Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

LCD Soundsystem

LCD Soundsystem – This Is Happening (2010)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dance Yrself Clean: 8
  2. Drunk Girls: 8,5
  3. One Touch: 7
  4. All I Want: 9
  5. I Can Change: 8,5
  6. You Wanted a Hit: 9
  7. Pow Pow: 9
  8. Somebody’s Calling Me: 8
  9. Home: 8,5

El genial y muy elogiado Sound of Silver (2007) dejo una vara tan alta de superar o al menos de emular para James Murphy que su siguiente paso no iba a ser algo fácil, cualquier movimiento que haga podría ser considerado inferior. Por lo que en el tercer trabajo de LCD Soundstystem no intento hacer algo dramáticamente distinto. This Is Happening, grabado el curso de 2009 y principios del este año, finalmente dio a la luz en Mayo de 2010.

Debido a la cantidad de grabaciones piratas del disco antes de su lanzamiento, Murphy les suplico a sus fanáticos en un concierto en Nueva York que esperen al lanzamiento oficial para eso: “Si tienen una copia prematura del disco y quieren compartirla con el mundo por favor no lo hagan… Pasamos dos años haciéndolo y queremos sacarlo cuando nosotros queramos. No me importa la plata, después de que se edite pueden hacer compartirlo como quieran”.

En This Is Happening Murphy exhibe una vez mas su conocimiento enciclopédico de post-punk y música electrónica, en el fondo continua sintiéndose como un productor y su producción de alto nivel revela que es el mejor en este genero. Desde distintas texturas de sintetizadores, golpes secos de tambores, y otros trucos que traen vida a las canciones hasta la manera en que hace sonar a la banda como si fuera en vivo cuando es solo el.

En todo el album no se evidencian búsquedas de hits desesperadas, “You Wanted a Hit”, una de las mejores del álbum lo explica claramente: “You wante  it a hit, but maybe we dont make hits”. Tampoco existe una búsqueda de asumir riesgos y agregar elementos al sonido del grupo. La canción que más se asemeja a un hit es el electro punk “Drunk Girls” donde Murphy examina los comportamientos de las chicas borrachas. “All I Want” es casi un homenaje a David Bowie y Brian Eno con un similar riff de guitarras a “Hereos”. La melancólica “Somebody’s Calling Me” es otro punto fuerte que se asemeja bastante a una pieza de jazz.

El disco confirma que Murphy continua expandiéndose como compositor “I Can Change”, que habla de cómo las personas pueden cambiar para enamorar a alguien y “Pow Pow” nos deja en claro que diferentes formas de vida tienen sus propios méritos, siempre y cuando no están llenas de autoengaño. En sus primeros discos podía sonar como que a Murphy no le interesaba tanto como cantaba o en las letras. Pero con este trabajo confirma que es un buen cantante y que creció mucho en la faceta compositiva.

This Is Happening no alcanza la altura monumental de Sound of Silver, pero no deja dudas que LCD Soundsystem es una de las bandas mas excitantes, originales e interesantes en toda la década.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
The Morning Benders

The Morning Benders – Big Echo (2010)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Excuses: 9
  2. Promises: 8,5
  3. Wet Cement: 8
  4. Cold War (Nice Clean Fight): 8
  5. Pleasure Sighs: 9,5
  6. Hand Me Downs: 8,5
  7. Mason Jar: 8,5
  8. All Day Day Light: 8
  9. Stitches: 8,5
  10. Sleeping In: 7

La revolución del Indie ha desencadenado la aparición incesante de una nueva oleada de grupos muy interesantes en los últimos años. The Morning Benders es una de esas nuevas bandas que poco a poco se está haciendo un lugar en el mundo.

En su álbum debut Talking Through Tin Cans ya habían demostrado de lo que eran capaces. Pero se auto superarían con su segundo disco, una de las revelaciones del 2010: Big Echo.

Big Echo contó con la colaboración en producción de Chris Taylor, bajista de Grizzly Bear, que justamente fue una de las bandas sensación del año pasado. Con su ayuda la banda liderada por Chris Chu (quien compuso todas las canciones), confeccionaría un álbum integrado de canciones pop muy prolijas, con melodías más bien alegres y/o atmosféricas, que recuerdan a los Beach Boys en cierto punto. Dentro de estos parámetros “Excuses” es un claro hit.

