Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Mobb Deep

Mobb Deep – The Infamous (1995)

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Mobb Deep - The Infamous (1995)

Puntaje del Disco: 10

  1. The Start of Your Ending (41st Side): 8,5
  2. The Infamous Prelude: –
  3. Survival of The Fittest: 9,5
  4. Eye For a Eye (Your Beef Is Mines) [Ft.Raekwon & Nas]: 9,5
  5. Just Step Prelude: –
  6. Give Up The Goods (Just Step): 9
  7. Temperature’s Rising: 9,5
  8. Up North Trip: 9
  9. Trife Life: 8,5
  10. Q.U. — Hectic: 8,5
  11. Right Back At You: 9
  12. The Grave Prelude: –
  13. Cradle To The Grave: 8
  14. Drink Away The Pain (Situations): 7,5
  15. Shook Ones, Pt II: 10
  16. Party Over: 8

Mobb Deep, también conocido como The Infamous Mobb Deep, es un dúo de rap formado por Havoc (MC y Productor) y Prodigy (MC) (originarios de Queensbridge, Nueva York, en Long Island City) en 1992.

Ya habían grabado un debut, Juvenile Hell, pero no fue nada exitoso. En este disco, The Infamous, saltaron a la fama del hip hop, ubicándolos en el puesto 15 del Billboard 200, reconocidos por su single «Shook Ones, Pt II».

Sin más ni menos, analizo el disco y sin duda es otro de los mejores de East Coast Hip Hop, por su estilo inquietante, sus evocadoras melodías, ritmos robustos, y las letras que se ocupan de la delincuencia y la pobreza en los barrios del centro de la ciudad. Lo que refleja el lado oscuro de Nueva York, a finales de los años 80, momentos en donde pasaron Havoc y Prodigy. Por otra parte, el álbum ayuda a definir el sonido de Hardcore Hip Hop, debido a su estilo de producción, que incluye misteriosos pianos (dándole un poco más de suspenso al disco), sintentizadores distorsionados, y líneas de bajo dispersas.

Encontramos grandiosas canciones como «Survival of The Fittest», «Eye For a Eye (Your Beef Is Mines)», y como no olvidarlo, la mejor canción de este trabajo, «Shook Ones, Pt II»

A pesar de polémicas entre la década del 2000, Mobb Deep sigue activo.

Toto

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Cobertura de Recitales, Iron Maiden

Iron Maiden – Estadio de River Plate (27/09/2013)

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Una vez más Iron Maiden se presentaría en la Ciudad de Buenos Aires, como tantas otras veces lo había hecho. Sin embargo, en esta oportunidad, el Estadio de River Plante sería el escenario elegido y por el cual miles de fanáticos esperaban para rendirle homenaje a sus ídolos. Fue la décima visita a la Agentina la que depostió al conjunto británico en un Estadio de las magnitudes necesarias para contener a la inmensa cantindad de seguidores que se acercaron para ver nuevamente a estos indestructibles del metal.

Tanta fue la emoción y efusividad con la que los fanánticos recibieron a la banda, que la valla de contención frente al escenario no fue sufieciente y cedió inmediatamente, causando que mientras Bruce Dickinson cantaba “Moonchild”, estuviese más pendiente de la seguridad del público que de las letras de la canción. Su preocupación fue tal que el espectáculo se detuvo durante casi media hora mientras solucionaban el problema y Dickinson ya no encontraba qué hacer para contener la impaciencia generalizada. Con un solo de batería y otro a cargo de Nick McBrain y la interpretación de la obertura de William Tell, fueron algunas de los atractivos que el cantante llevó a cabo durante la prolongada interrupción.

“Can I Play With Madness?” volvió a tomar las riendas del espectáculo que continuó sin otras desviaciones. “The Prisioner”, apareció como una verdadera sorpresa al ser incluida en el repertorio después de años de no ser interpretada y “2 Minutes to Midnight” desplegaban las primeras vibraciones de los mejor de Maiden.

Flameando la bandera británica en “The Trooper”, Dickinson corría por el escenario al tiempo que los guitarristas luchaban contra uno de los primeros muñecos de Eddie que invadían la escena. “The Number of the Beast”, del gran álbum homónimo, “The Phantom of the Opera” y la implacable “Run to the Hills” completaban los temas clásicos del grupo.

