Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Spoon

Spoon – Kill the Moonlight (2002)

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Spoon - Kill the Moonlight (2002)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Small Stakes: 8
  2. The Way We Get By: 9,5
  3. Something to Look Forward To: 8,5
  4. Stay Don’t Go: 8,5
  5. Jonathon Fisk: 8,5
  6. Paper Tiger: 8
  7. Someone Something: 8,5
  8. Don’t Let It Get You Down: 8
  9. All the Pretty Girls Go to the City: 8,5
  10. You Gotta Feel It: 7
  11. Back to the Life: 8,5
  12. Vittorio E.: 9

Con solo un año y medio de diferencia con el exitoso Girls Can Tell, Spoon no quiso su momento de elogios del mundillo del Indie rock y de mayor cantidad de ventas al editar a mediados de 2002 su tercer LP: Kill the Moonlight.

Este nuevo material mantiene la calidad de uno de los grupos de Indie rock del momento. Sus melodías tarareables y creativas a la vez parten del notable ingenio y talento de su compositor y lider Britt Daniel que en esta ocasión nos deja una colección de doce canciones breves y directas entre las que podemos resaltar su enorme capacidad en algunas por encima del resto como en “Something to Look Forward To”, “Stay Don’t Go”, “Jonathon Fisk”, “Someone Something”, “All the Pretty Girls Go to the City”, “Vittorio E.” y la que seguramente todos conozcan la mágica e innolvidable “The Way We Get By”.

Con poco más de treinta y cinco minutos de duración Spoon se las ingenia para entregar otro álbum sin desperdicio, donde no solo brillan las canciones por lo que trasmiten y su excelente calidad, también las letras atraviesan temáticas maduras e inteligentes hablando de temáticas que conforman la vida con una gran profundidad.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Yeah Yeah Yeahs

Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz! (2009)

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Yeah Yeah Yeahs - It’s Blitz! (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Zero: 9
  2. Heads Will Roll: 8,5
  3. Soft Shock: 7,5
  4. Skeletons: 8
  5. Dull Life: 6
  6. Shame and Fortune: 7,5
  7. Runaway: 8,5
  8. Dragon Queen: 8
  9. Hysteric: 8,5
  10. Little Shadow: 8,5

Si en algo se caracteriza siempre Yeah Yeah Yeahs es en que evolucionan siempre en su sonido. Se preocupan por no quedar encasillados en algo. Sin embargo, para su tercer álbum, It’s Blitz!, abandonan prácticamente por completo su garaje rock (atractivo por combinar melodías cautivantes y estridentes simultáneamente como “Maps”), para abordar algo que poco tiene que ver con lo que venían haciendo: la electrónica.

It’s Blitz! Parece un disco que está años luz respecto de Fever To Tell. Acá los grandes protagonistas son los sintetizadores y el teclado. Pero salvando a “Hysteric” y “Little Shadow” (en las que abordan melodías más cautivantes relacionadas al dream pop) no es el tipo de electrónica en donde exploran matices como Radiohead. Sino que es ese tipo de electrónica más estruendosa, bailable y comercial, sin llegar a los niveles deplorables de Lady Gaga por supuesto.

Es así como comienza con su mayor hit “Zero”, una gran apertura para levantar los ánimos de una fiesta careta teniendo a Karen O como conductora, junto a “Heads Will Roll”, que es su prolongación perfecta de energía electrónica. Y si en algo se caracteriza It’s Blitz! es en que tiene energía, muy distinta a la que estábamos acostumbrados con YYYs, pero motivante. Y el buen nivel compositivo también predomina (exceptuando por ejemplo a “Dull Life” que es más bochinche que otra cosa), atreviéndose a su vez a diversificar con incursiones en el disco (“Dragon Queen”) y ofreciendo baladas (como “Runaway”, nostálgica al principio y luego de grandeza épica).

