Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Coldplay – A Rush of Blood to the Head (2002)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Politik: 9
  2. In My Place: 8,5
  3. God Put a Smile upon Your Face: 9
  4. The Scientist: 9,5
  5. Clocks: 9,5
  6. Daylight: 8,5
  7. Green Eyes: 9,5
  8. Warning Sign: 8,5
  9. A Whisper:7,5
  10. A Rush of Blood to the Head: 7,5
  11. Amsterdam: 9

Luego del éxito y reconocimiento obtenido con Parachutes, Coldplay estaba ante la difícil tarea de revalidarlo en su segundo trabajo pero demostrarían que estaban a la altura para dar el despegue definitivo que los colocaría como la banda del momento, manteniendo el estilo mostrado en su primer trabajo pero con una calidad y canciones superiores.

A Rush of Blood to the Head fue publicado en Agosto del 2002 y de inmediato empezaron a sonar sin cesar varios singles notables como “In My Place”, “Clocks”, “God Put a Smile upon Your Face” y “The Scientist” que se converitirian en clasicos del grupo y más allá de estos temas tambien valen la pena otros que pasaron un poco más desapercibidos como las hermosas baladas “Green Eyes” y “Amsterdam”, y “Politik” que fue escrita por Chris Martin pocos días después de los atentados a las torres gemelas del 2001.

En A Rush Of Blood To The Head el grupo ha respondido a lo que se esperaba de ellos, dando un decisivo paso adelante en su evolución. Los cambios con respecto a su primer trabajo se manifiestan ya en el primer tema.

El disco recibiría innumerables reconocimientos ganó dos premios Grammy en el 2003 y fueron elegidos por los lectores de la revista Rolling Stone como mejor artista y álbum del año 2003 y los consolidaría como una de las bandas más grandes a nivel mundial.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 4.5)

Genesis – Nursery Cryme (1971)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Musical Box: 9,5
  2. For Absent Friends: 7,5
  3. The Return Of The Giant Hogweed: 8,5
  4. Seven Stones: 8
  5. Harold The Barrel: 8,5
  6. Harlequin: 8
  7. The Fountain Of Salmacis: 8

Genesis es uno de los más importantes grupos de rock progresivo que existieron. Su denominación hace referencia al primer nombre de la biblia.

Luego de sus trabajos iniciales, la banda comandada por el «caballero ingles» Peter Gabriel, incorporaría en sus filas al baterista Phil Collins y al guitarrista Steve Hacket, para hacer en 1971 su tercer disco, Nursery Cryme.

Nursery Crime es un disco que cuenta fantasías, historias totalmente descabelladas. El mismo está compuesto por 3 temas largos, o mejor dicho, épicos (algo muy común en todo álbum de rock progresivo). Dentro de este conjunto, la más representativa y espectacular es The Musical Box. Es un verdadero clásico que a pesar de durar más de 10 minutos es muy pasajero por su atmosfera única y excelentes cambios de ritmo, que se generan desde las guitarras acústicas iniciales hasta cuando explotan la guitarra eléctrica de Hackett y la batería de Collins. The Musical Box relata la historia de Henry y Cinthia que mientras se encontraban jugando al Crocket, la chica decapita a su amigo, luego el espíritu de Henry aparece en una caja musical y se materializa en alguien que envejece rápidamente, que solo tiene intensiones de saciar sus vicios sexuales con la chica. Una historia demasiado bizarra, la cual Gabriel interpretaba en vivo con la mascara de un viejo haciendo pasos obscenos. De hecho la portada del disco se inspira en está canción. En ésta se puede ver la joven sujetando un palo de crocket y las cabezas rodando en el terreno.

La siguiente suite es The Return Of The Giant Hogweed en el que se cuenta que un perejil gigante busca atacar y vengarse de la humanidad. La última épica es The Fountain Of Salmacis, la cual se vincula con la mitología griega y está relacionada con la historia de un hermafrodita.

Por otro lado, los otros cortes que forman parte de Nursery Cryme también valen lo suyo, sobretodo la Harold The Barrel, otra historia chifladísima. En ella se narra como un dueño de un restaurante se quiere tirar por la ventana luego de haber servido sus dedos en la hora del té, y como su madre y un señor tratan de convencerlo para que no lo haga.