Luego de una excelente interpretación de “Fear of the Dark”, fue momento del encore que arrancó con el video del discurso de Churchill, previo a “Aces High”. “The Evil That Men Do” y “Running Free” cerraron una magnífica presentación, en la que hubo todos los condimentos que uno hubiese esperado de un show de semejante magnitud: fuego, muchos riffs, puesta en escena y sobre todo mucha potencia.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Bon Jovi, Cobertura de Recitales, Nickelback

Bon Jovi en Argentina – Estadio Velez (26/09/2013)

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Bon Jovi Argentina 2013

Está es una crónica de un recital que fue una de las mayores decepciones que sufrió uno de los seguidores de Bon Jovi.

La Previa

Día 1: Cuando me enteré que venía Bon Jovi al país pensé: “Voy a campo de una, pegado a la valla”. Sobretodo después de haber presenciado su recital del 2010 que fue uno de los momentos más hermosos de mi vida.

Día 2: Richie Sambora es separado de la banda. En ese momento, no se explicaba el motivo pero se decía que para la gira ya iba a estar integrado el mismo.

Día 3: Es anunciada como banda invitada: Nickelback. Ya que es un grupo que me agrada pensé: “¡Qué buen recital va a ser!”.

Día 4: Estadio donde se va a hacer el recital: La Plata. En ese entonces mi cabeza decía: “Es un poco lejos, pero va a valer la pena”.

Día 5: Compra de entrada.

Día 6: Richie Sambora es oficialmente despedido de la banda por Bon Jovi. En ese instante tenía dos opciones: tirarme un tiro o darle una oportunidad a la banda para ver como sonaba. Por lo tanto decidí escuchar su recital en España, el cual derivo en que casi cometa mi acto de suicidio. Pero recapacité y pensé: “Es un problema de Youtube claramente”.

Día 7: Me llega un mensaje de Piro que decía textualmente: “Se suspende el recital de Bonjo”. Empecé a averiguar el motivo y era porque al gran Tico Torres (baterista de la banda) hubo que operarlo de apendicitis de urgencia.

Día 8: Es anunciado que el recital de Bon Jovi se haría en el estadio de Velez. A lo que pensé: “¡Qué copado, queda más cerca de casa! Voy a pasar la noche haciendo cola para estar al lado de la valla”.

Día antes del recital: Llego al estadio contento de que solo había 10 personas haciendo cola, por lo cual me fui a comer al bar del Club Velez y una de las personas que trabajaba me ofreció ver como iba quedando el estado en su armado. Pensamiento positivo: “Esto va a estar re bueno”.

Día del recital

Hora 00:00: Me estoy recagando de frío.

Hora 01:17: Me sigo cagando de frío y desde un auto gritan: “Bon Jovi se la come”. Lo cual derivo en que un grupo de fanáticas desenfrenadas quieran comerselos crudos.

Hora 02:33: Me levanto para que el trasero no me quede deforme y voy a dar una vuelta con mi compañero de recital. En ese momento veo una serie de banderas colgadas entre las cuales se encontraba una de Jon Bon Jovi en la cual al verla pensaba: “Y la verdad… en esa foto se la come”.

Hora 05:42: El frío me entumeció los genitales. El tiempo no pasaba más y mi pensamiento fue: “A la mierda con Bon Jovi”.

Hora 06:14: Aparece un poco más de gente pero todavía no se sabía la puerta por donde se ingresaba al estadio. Por la puerta 6, la 9, la 1. Eran todas incognitas, nadie sabía y recién se anunciaría a las 9 de la mañana.

Hora 07:30: Sale el sol, me encuentro haciendo fila como toda la noche en la puerta 1. Debido al calor pude dormir 10 minutos, los cuales fueron interrumpidos por una persona “X” que dice: “se entra por la 6”. Corrí hasta esa puerta para que al llegar se acerquen los de seguridad y me digan “se entra por la 1”. Al volver a la anterior, no tuve oportunidad de volver a conciliar el sueño por lo que volví a reflexionar: “A la mierda con Bon Jovi”.

Hora 10:00: Desde este momento en adelante escuché solamente dos preguntas: 1) “¿Esta es la fila para campo delantero?; 2) “¿Qué hora es?”.