Por eso no tienen que espantarse cuando empiecen a escuchar a It’s Blitz!. Es cierto que el cambio es grande, y los fans de su garaje rock van a sentirlo, pero no deja de ser un muy buen disco del trío.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Jane's Addiction

Jane’s Addiction – The Great Escape Artist (2011)

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Jane's Addiction - The Great Escape Artist (2011)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Underground: 8
  2. End to the Lies: 7,5
  3. Curiosity Kills: 8
  4. Irresistible Force (Met the Immovable Object): 8,5
  5. I’ll Hit You Back: 7
  6. Twisted Tales: 7,5
  7. Ultimate Reason: 7,5
  8. Splash a Little Water on It: 8
  9. Broken People: 7
  10. Words Right Out of My Mouth: 7,5

No sorprende en la historia del rock and roll grupos importantes con cambios de formación, peleas entre sus integrantes y periodos de impasse. Pero el caso de Jane’s Addiction es bastante particular.

Luego de dos impecables primeros álbumes, a principios de los noventa la banda tenía el mundo a sus pies pero echaron a perder todo lo que habían cosechado con el enfrentamiento entre sus dos figuras fuertes el cantante Perry Farrel y la primera guitarra Dave Navarro. Luego de dedicarse a proyectos personales durante toda esa década en la siguiente se dedicaron a reunirse, cambiar de miembros y separarse de forma impredecible constantemente, con un disco que paso sin pena ni gloria en el medio Strays (2003), hasta que a principios de 2010 se establecieron y comenzaron los planes para su cuarta placa de estudio.

Para las grabaciones contaron con tres bajistas distintos con dispar relevancia en el disco. En primer lugar Duff McKagan (ex Guns and Roses y Velvet Revolver), Chris Chaney (que ya había estado con ellos en su anterior disco) y Dave Sitek (miembro de TV on the Radio quien también aporto labores de teclado, electrónica y guitarras acompañantes). Este inconveniente de no tener un bajista estable no influyo negativamente al resultado final.

The Great Escape Artist (2011) si bien no alcanza el nivel de sus dos primeras obras clásicas es un disco bastante efectivo y directo que supera en calidad a su antecesor, con temas con guitarras atrapantes y una dosis de electrónica medida, en casi todos sus tracks. Según lo describió el propio Farrel: “Es una extraña mezcla de post punk y oscuridad que Jane’s tiene con lo que pasa hoy con grupos como Muse y Radiohead.”

The Great Escape Artist nos devuelve, aunque sea en chispasos, a los mejores Jane’s Addiction una buena noticia en si misma, aunque no tengamos certeza por su poca lógica carrera que nos depararán el futuro.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Al Stewart

Al Stewart – Past, Present and Future (1973)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Old Admirals: 8
  2. Warren Harding: 8.5
  3. Soho (Needless to Say): 8
  4. The Last Day of June 1934: 7.5
  5. Post World War Two Blues: 8
  6. Roads to Moscow: 8
  7. Terminal Eyes: 7.5
  8. Nostradamus: 8

Lanzado en octubre de 1973 en el Reino Unido, Past, Present and Future, el quinto álbum de Al Stewart salió a la venta apropiadamente al año siguiente en los Estados Unidos. La buena producción de Orange, el disco previo, permitió que el escocés comenzara a gozar de la merecida reputación y la crítica favorable de la prensa especializada.

El álbum, que muestra un mayor acercamiento en el tono de voz que Stewart desea alcanza, está enfocado de manera conceptual en un repaso a través del tiempo. Comenzando con “Old Admirals” cada tema se refiere a una época temporal del siglo veinte, con una fusión entre el folk y el pop, del cual el músico ya nos venía presentando. Asi por ejemplo, “Roads to Moscow” retrata la invasión alemana a Rusia durante la Segunda Guerra Mundial, vista desde la perspectiva de un guerrillero ruso.