Pero los Benders también abordan territorios más cautos y oscuros alcanzando su clímax compositivo en la espectacular “Pleasure Sighs”. Justamente este gran tema marca una especie de quiebre entre sus canciones más iluminadas como “Promises”, respecto de los más sombrías (y más atractivas desde mi punto de vista) como “Hand Me Downs”, “Mason Jar” y “Stitches”.

No hay puntos negativos para marcar. Big Echo es un gran álbum, sobretodo para un grupo joven que promete mucho a futuro.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Stone Temple Pilots

Stone Temple Pilots – Stone Temple Pilots (2010)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Between The Line: 9
  2. Take A Load Off: 8.5
  3. Huckleberry Crumble: 9
  4. Hickory Dichotomy: 8
  5. Dare If You Dare: 7.5
  6. Cinnamon: 8.5
  7. Hazy Daze: 7.5
  8. Bagman: 7.5
  9. Peacoat: 8
  10. Fast As I Can: 8
  11. First Kiss On Mars: 8.5
  12. Maver: 7.5

Muchas cosas pasaron desde el 2001, año del último disco editado por Stone Temple Pilots. Después de atravesar momentos difíciles por su adicción a las drogas, el vocalista Scott Weiland retomó su lugar para grabar “Shangri-Le Dee Da”, un disco que lejos estaba de lo espléndido que la banda había mostrado durante la década del noventa. Luego vino un disco de grandes éxitos y un nuevo estancamiento de la banda entre 2003 y 2008, tiempo durante el cual Weiland integró The Velvet Revolver.

Finalmente y tras sortear ciertos obstáculos legales que la discográfica Atlantic Records le demandaba al grupo, en Mayo de 2010 se lanzó el disco homónimo de STP. Haciendo el camino inverso a la mayoría de las agrupaciones, esta vez los norteamericanos optaron por nombrar a su último material simplemente como ellos. Tal vez a modo nostálgico o tal vez para simbolizar un nuevo comienzo.

A diferencia de los predecesores, este disco se aparta un poco del grunge de “Core” o de los sonidos más psicodélicos de “Purple”, para adentrarse en los años 60 y 70. Mucha influencia de Bob Dylan y diversas bandas de aquellos años dan forma a este buen “disco reencuentro”. “Between The Line”, en palabras del propio guitarrista Robert DeLeo, tuvo notorias inspiraciones en The Animals y The Zombies. O también como en el caso de “Cinnamon” que surgió como una combinación del Brit Pop y Joy Division, de acuerdo a Weiland.

Con esa línea de imitar lo mejor de los sesenta y setenta para adaptarlo a los sonidos actuales, el álbum mantiene siempre un mismo estilo que en términos generales constituyen una sólida base de rock. Scott Weilard, recuperado de las drogas y con la producción de Brendan O’Brien, Stone Temple Pilots logró reinventarse. Varios temas se destacan como “Huckleberry Crumble” y el mencionado “Cinnamon”, aunque el resto de las canciones no desentonan como “Fast As I Can” o “First Kiss on Mars”. Una versión Deluxe se lanzó que incluyó cuatro temas entre los que se encuentra una versión en vivo de “Vasoline”.

Probablemente sea excesiva la valoración de “STP” y particularmente deba revisar lo publicado acerca de “Purple”, pero este nuevo disco realmente mostró un importante cambio y evolución de una banda que supo ser una de las más reconocidas de la década de los noventa. Aunque la banda no plantea algo novedoso, lo es para ellos, que lograron inspirarse en sus ídolos de antaño para darnos este gran disco que esperemos, sea el inicio de una nueva etapa para Stone Temple Pilots.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)
Rob Zombie

Rob Zombie – Hellbilly Deluxe 2 (2010)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Jesus Frankenstein: 9
  2. Sick Bubble-Gum: 8
  3. What?: 9,5
  4. Mars Needs Women: 7,5
  5. Werewolf, Baby!: 7,5
  6. Virgin Witch: 8,5
  7. Death and Destiny Inside the Dream Factory: 8,5
  8. Burn: 8,5
  9. Cease to Exist: 7,5
  10. Werewolf Women of the SS: 8
  11. The Man Who Laughs: 8,5

A cuatro años de su último álbum de estudio (Educated Horses, 2006), Rob Zombie lanzó el 2 de febrero del 2010 Hellbilly Deluxe 2, un disco secuela de su primer producción como solista: Hellbilly Deluxe, de 1998.