Hora 12:01: Me estoy cagando de calor.

Hora 12:04: Me clavé un pancho.

Hora 14:25: Grupo de fanáticas desenfrenadas tirandose el pelo porque una se coló en la fila.

Hora 16:30: Entrada al estadio. Después de sufrir el frío polar de la noche y la insolación de la tarde cumplí con mi objetivo de llegar a la valla.

Hora 17:02: Me están apretando los huevos contra la valla.

Hora 18:30: Toca una banda telonera que no conozco, la cual me sorprendió positivamente.

Hora 19:30: Entra Nickelback al escenario. Arranca con “Animals” donde se hace un pequeño y leve pogo para palpitar lo que luego vendría.

Hora 20:30: Finaliza Nickelback brindando un muy buen espectáculo a pesar de haber solo tocado solo una hora por ser banda invitada, con excelente calidad de sonido. Muy buena onda de los integrantes, en especial Chad jugando con el público y dejando para aquellos que conocen al grupo una adrenalina optima para el recital de Bon Jovi.

Bon Jovi: La Frustración

Bon Jovi Argentina 2013 Lentes

A  las 21:05hs comienza el concierto con “That’s What the Water Made Me”, de su último disco, donde se sintió una avalancha de mujeres desquiciadas abalanzándose como si intentaran tocarlo, lo cual obviamente era imposible. Ya en el siguiente tema tocaría “You Give Love a Bad Name”, palpitándose un momento de satisfacción después de lo vivido, hasta que Jon Bon Jovi lo interrumpe y pide que: nos calmemos, vayamos para atrás y no saltemos (todo bien, pero si vas a hacer un recital con campo no pidas que no salten, sino pone el campo VIP con entradas enumeradas y listo). Desde ese momento sufrí constantes acosos de fanáticas intentando llegar a la valla desenfrenadamente acompañandos por gritos expresados de la siguiente forma: “AHHHHHHHHH!”, obstaculizando poder escuchar a la banda. Parecía estar en medio de una manada de nenas de 15 años seguidoras de One Direction.

Sin embargo, no había mucho por perderse. Era un espectáculo con un sonido horroroso, donde a su artista principal se le notaba el esfuerzo constante para llegar a las notas con su voz. Incluso en la banda se sentía la poca coordinación y falta de espíritu.

Hablemos de los puntos altos de la noche… 1) Hubo buena onda con el público haciendo subir a 3 chicas para cantar; 2) Mmmm; 3) Ehhhh; 4)…

Definitivamente no hay nada para rescatar. Se nota la gran ausencia del resto de la banda principalmente de Richie Sambora, el cual le daba una vibra distinta al recital tan solo con su imagen.

Lamentablemente, estoy orgulloso de decir que me gustó Nickelback y avergonzado absolutamente de haber estado un día y medio esperando para ver a Bon Jovi, para la frustración que fue ver a Jon Bon Jovi como solista.

Luquitas Bonjo

PD: 0800-222-RICHIE, es el número de llamado a la solidaridad para que se reintegre a la banda y vuelva a ser BON JOVI.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Elton John

Elton John – Elton John (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Your Song: 10
  2. I Need You Turn To: 8
  3. Take Me to the Pilot: 8
  4. No Shoestring on Louise: 8
  5. First Episode at Hienton: 7.5
  6. Sixty Years On: 7
  7. Border Song: 8
  8. The Greatest Discovery: 7.5
  9. The Cage: 8
  10. The King Must Die: 8
  11. Bad Side of the Moon: 8
  12. Grey Seal: 8
  13. Rock N’ Roll Madonna: 8

Considerado como uno de los compositores más aclamados en la historia del pop moderno, Sir Elton John ha cosechado a lo largo de una carrera de más de cuarenta años, una numerosa cantidad de éxitos y hits que han permanecido en el inconsciente popular y que han recibido importantes elogios de la crítica.

Luego de Empty Sky de 1969, John editó al año siguiente un disco homónimo que gracias a “Your Song”, obtuvo el reconocimiento en los Estados Unidos, ya que el primer material se lanzaría allí en 1975. Mucho más focalizado, la dupla compositora que conformaba con Bernie Taupin tomaba cada vez más solidez. “Take Me to the Pilot”, si bien no contenía una letra profunda, los arreglos musicales hacían lo propio.

