuando los oímos.

La segunda parte del disco con “Chartjunk”, “Cinnamon & Lesbians” y “Surreal Teenagers” es también realmente gratificante. No vas a encontrar un solo tema que no te guste. Por eso es ampliamente recomendable.

Persy

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Sharon Van Etten

Sharon Van Etten – Are We There (2014)

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Sharon Van Etten - Are We There (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Afraid of Nothing: 8,5
  2. Taking Chances: 8
  3. Your Love is Killing Me: 9,5
  4. Our Love: 7
  5. Tarifa: 9
  6. I Love You But I’m Lost: 8,5
  7. You Know Me Well: 9
  8. Break Me: 8
  9. Nothing Will Change: 7,5
  10. I Know: 8
  11. Every Time the Sun Comes Up: 8,5

Originaria de Nueva Jersey, Sharon Van Etten venía figurando desde el lanzamiento de su disco Tramp en el 2012. Pero sería hasta la presentación de su cuarto disco cuando esta artista Indie captaría la atención, convirtiéndose en una de las revelaciones del año 2014 y de pasada ganándose el reconocimiento de destacadas publicaciones musicales.

El estilo de Van Etten se podría definir como una especie de Folk Rock altamente intimista y emocionalmente intenso; siendo discípulo de Nick Cave, ella cuenta con la habilidad de crear letras muy sentidas. Por su estilo musical y su manera de componer se ha ganado comparaciones con The National (Banda que le ha ayudado mucho a proyectarse), así como a The Antlers.

En Are We There nos encontramos a una Sharon en plena edad de madurez emocional y musical (33 años de edad), de modo que en este disco se apoya en esa madurez para presentar el que es su trabajo más destacado hasta el momento; es como si el titulo de las dos canciones con que abre el disco (“Afraid Of Nothing” y “Taking Chances”) expresaran con qué actitud se presenta la compositora: sin miedo a nada que se le interponga y lista para tomar sus oportunidades con ambas manos y sorprender al oyente.

¿Cuál es la cualidad que vuelve relevante a Sharon? La respuesta es su interpretación ¡Esta mujer es una maravilla a la hora de expresarse! Cuenta con una versátil voz, capaz de cambiar de delicadeza a fortaleza, así como la capacidad de transmitir con claridad sus temas que suelen tener letras muy personales, podría decirse que uno como interlocutor siente la sinceridad y pasión de Van Etten en cada uno de los once temas que componen este trabajo.

Are We There es la potencia del Indie Rock combinado con la lirica del Folk; la instrumentación es ligera y la percusión es sencilla, dejando que la voz de Sharon se lleve los reflectores apoyándose constantemente en el teclado como instrumento principal en la mayoría de las canciones. La misma cantante definió este disco como “uno muy crudo, el más pesado que he escrito”.

Pasando a los temas, he de resaltar primero que nada a la que considero una contendiente a canción del año; “Your Love is Killing Me” una pieza potente, donde Sharon suelta unos desgarradores gritos, inspirada en un amor tan potente que es toxico ¡Una verdadera joya! También destaca “Tarifa” impulsada por sus secciones de cuerno y con un estribillo arrasador. También me atrevo a señalar como highlights a “You Know me Well” con su batería marcada y a “I Love But I’m Lost” que cuenta un toque se vulnerabilidad plasmada en una letra muy frágil. Y como se dice, un buen cierre ayuda mucho a un disco y Van Etten lo logra con “Every Time the Sun Comes Up” una canción optimista y atrevida que transmite esperanza (solo escuchen las risas de felicidad al final de y ese “Maybe something will change”)

Entre potentes piezas y calmadas baladas, Sharon expresa la tristeza, la felicidad, la esperanza y la resignación de forma contagiosa; este es un disco solido que trasciende de forma natural de principio a fin. Recomiendo que se den una oportunidad de escuchar a Sharon Van Etten y sentir sus emociones: no habrá decepciones.

Gera Ramos

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