Rob Zombie, ya todos lo sabemos, es una persona… inquieta. Espeluznantemente inquieta. Luego de haber lanzado cuatro discos como líder de White Zombie y otros tres como solista, incursionando en lo más puro del metal pesado e industrial, y de haber dirigido cuatro films (¡y dos más aún sin estrenar!) que se adentran en las más oscuras profundidades del terror, queda claro qué podemos esperar de Hellbilly Deluxe 2: guitarras distorsionadas, monstruos, apariciones maliciosas, y sobre todo… «jevi metal».

Sin embargo, el álbum no deja de sorprender. La delicada tenebrosidad de los acordes de John 5 (ex-guitarrista de Marilyn Manson), el abismo de sonidos que ejecuta el bajista Piggy D. (también guitarrista de Wednesday 13) y el pesado acompañamiento de la batería de Tommy Clufetos (quien colaboró con Ted Nugent y Alice Cooper) ya se habían fusionado con la voz de Rob Zombie en las giras por Estados Unidos, pero es la primera vez que graban algo juntos. Y el resultado final es admirable. No sólo continúa con la temática del Cine B de terror (el álbum está poblado de vampiresas en bikinis, hombres lobo, mujeres lobo nazis, brujas vírgenes e, incluso, un Jesús Frankenstein), sino que Rob Zombie ha decidido dar un paso adelante y experimentar con nuevas sonoridades.

En efecto, el último tema del disco, “The Man Who Laughs”, presenta un prolongado solo de percusiones, dura tres veces más que el resto de las canciones, y es bastante ambicioso. Y está muy bien que Rob Zombie, a pesar de tener sus buenos añitos en la industria y un selecto pero constante séquito de fanáticos, siga teniendo búsquedas creativas.

También merece un párrafo aparte el genial “What?”, primer sencillo del álbum, que promete ser un nuevo clásico. Sin duda es de lo mejorcito del disco, y probablemente también lo más comercial.

Hellbilly Deluxe 2 será una experiencia diferente para los seguidores Rob Zombie, y una interesante y divertida para los no iniciados.

La curiosidad: “Werewolf Women of the SS” lleva el mismo título que un avance cinematográfico ficticio que Rob Zombie filmó para la película Grindhouse, de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez.

Barba

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(Votos: 0 Promedio: 0)
The Bravery

The Bravery – The Sun and the Moon (2007)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Intro: –
  2. Believe: 8
  3. This Is Not the End: 7
  4. Every Word Is a Knife in My Ear: 9
  5. Bad Sun: 7
  6. Time Won’t Let Me Go: 8,5
  7. Tragedy Bound: 5
  8. Fistful of Sand: 6
  9. Angelina: 6,5
  10. Split Me Wide Open: 7,5
  11. Above and Below: 7,5
  12. The Ocean: 7

Para su esperado segundo trabajo The Bravery, uno de los grupos Indie que apareció con más fuerza en la década pasada,  enfocaría su música hacia un estilo distinto, incorporando nuevos sonidos en algunos casos con resultado poco convincente.

Así se engendraría The Sun and The Moon (2007) producido por el americano Brendan O’Brien, conocido en el ambiente alternativo de ese país, se edito primero en Estados Unidos en Mayo del 2007 y dos meses mas tarde en el Reino Unido.

El disco debuto en Estados Unidos vendiendo buena cantidad de discos gracias al suceso en las radios alternativas de su primer sencillo “Time Won’t Let Me Go”.El grupo se embarcaría en una gira por ese país siendo teloneros de Incubus y The Smashing Pumpkins y para fines del año ya con shows propios.