Enfocado en el piano, el instrumento por emblema de Elton John, el álbum cuenta con baladas, incluso ciertos condimentos de blues y temas más movidos como “Rock N’ Roll Madonna” que muestran la versatilidad de este gran artista.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Megadeth

Megadeth – Peace Sells… But Who’s Buying?… (1986)

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Megadeth - Peace Sells

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Wake Up Dead: 7,5
  2. The Conjuring: 7,5
  3. Peace Sells: 8
  4. Devil’s Island: 6
  5. Good Mourning/Black Friday: 5
  6. Bad Omen: 5
  7. I Ain’t Superstitious: 5
  8. My Last Words: 5

Un imprescindible del Metal de los ochenta, pero… ¿Hasta qué punto? Megadeth fue creado por Dave Mustaine luego de que lo expulsaran de Metallica. De hecho Mustaine es el único miembro original y fundador que sobreviviría a los sucesivos cambios de formación que sufriría la banda a lo largo de los años.

En el año 1985 llegaría su álbum debut Killing Is My Business… And Business Is Good! Un disco sin mucho éxito marcado por los problemas de producción y en el manejo presupuestario. Sin embargo, al año siguiente editarían Peace Sells… But Who’s Buying?…, uno de los trabajos más importantes de su carrera, que los llevaría a la popularidad por su éxito en ventas.

Sin embargo, Peace Sells… no es tan bueno como parece. Megadeth con Mustaine a la cabeza se encargan de hacer un trabajo oscuro en el que salen a reflotar su thrash metal, caracterizado por sus canciones multi-seccionadas. Esa es una cualidad positiva de la banda, sus temas varían en si mismos para intentar no ser tan tediosos y además suenan implacables técnicamente. Sin embargo, muchas veces el sonido es realmente hueco, muy hueco. Hacerse los malos con riffs brutales, velocidad y una estética apocalíptica no alcanza. Las melodías de Peace Sells… prácticamente no enganchan, por lo que sinceramente en un género como el thrash metal cuesta que las canciones sean distinguibles. Y las letras… son malísimas. Dave Mustaine como escritor de líricas diabólicas y de críticas políticas, es tan malo como Arjona haciendo letras románticas. Solo le veo futuro como guionista de películas de terror clase Z.

Con estos puntos de por medio, podemos dividir en dos partes a Peace Sells de acuerdo a su nivel. La primera desde mi punto de vista es la mejor. “Wake Up Dead” y “The Conjuring” arrancan bien el álbum como cortes de diferentes pasajes, en los que incluso se toman un tiempo para bajar un cambio. Luego está el clásico que comparte el mismo título que el disco caracterizado por su riff definido y una interpretación vocal de Mustaine en la que se preocupa más por decir sus líneas que en cantar, hasta que llega el estribillo y descontrol.

Ya en “Devil’s Island” la cosa empieza a ponerse fea, Megadeth comienza a ser repetitivo y vacío. Pero lo que sigue es peor, “Good Mourning/Black Friday” empieza como metal progresivo del bueno y termina como metal aparatoso y monótono del malo. Encima dura casi 7 minutos. “Bad Omen” también es flojo, se olvidan por completo de lo que es una melodía. El sonido de thrash metal es robótico y retumbante pero tonto. “I Ain’t Superstitious” es un cover totalmente transformado, el único momento en el que parece que hacen hard rock, pero luego se descontrola y vuelven a su mediocridad. Y finalmente “My Last Words” es un cierre a pura velocidad sin sentido.

No tengo nada contra Megadeth, se nota que los tipos tienen técnica, pero compositivamente hablando dejan bastante que desear. Por eso a Peace Sells, a pesar de ser señalado como el disco más importante de sus primeros años, lo encuentro mediocre y sumamente sobrevalorado.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Marilyn Manson

Marilyn Manson – Antichrist Superstar (1996)