En el final, “Nostradamus”, en clara alusión al predicador del futuro, cierra este buen material que repasa en ocho canciones algunas temáticas del último siglo.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Pulp

Pulp – We Love Life (2001)

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Pulp - We Love Life (2001)

Puntaje del Disco: 8

  1. Weeds: 8
  2. Weeds II (The Origin of the Species): 7
  3. The Night That Minnie Timperley Died: 8
  4. The Trees: 8,5
  5. Wickerman: 8
  6. I Love Life: 9
  7. The Birds in Your Garden: 8
  8. Bob Lind (The Only Way Is Down): 7,5
  9. Bad Cover Version: 8
  10. Roadkill: 7
  11. Sunrise: 9

Estaba claro que el siguiente paso de Pulp, luego de la complejidad de sonido alcanzada en This Is Hardcore, iba a ser muy calculado y pensado. Muestra cabal de esto fue que se tomaran más de tres años para preparar We Love Life (2001).

Para acentuar el cambio Jarvis Cocker decidió cambiar al productor con el que había cosechado sus últimos dos grandes placas, Chris Thomas, por Scott Walker (cantante americano, famoso en la década de los sesenta e ídolo del propio Jarvis) quien no contaba con demasiadas credenciales en la producción pero si con la admiración de Cocker.

La experiencia entre ambos resulto bastante satisfactoria porque en We Love Life Pulp logra sonar renovado y alejado de su sonido más inmediato pero en un buen sentido, con la madurez que la banda ya había alcanzado gracias a la experiencia de tantos años.
Luego de los años oscuros que Jarvis había atravesado y dejaba en evidencia en las letras y la oscuridad de This Is Hardcore, en esta nueva placa abraza a la vida con letras y sonidos más optimistas y sencillos. Vale la pena cada escucha de temas como “I Love Life”, “Sunrise”, “Weeds”, “The Trees” y “Wickerman”, particularmente porque se trataría del último material de estudio de la banda.
Lamentablemente no todo el mundo “compro” este nuevo Pulp. Las bajas ventas de We Love Life le valieron la cancelación de su contrato con su sello, previo lanzamiento en 2002 del previsible lanzamiento de la discográfica de un grandes éxitos, Hits (2002). A pesar de que en un principio se negaron los rumores de separación uno de los grupos fundamentales del rock británico entraría en un receso.

Jarvis se mudó a Paris con su esposa Camille Bidault-Waddington, con quien tuvo un hijo, Albert. Se dedicó de lleno a la experimentación en un principio con una agrupación electrónica bajo el nombre de Relaxer Muscles para luego embarcarse en su propia carrera en solitario de la que se desprenden los recomendables títulos: Jarvis (2006) y Further Complications (2009).

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Dinosaur Jr

Dinosaur Jr. – Where You Been (1993)

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Dinosaur Jr. - Where You Been (1994)

Puntaje del Disco: 8

  1. Out There: 8
  2. Start Choppin: 9
  3. What Else Is New: 8
  4. On the Way: 8
  5. Not the Same: 8
  6. Get Me: 8,5
  7. Drawerings: 6,5
  8. Hide: 7
  9. Goin Home: 7
  10. I Ain’t Sayin: 9

J Mascis junto a Mike Johnson y Murph confirmando un trío como nueva alineación de Dinosaur Jr. editaría en 1993 su quinto disco de estudio: Where You Been.

En él se puede apreciar que el sonido de la banda se torna cada vez más accesible en comparación con sus primeros años. Sigue siendo rock alternativo pero un tanto más convencional y hasta pop. Otra de las cualidades de Where You Been está en ser bastante guitarrero. Casi todas las canciones le dan lugar a solos de guitarra algo genéricos para mi gusto, que no suman mucho en las canciones y hasta pueden resultar exagerados.

En ese sentido en el disco no encontramos nada particularmente revelador o que haga mejor a Dinosaur Jr. de lo que ya la conocíamos. Dicho esto, en general las canciones son bastante sólidas y encontramos un poco de todo. De entrada está  “Out There”, que simboliza bien lo que marcaba de su rock guitarrero. Luego tenemos a “Start Choppin”, uno de los pocos cortes que habrá hecho Dinosaur Jr. en su carrera que podrían considerarse un hit, por su melodía Pop y sus coros que parecen tomados de Pavement. El otro potencial hit es “I Ain’t Sayin por su guitarra.