Desde la ceremonial “Intro” The Sun and The Moon pasa por subidas y bajadas “Believe”, “Every Word Is a Knife in My Ear” y “Time Won’t Let Me Go” son canciones alternativas pero bastante pegadizas, por otro lado algunos temas desconciertan por su poca calidad especialmente “Tragedy Bound”. En la parte final del disco aparece el momento “The Cure” del disco donde el cantante Sam Endicott se viste de Robert Smith con resultados interesantes especialmente en “Split Me Wide Open” y la acústica “The Ocean”. La crítica lo recibió con críticas mixtas pero fue bastante benevolente con The Bravery considerándolo una caída respecto a su primer trabajo pero no tan estrepitosa como la de sus contemporáneos Kaiser Chiefs, Bloc Party y Editors, apreciación que en particular no comparto la de The Bravery es más estrepitosa.

En 2008 el grupo reedito The Sun and the Moon con un segundo álbum de las canciones refrescadas por Sam Endicott, con una orientación mas electrónica mejorando algunas canciones como “Believe” y “This Is Not the End” pero enturbiando otras, sin embargo es una búsqueda interesante no solo para sus seguidores sino para ampliar el alcance de su música.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Travis

Travis – The Man Who (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Writing to Reach You: 9
  2. The Fear: 7.5
  3. As You Are: 7
  4. Driftwood: 8
  5. The Last Laugh of the Laughter: 8.5
  6. Turn: 8
  7. Why Does It Always Rain on Me?: 9
  8. Luv: 7
  9. She’s So Strange: 7.5
  10. Slide Show: 7.5

Habiéndose dado a conocer con canciones como “All I Want To Do Is Rock” y “Tied to the 90’s” del disco “Good Feeling”, Travis consiguió cierto reconocimiento de parte de la crítica y había confirmado su intención de continuar con el legado del Brit Pop. Dos años después su siguiente álbum sería un punto muy importante para los británicos, alcanzando en número uno de los ranking en la Gran Isla.

Al principio “The Man Who” no tuvo un agradable recibimiento ya que el estilo se aparta bastante de esos sonidos estridentes del primer disco. En esta oportunidad Travis toma las guitarras acústicas como estandarte para crear un ambiente más relajado e ideal para tener como fondo. Aunque el cambio fue radical, Fran Healy y compañía acertaron con esta nueva experiencia. Incluso a medida que los temas sonaban en las radios con hits como “Why Does It Always Rain on Me?”, los críticos debieron cerrar la boca y apreciar que estaban frente a un gran material. Quizás los fanáticos se hayan sentido decepcionados, pero deben reconocer la clara evolución de la banda.

Varios buenos temas se desprenden del disco, como el primer corte “Writing to Reach You”, basada en los acordes de “Wonderwall” de Oasis. Tan notoria es la influencia y la idolatría hacia la banda de los Gallagher, que Travis tuvo el privilegio de acompañar en la gira por los Estados Unidos. “The Last Laugh of the Laughter” es otro de los grandes hits del disco, así como “Turn” en la cual las guitarras eléctricas son retomadas nuevamente. El resto del disco continúa con esa onda de alucinación y relajación, como en “She’s So Strange” y “Slideshow”.

“The Man Who” se convirtió en el álbum más vendido en 1999 y ganó como mejor producción en los Brit Awards de 2000, premiando también a Travis como banda del año.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Captain Beefheart & The Magic Band

Captain Beefheart & The Magic Band – Safe as Milk (1967)

4 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Sure ‘Nuff ‘N Yes I Do: 8,5
  2. Zig Zag Wanderer: 8,5
  3. Call On Me: 8
  4. Dropout Boogie: 9
  5. I’m Glad: 8,5
  6. Electricity: 10
  7. Yellow Brick Road: 8
  8. Abba Zaba: 8,5
  9. Plastic Factory: 8
  10. Where There’s Woman: 8
  11. Grown So Ugly: 7,5
  12. Autumn’s Child: 8

Parece mentira. Cuando estaba por publicar la revisión de este muy bueno disco, me enteré la dolorosa noticia de que Captain Beefheart falleció ayer en California a la edad de 69 años debido a una complicación de una esclerosis múltiple.

Al igual que su amigo Frank Zappa, Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, fue sin dudas uno de los músicos más extravagantes e innovadores de los sesenta. No solo por su faceta experimental, sino también porque estaba dotado de una voz muy particular, simultáneamente extraña, estruendosa y versátil.