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Marilyn Manson - Antichrist Superstar (1996)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Irresponsible Hate Anthem: 8
  2. The Beautiful People: 9,5
  3. Dried Up, Tied and Dead to the World: 8,5
  4. Tourniquet: 9
  5. Little Horn: 7
  6. Cryptorchid: 8
  7. Deformography: 7,5
  8. Wormboy: 8
  9. Mister Superstar: 8,5
  10. Angel with the Scabbed Wings: 8,5
  11. Kinderfeld: 8,5
  12. Antichrist Superstar: 8
  13. 1996: 7
  14. Minute of Decay: 9
  15. The Reflecting God: 8,5
  16. Man That You Fear: 8,5

Satánico, controvertido, hostil, provocador, malévolo, intenso, agresivo son algunos de los adjetivos con los que podemos describir al personaje creado por el oriundo de Ohio,  Brian Hugh Warner mejor conocido como Marilyn Manson (nombre artístico formado a partir de los nombres de la actriz Marilyn Monroe y del asesino Charles Manson).

De formación religiosa se graduó en 1990 como periodista, lo cual le permitió realizar sus primeros contactos con la música. Comenzó a tocar en pequeñas locaciones de Florida con tan solo 20 años bajo el nombre de Marilyn Manson & the Spookie Kids, en una de esas presentaciones cautivó a nada más y nada menos que el vocalista de Nine Inch Nails Trent Reznor quien se ocupó de la producción del primer álbum de la banda en el año de 1994 titulado Portrait of an American Family.

Manson comenzaría a captar la atención del gran público gracias al éxito de su versión del cover de Eurythmics “Sweet Dreams (Are Made of This)” incluido en su segundo trabajo que se trato de un EP en este caso Smells Like Children (1995), aunque sería su segundo larga duración Antichrist Superstar el que lo convertiría en un artista trascendente en todo el mundo.

Antichrist Superstar registra una mejora substancial comparándolo con su disco debut. La banda suena consistente demostrando su versatilidad tanto para piezas de rock industrial, metal progresivo, new wave, rock gótico, todo esto condimentado por la voz demoníaca de Manson que le aporta un único a su sonido.

“The Beautiful People”, “Tourniquet”, “Irresponsible Hate Anthem”, “Mister Superstar”, “Minute of Decay”, son los temas más representativos de la obra de este auspicioso álbum que se convirtió en un verdadero suceso en ventas en su época con ventas que superan los siete millones de copias a nivel mundial, logrando su objetivo gracias a su figura y su música llamar la atención del público.

Aunque no fue todo rosas para Manson por ese entonces, numerosas protestas de grupos religiosos como la “American Family Association” lo señalaron como el anti cristo y protestaban en cada una de sus apariciones en público. Sobre lo que causa en sus detractores Marilyn sostenía lo siguiente en una entrevista de hace algunos años: “Hace unos años atrás cada vez que un chico hacía algo terrible en Estados Unidos era mi culpa… Se ha convertido como mi vida personal. Como un ser humano, yo era culpado por todo. Todo era mi culpa. Me convertí en un magneto para cosas malas también en la vida real. Una serie de sólo catástrofes me sucedieron. Nada bueno. Afortunadamente un tiempo después los americanos se olvidaron de mi.”

F.V.

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Boston

Boston – Boston (1976)

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Boston - Boston (1976)

Puntaje del Disco: 9

  1. More Than a Feeling: 10
  2. Peace of Mind: 9,5
  3. Foreplay/Longtime: 8,5
  4. Rock & Roll Band: 8,5         
  5. Smokin’: 8,5
  6. Hitch a Ride: 8
  7. Something About You: 7,5
  8. Let Me Take You Home Tonight: 8

Boston es una banda estadounidense proveniente de…uh…Boston, fundada en 1969 y que se encargó se popularizar el estilo conocido como Boston Sound (¿Qué no podían tener más imaginación con las nomenclaturas?), un tipo de Hard Rock, bombástico pero a la vez técnicamente intrincado, con elementos de música clásica implícitos y una exquisita aplicación  de guitarras armonizadas.

El líder fundador e intelectual de esta banda es el ingenioso Tom Scholz, un ingeniero del MIT, perfeccionista por naturaleza y altamente capacitado en técnicas de producción y la elaboración de equipos musicales (consolas, amplificadores, etc) que el mismo utilizó para la creación de sus trabajos.  Uniendo a sus filas al versátil vocalista Brad Delp, Scholz obtuvo un contrato para lanzar su disco de debut, titulado…bueno, ya se imaginan.