En lo que queda del álbum hay baladas como “Not the Same” (acústica, oscura y con una interpretación vocal/nasal de Mascis que parece imitación de Neil Young), canciones convencionales como “Get Me” (con coros de Tiffany Anders dándole un plus) y otras que entusiasman menos tal es el caso de “Drawerings” (que parece ya una prolongación reiterativa de lo que veníamos escuchando en el disco).

Where You Been es un disco muy bueno, pero habiendo sido lanzado en 1994, un año espectacular en calidad y cantidad de trabajos discográficos, terminaría siendo tapado por las producciones de otras bandas de la época.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
New Order

New Order – Technique (1989)

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New Order - Technique (1989)

Puntaje del Disco: 9

  1. Fine Time: 7,5
  2. All the Way: 8
  3. Love Less: 9
  4. Round & Round: 8,5
  5. Guilty Partner: 8
  6. Run: 9,5
  7. Mr. Disco: 8,5
  8. Vanishing Point: 9
  9. Dream Attack: 9

Para finales de los ochenta el sonido Madchester, que habían puesta de moda The Stone Roses y Happy Mondays, dominaba la escena mundial y New Order no iba a dejar escapar la oportunidad de demostrarles a todos, como ya hicieron anteriormente con su brillante single bailable “Blue Monday”, que eran capaces de realizar música bailable como ningunos otros.

Las sesiones de grabación de lo que sería, Technique (1989), se realizaron en la paradisíaca isla de Ibiza donde la música house explotaba siendo el marco ideal para que New Order mezcle el rock y el post punk de sus primeros años con la música electrónica para dar como resultado uno de sus mejores discos en su rica carrera.

Difícilmente los amantes de Joy Division y del primer New Order disfruten de este material donde el dance tiene una importancia definitiva sobre el rock guitarrero, aún así producirían canciones de pop alternativo adictivas como “Run”, “Love Less”, “Vanishing Point” y “Dream Attack”, entre otras tantas buenas que conforman un álbum clásico.

Technique fue número uno en el Reino Unido pero también tuvo bastante buena repercusión del otro lado del atlántico llegando a realizar una gira por Estados Unidos y Canadá junto con Public Image Ltd y The Sugarcubes.

Para 1990 New Order grabaría un sencillo que se transformaría en el himno de la selección inglesa en el mundial de futbol de Italia de ese año, “World in Motion”, que les daría otro número uno en su país natal. En 1991 la banda abandonaría Factory Records, luego de que esta se declare en bancarrota, y deciden tomarse un descanso para emprender proyectos paralelos de sus integrantes.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Toto

Toto – Toto (1978)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Child’s Anthem: 7
  2. I’ll Supply the Love: 8
  3. Georgy Porgy: 8.5
  4. Manuela Run: 7
  5. You Are The Flower: 7 
  6. Girl Goodbye: 7.5
  7. Takin’ It Back: 8
  8. Rockmaker: 8
  9. Hold The Line: 9
  10. Angela: 7.5

Formada en 1977 en Los Angeles, Toto estuvo originalmente compuesta por Joseph Williams, David Paich, Steve Porcaro, Steve Lukather y Keith Carlock. En 1978 editó su primer álbum que, a pesar de las críticas dispares, logró posicionarse entre los principales lugares de los rankings norteamericanos.

Una de las razones por las cuales el disco fue recibido con cierto escepticismo fue el recelo que despertaba el grupo por haber conseguido un notorio nivel en diversos estilos musicales. Partiendo desde el rock progresivo instrumental de “Child’s Anthem”, pasando por un rock más duro en “I’ll Supply the Love”, para llegar hasta un costado de R&B de “Georgy Porgy”, el álbum presenta los condimentos necesarios para cruzar de un género a otro. “Hold The Line”, con una inconfundible introducción de piano se alza como el tema destacado del disco y como el gran clásico del grupo.

Con una variedad de gamas de estilos e instrumentos, Toto consiguió condensar las influencias de los años setenta e iniciar el camino hacia una prolífica carrera.