Junto a su grupo “The Magic Band” lanzarían en plena época psicodélica su álbum debut: Safe as Milk, el cual analizaremos a modo homenaje.

Beefheart en Safe as Milk desentraño un espeluznante rock psicodélico, provisto de su comportamiento extraño y del avant garde que lo caracteriza. Sin embargo, es un disco accesible comparado con otros de sus trabajos o del mismo Frank Zappa.

En principio, todas las canciones del álbum son más bien de blues/rock y en su conjunto conforman un disco bastante sólido, sin puntos flojos. De todas formas hay un par de temas que se salen del molde. “Electricity” es un tremendo clásico freak por la voz de Beefheart mostrando su variabilidad y sus delirantes arreglos. Años más tarde Sonic Youth haría un cover del mismo. “Dropout Boogie” es otro de los más bizarros y destacados, con su excelente riff y su singular interpretación. Después podemos encontrar canciones que realmente rockean como “Sure ‘Nuff ‘N Yes I Do” y “Zig Zag Wanderer”. Además tenemos una estupenda balada paródica como “I’m Glad”.

Safe as Milk sería solo el inicio de su extensa y exitosa carrera. Tus fans y amantes del rock siempre te recordaran. Rest In Peace Captain…

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 5)
Massive Attack

Massive Attack – Mezzanine (1998)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Angel: 9
  2. Risingson: 8
  3. Teardrop: 10
  4. Inertia Creeps: 9
  5. Exchange: 8,5
  6. Dissolved Girl: 9,5
  7. Man Next Door: 7,5
  8. Black Milk: 7,5
  9. Mezzanine: 8,5
  10. Group Four: 8
  11. (Exchange): 8

En el tercer trabajo de Massive Attack, Mezzanine (1998), el trío de Bristol abandono su influencia de del Jazz y Soul, presente en sus dos primeros álbumes, para abrazar sonidos oscuros, densos y saturados de guitarras que han acabado marcando sus sucesivas producciones hasta la actualidad. Significo un punto de inflexión tanto en lo musical, que desencadeno en el alejamiento de Andrew Vowles una vez finalizada la gira de presentación del álbum, debido en gran parte a que no acababa de asumir el nuevo cariz que había tomado el grupo, como en popularidad, fue el trabajo que los acerco en gran medida al gran público.

Mezzanine fue el álbum más exitoso de Massive Attack, colocándose primero en las listas de ventas británica y australiana, y además fue aclamado por la crítica especializada, la cual se encargó de encumbrar el disco, calificándolo como una joya musical y su mejor trabajo hasta ese momento. Personalmente es su disco que mas disfruto escuchar, con un sonido inquietante pero a la vez cálido, envolvente y con unas letras muy destacables. Tiene algo mágico que envuelve en armonías el ambiente.

Mezzanine abre con todo con un tamazo como “Angel” con la voz de Horace Andy, envuelta en un guitarreo estridente y repitiendo hasta la saciedad “To love you, love you, love you, love you…”. Poco después aparece “Teardrop”, un verdadero clásico de la banda y de la década del noventa, con la cautivante voz de Elizabeth Fraser haciendo estragos. Inmediatamente después “Inertia Creeps” incorpora una melodía con reminiscencias árabes que le da un toque exótico y diferenciador al resto del tracklist. La instrumental “Exchange” no desentona para nada y la densa “Dissolved Girl”, con un solo de guitarra inedito para Massive Attack hasta el momento, completa un listado de temas que no desentona en ningún pasaje del disco.

Lo más sustancioso del sonido de Mezzanine, además del cambio de enfoque que la banda tomaría de aquí en adelante, es que aún hoy a doce años de su edición se escucha como si hubiera sido grabado dos meses antes.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Buffalo Springfield

Buffalo Springfield – Buffalo Springfield Again (1967)

1 comentario

Puntaje del Disco: 9

  1. Mr. Soul: 9
  2. A Child’s Claim To Fame: 8.5
  3. Everydays: 7
  4. Expecting To Fly: 8.5
  5. Bluebird: 9
  6. Hung Upside Down: 7.5
  7. Sad Memory: 7
  8. Good Time Boy: 8
  9. Rock & Roll Woman: 9
  10. Broken Arrow: 8.5

“For What It’s Worth” fue el hit que le sirvió a Buffalo Springfield como presentación. El disco debut, además de contener aquel clásico, era un material de gran calidad, con canciones muy sólidas. Este auspicioso primer trabajo daba la pauta que los sesenta estaba en presencia de lo que sería una excelente banda. Sin embargo, todo el potencial que Young, Stills y compañía sólo explotaría con dos álbumes más, especialmente con “Buffalo Springfield Again”, el segundo disco de 1967.