Boston consiste en ocho cortes, basados en demos que Scholz venía trabajando desde hace años atrás (líricamente y musicalmente, ya que este hombre prácticamente tocó todos los instrumentos), como he mencionado antes, son canciones enérgicas cuyos deliciosos riffs de guitarra llaman la atención desde un principio.

El disco es muy equilibrado, con varios hits, dejando poco espacio para relleno. De entre las canciones tenemos a la potente “More Than a Feeling”, seguida de “Peace of Mind” igualmente rockera, “Foreplay/Longtime” rompe un poco con la tendencia metiendo un escandaloso intro experimental  que recuerda la música progresiva que hacia Yes en esos tiempos. El nivel no decae aun, ya que en “Rock & Roll Band” se mantiene la explosividad y la pegajosa “Smokin’” tiene de que hablar con sus sintetizadores. Al final quizás baja un poco el nivel, pero siguen siendo canciones decentes.

Boston se convirtió en uno de los principales exponentes del FM Rock (rock hecho para transmitirse por la radio), todavía podemos seguir escuchando los hits de la banda en estaciones de radio. Igualmente el éxito comercial fue enorme, convirtiéndose en el segundo álbum de debut más vendido en los Estados Unidos (Titulo que actualmente lo tiene Appetite por Destruction de Gun’s N’ Roses) y actualmente va pegándole a la cifra de 20 millones de copias vendidas.

Gera Ramos

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Donovan

Donovan – A Gift from a Flower to a Garden (1967)

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Donovan - A Gift from a Flower to a Garden

Puntaje del Disco: 9

  1. Wear Your Love Like Heaven: 9,5
  2. Mad John’s Escape: 9
  3. Skip-A-Long Sam: 9
  4. Sun: 9,5
  5. There Was A Time: 8,5
  6. Oh Gosh: 8,5
  7. Little Boy In Corduroy: 8
  8. Under The Greenwood Tree: 8,5
  9. The Land Of Doesn’t Have To Be: 9
  10. Someone’s Singing: 9
  11. Song Of Naturalist’s Wife: 8,5
  12. The Enchanted Gypsy: 8
  13. Voyage Into Golden Screen: 8
  14. Isle of Islay: 9
  15. The Mandolin Man And His Secret: 7,5
  16. Lay Of The Last Tinker: 7,5
  17. The Tinker And The Crab: 9
  18. Widow With Shawl (A Portrait): 9
  19. The Lullaby Of Spring: 8,5
  20. The Magpie: 8
  21. Starfish-On-The-Toast: 8,5
  22. Epistle To Derroll: 9,5

Donovan Leitch es un cantautor escocés que surgió a mediados de los 60 como “la respuesta británica a Bob Dylan” aunque después de sacar algunos discos imitando a su gran mentor, Donovan logró quitarse esa etiqueta tan pesada y se inclinó por el rock psicodélico convirtiéndose en uno de los impulsores de este género.

A Gift From A Flower To A Garden es su quinto trabajo y uno de los más aclamados de su carrera. Este álbum doble está divido en dos partes, la primera está compuesta por canciones pop donde Donovan está acompañado por una banda mientras que la segunda se compone de temas acústicos. En Estados Unidos el disco salió dividido en dos LPs distintos, la primera parte como “Wear Your Love Like Heaven” y la segunda como “For Little Ones”.

En la primera parte Donovan logra combinar de una forma muy interesante el jazz, el folk y el rock psicodélico. Esto sumado a las buenas melodías hace que temas como “Wear Your Love Like Heaven”, “Sun” o “Someone’s Singing” (con Jack Bruce al bajo) se conviertan en verdaderos clásicos de la carrera del músico escocés. Pero esto no quiere decir que los otros temas sean prescindibles, todo lo contrario, los diez cortes que componen esta parte del disco son realmente excelentes y todos juntos funcionan como una muy buena pieza musical uniforme.

La segunda parte del disco está compuesta por doce canciones infantiles que Donovan interpreta solo con su guitarra  o banjo. Acá se pierde ese sonido hipnótico logrado en la primera parte, pero no por eso se pierde la calidad que el disco venía teniendo. Las melodías infantiles que presentan las canciones pueden que no resulten atractivas al principio, pero después de varias escuchadas resultan igual de encantadoras que las de la primera parte. Esto se puede encontrar sobre todo al final del disco con temas como “Widow With Shawl” y sobre todo con la extensa “Epistle To Derroll”.