Piro

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(Votos: 2 Promedio: 4)
Ten Years After

Ten Years After – A Space in Time (1971)

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Ten Years After - A Space in Time (1971)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. One of These Days: 8,5
  2. Here They Come: 8
  3. I’d Love to Change the World: 9,5
  4. Over The Hill: 9
  5. Baby Won’t You Let Me Rock ‘n’ Roll You: 7,5
  6. Once There Was a Time: 8,5
  7. Let the Sky Fall: 8
  8. Hard Monkeys: 9
  9. I’ve Been There Too: 8
  10. Uncle Jam: 7

A Space in Time (1971) fue el álbum de mayores ventas de Ten Years After en su historia. La capacidad compositiva de Alvin Lee se recuperó con respecto a su anterior registro y además significó un nuevo giro en el rumbo musical del grupo.

El disco es menos “pesado” que lo que venían haciendo con más guitarras acusticas influenciados tal vez por el suceso que alcanzó Led Zeppelin por aquellos años mezclando números acústicos con algunos más roqueros. A su vez encontramos canciones más comerciales incluyendo el emblemático hit “I’d Love to Change the World”, un verdadero temazo que paga por el resto del disco, aunque no se encuentra solo la primera parte incluye otros buenos tracks como “One of These Days”, “Here They Come” y “Over The Hill” y otras como “Hard Monkeys” donde Ten Years After demuestra una variedad nunca alcanzada y los esplendidos solos de guitarra de Lee dicen presente.

Lamentablemente las constantes giras y presentaciones en directo, un ámbito donde TYA rendía con creces, fueron una constante y no permitieron seguir con claridad el camino que habían comenzado en A Space in Time. Luego de un par de discos olvidables, Rock & Roll Music to the World (1972) y Positive Vibrations (1974), la banda tendría un quiebre y se reuniría en los ochenta pero nada volvería a ser lo mismo.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Bob Dylan

Bob Dylan – Bringing It All Back Home (1965)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Subterranean Homesick Blues: 10
  2. She Belongs To Me: 9
  3. Maggie’s Farm: 7,5
  4. Love Minus Zero/No Limit: 8,5
  5. Outlaw Blues: 7,5
  6. On The Road Again: 7,5
  7. Bob Dylan’s 115th Dream: 8
  8. Mr Tambourine Man: 10
  9. Gates Of Eden: 8,5
  10. It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding): 9
  11.  It’s All Over Now Baby Blue: 9,5

Bringing It All Back Home es considerado un álbum revolucionario en la carrera de Dylan. También podría ser tomado como un disco de transición, porque significó la novedosa evolución en su estilo en donde comenzaría a electrificar su sonido.  De todas formas, en Bringing It All Back Home las canciones folk acústicas acompañadas por su armónica todavía prevalecen. Se podría decir que conviven en él las dos versiones de Bob: la de sus primeros años y la de los venideros.

Sin embargo, hay que destacar que las canciones que más se resaltan son las folkys acústicas, en especial “Mr Tambourine Man”, una de las canciones más legendarias y recordadas (especialmente por su estribillo) de los primeros años de Dylan. También hay que remarcar en este grupo a la balada “She Belongs To Me”, a la singular “It’s Alright Ma” (me encanta la base simple de guitarra y como Dylan recita) y por supuesto “It’s All Over Now Baby Blue”, un clásico definitivo del álbum.

En la otra mano tenemos a las canciones que simbolizan su “electrificación” tomando bases en el blues. Donde el sonido es sinceramente rudimentario y de la misma calidad primitiva que desarrollaban en sus primeros años las bandas que conformaron las “Invasiones Británicas”. De hecho el nombre “Bringing It All Back Home” está relacionado a esa oleada que inundó en los sesenta la escena de la música. Entre ellas tal vez la más característica es “Subterranean Homesick Blues”, uno de los primeros himnos de Dylan en el que se grabó un video para el tema (reconocido por tener a Bob mostrando frases de su canción en carteles).

En otras palabras, Bringing It All Back Home es un trabajo notable, excelente, que se aleja un poco de las canciones de protesta (aunque no definitivamente), abordando letras humorísticas y abstractas. Pero que significaría por sobre todo en ser el primer paso de Dylan hacia lo que luego serían sus dos mejores disco:  Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 5)