Las condiciones de grabación no fueron las mejores; mientras Young se ausentaba constantemente, el bajista Bruce Palmer pasó bastante tiempo detenido por tenencia de drogas, con lo que la banda debió recurrir a diversos músicos para reemplazarlo, y en ocasiones, no hubo dicho reemplazo. A pesar de todo, la enorme estirpe de estos artistas permitió que la banda lograse un muy buen disco. Aunque con ciertos matices diferentes, la producción mejoró al debut.

Sin obtener el reconocimiento que tuvo “For What It’s Worth”, varias canciones merecen ser destacadas. Neil Young aportó lo suyo con “Mr. Soul” un tema netamente rockero cuyo riff tuvo denuncias por su parecido con “(I Can’t Get No) Satisfaction” de sus Majestades Satánicas. El canadiense también dejó su huella con “Expecting to Fly” y “Broken Arrows”, dos magníficas piezas en las que la banda explora un aspecto más psicodélico con letras surrealistas.

Stephen Stills, por su parte, compuso “Bluebird” y “Rock & Roll Woman”, de clásica estirpe folclórica rockera. “Hung Upside Down” no está mal, pero no llega al nivel de los temas antes mencionados. Por último, sin tanto alboroto, Richie Furay se animó a componer y dejó la exquisita “A Child’s Claim To Fame”.

Buffalo Springfield se apartó de la regla del segundo disco, consolidando un estilo que ya habían mostrado en el debut y dejando un gran material de finales de los sesenta llenos de temas que merecían un mayor reconocimiento.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)
Paul McCartney

Paul McCartney & Wings – Red Rose Speedway (1973)

2 comentarios

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Big Barn Bed: 8
  2. My Love: 8,5
  3. Get On The Right Thing: 8,5
  4. One More Kiss: 8
  5. Little Lamb Dragonfly: 9,5
  6. Single Pigeon: 8,5
  7. When The Night: 8
  8. Loup (1st Indian On The Moon): 7,5
  9. Medley: Hold Me Tight/Lazy Dynamite/Hands of Love/Power Cut: 9

Tomemos a este disco como el verdadero primer álbum de los Wings. Wild Life sin ser malo fue decepcionante para la banda. Paul McCartney parecía simplemente ausente como si fuera un fantasma. Esto muestra su importancia. En Red Rose Speedway su figura predominante resucita, para terminar de darle vida a este proyecto llamado Wings, que hasta entonces parecía una simple excusa.

Red Rose Speedway nos demuestra nuevamente lo buen compositor que es McCartney, quien recupera su nivel en forma considerable, ofreciendo canciones pop de calidad, fieles a su marca registrada Beatle. Sin embargo, los temas de este disco por más buenos que sean nunca alcanzan el esplendor que había logrado en Ram. Esto puede dejar la impresión de que Red Rose Speedway sea solo otro muy buen álbum pop del montón. Pero a mi modo de ver no tiene desperdicio.

Posiblemente la canción más popular del disco sea “My Love”, una hermosa balada, tan romántica como cursi, dedicada a su esposa Linda. Pero no es lo único con que nos tenemos que quedar. “Little Lamb Dragonfly” es una admirable canción acústica y “Single Pigeon” es un precioso tema con piano. Además hay un fabuloso Medley compuesto por los fragmentos pop “Hold Me Tight”, “Lazy Dynamite”, “Hands Of Love” y “Power Cut”, que junto a la instrumental “Loup” dan señales de que Paul también exploraba sobre terrenos más progresivos.

En lo que queda de Red Rose Speedway seguimos encontrando temas irreprochables. McCartney, aunque no parezca democrático (vean la portada solo con su cara mostrando su primacía), nos garantiza melodías de primera y eso es lo que importa.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 3.7)