Si bien A Gift From A Flower To A Garden no resultó tan popular como otros trabajos de Donovan, hoy en día es considerado como una de sus mejores obras. Personalmente creo que A Gift es lo mejor que Donovan puede ofrecernos, es una síntesis de todo lo que venía haciendo y la calidad que aquí muestra no se puede encontrar en sus trabajos posteriores.

Martin

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Sly & The Family Stone

Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)

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Sly & The Family Stone - There's a Riot Goin' On

Puntaje del Disco: 10

  1. Luv N’ Haight: 8,5
  2. Just Like a Baby: 10
  3. Poet: 9
  4. Family Affair: 10
  5. Africa Talks To You «The Asphalt Jungle»: 10
  6. Brave and Strong: 8
  7. (You Caught Me) Smilin’: 9,5
  8. Time: 7,5
  9. Spaced Cowboy: 7
  10. Runnin’ Away: 9
  11. Thank You For Talkin’ To Me Africa: 9

Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone).

Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular.

Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres. Por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.

Empezando la crítica a este disco, es sin duda uno de los mejores álbumes que escuché en toda mi vida. Es el mejor disco de funk. Al principio fue muy criticado porque la gente no estaba acostumbrada a escuchar su sonido, pero luego fue ampliamente elogiado y frecuentemente publicado en la lista de los mejores discos jamás creados. Sus sonidos están plagados y llenos de melodías, técnicas de producción sutiles, composiciones discordantes, vibraciones, todo un clásico. Las canciones mas destacadas son «Just Like a Baby»,»Family Affair» (La mejor canción del álbum), «Africa Talks To You «The Asphalt Jungle»», y para terminar tenemos el single «Runnin’ Away» y la excitante «Thank You For Talkin’ To Me Africa».

La banda permaneció activa en dos etapas. La primera, sin duda mucho más conocida, coincidió con sus años dorados y duró 9 años, desde 1967 hasta 1975, durante los cuales publicó 7 discos. La segunda, que se desarrolla desde 1975 hasta 1983, incluye 4 discos y fue protagonizada, exclusivamente, por Sly Stone, mientras que el resto de integrantes de la banda habían sido, bien sustituidos y relegados a un plano secundario.

Toto

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Sly & The Family Stone

Sly & The Family Stone – There’s a Riot Goin’ On (1971)

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Sly & The Family Stone - There's a Riot Goin' On

Puntaje del Disco: 10

  1. Luv N’ Haight: 8,5
  2. Just Like a Baby: 10
  3. Poet: 9
  4. Family Affair: 10
  5. Africa Talks To You «The Asphalt Jungle»: 10
  6. Brave and Strong: 8
  7. (You Caught Me) Smilin’: 9,5
  8. Time: 7,5
  9. Spaced Cowboy: 7
  10. Runnin’ Away: 9
  11. Thank You For Talkin’ To Me Africa: 9

Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone).

Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular.

Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres. Por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.

Empezando la crítica a este disco, es sin duda uno de los mejores álbumes que escuché en toda mi vida. Es el mejor disco de funk. Al principio fue muy criticado porque la gente no estaba acostumbrada a escuchar su sonido, pero luego fue ampliamente elogiado y frecuentemente publicado en la lista de los mejores discos jamás creados. Sus sonidos están plagados y llenos de melodías, técnicas de producción sutiles, composiciones discordantes, vibraciones, todo un clásico. Las canciones mas destacadas son «Just Like a Baby»,»Family Affair» (La mejor canción del álbum), «Africa Talks To You «The Asphalt Jungle»», y para terminar tenemos el single «Runnin’ Away» y la excitante «Thank You For Talkin’ To Me Africa».

La banda permaneció activa en dos etapas. La primera, sin duda mucho más conocida, coincidió con sus años dorados y duró 9 años, desde 1967 hasta 1975, durante los cuales publicó 7 discos. La segunda, que se desarrolla desde 1975 hasta 1983, incluye 4 discos y fue protagonizada, exclusivamente, por Sly Stone, mientras que el resto de integrantes de la banda habían sido, bien sustituidos y relegados a un plano secundario.

Toto

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