Más haya de lo «enfermizos» que puedan resultar los cuentos de Nursery Cryme, es un disco recomendable, aunque no el mejor que elaboraron en su carrera.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 3 Promedio: 4.7)

Sonic Youth – EVOL (1986)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Tom Violence: 8,5
  2. Shadow of a Doubt: 9
  3. Star Power: 9
  4. In the Kingdom #19: 8,5
  5. Green Light: 9
  6. Death to Our Friends: 7,5
  7. Secret Girl: 8
  8. Marilyn Moore: 7,5
  9. Expressway to Yr. Skull: 8,5

Sonic Youth es una banda de rock alternativa y experimental formada en 1981 en Nueva York. Su sonido característico tan poco común y comercial para la época los ubicó como los pioneros en la escena del Noise Rock, que influyo notablemente al rock alternativo emergente de los años 90.

La primera formación del grupo incluía a Thurston Moore en guitarra y voz, Kim Gordon en bajo, Anna DeMarinis en teclados y Richard Edson en batería. Rápidamente DeMarinis y Edson dejarían de formar parte de la banda y serian reemplazados por dos actuales miembros: Lee Ranaldo y Steve Shelley.

EVOL (1986) inauguro una etapa decisiva del grupo donde empezaron a trabajar con una expresión de rock and roll un poco más convencional que sus dos anteriores trabajos (Confusion Is Sex y Bad Moon Rising) que fueron totalmente experimentales, canalizarían toda su sensibilidad en estructuras definidas y apuntarían hacia algo menos caótico y más elaborado. Para lograr este cometido fue fundamental el aporte del baterista Shelley que les dio otra estructura. Este disco fue el primero de una trilogía ascendente, tras él vinieron Sister y el aclamado Daydream Nation, que los ayudaría a entrar al mundo de los grandes sellos y la masividad.

En el disco no dejarían de aparecer las atmósferas oscuras típicas de Sonic Youth en temas como “Tom Violence”, “Shadow of a Doubt” y “Death to Our Friends”, “Starpower” y “Secret Girl” son dos momentos de lucimiento para Kim Gordon, “Green Light” es un muy buen tema que se convertiría en el primer tema pop de la banda y como cierre perfecto aparece el manifiesto «Expressway to Yr Skull».

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Oasis – Standing on the Shoulder of Giants (2000)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Fucking in the Bushes: 7
  2. Go Let It Out: 9
  3. Who Feels Love?: 9
  4. Put Yer Money Where Yer Mouth Is: 5
  5. Little James: 7
  6. Gas Panic!: 9
  7. Where Did It All Go Wrong?: 7,5
  8. Sunday Morning Call: 8
  9. I Can See A Liar: 6,5
  10. Roll It Over: 8

Luego de la «embriaguez» de Be Here Now, Oasis se encontraba en un estado de resaca. Según palabras textuales de Noel Gallagher, él se daría cuenta que no tenía material para seguir adelante. Fue entonces que decidió traer con Standing algo que ya existía.

En este trabajo Oasis se aleja de lo que venía realizando. En la búsqueda de un quiebre para retomar un sendero certero en su carrera, fusionó sonidos electrónicos con rock psicodélico propio de los años sesenta. A su vez para suplir los retiros de Guigsy y Bonehead, se incorporarían Andy Bell y Gem Archer en el bajo y la guitarra respectivamente, cuyo papel no sería tan importante como sí lo fue en los trabajos siguientes. Sin embargo, su inclusión significó no solo una nueva formación, sino también nueva etapa del grupo: «Oasis Mark II» (como en su momento también fue Deep Purple Mark II).

Bajo este panorama, el resultado fue Standing On The Shoulder Of Giants un disco irregular, falto de la ambición y actitud que Oasis demostró en sus años iniciales, pero con las intenciones de buscar nuevos caminos experimentales y con buenos momentos para disfrutar.

En este disco, tres cortes que fueron lanzados como sencillos son claramente lo mejor que ofrece Oasis. Entre ellos se encuentra: Go Let It Out, que viene a ser el «típico» hit con gancho comercial del álbum; Who Feels Love?, una delicia psicodélica que emula al tema de Harrison Within or Without You; y por último Gas Panic!, uno de los highlights del disco por su atmosfera amenazadora, que se combina de forma impecable con su letra tenebrosa.

El resto del material tiene cosas que rozan lo mediocre y otras rescatables. Fucking in the Bushes es una decente apertura instrumental, pero sería mucho mejor sin esos innecesarios y bochornosos «Kids running around naked, fucking in the bushes». Little James es la primera canción que aportó Liam (dedicada a su hijo) en la carrera del grupo. La misma no impresiona si se la compara con sus composiciones posteriores. Put Yer Money Where Yer Mouth Is y I Can See A Liar son los rockers del disco, de los más flojos que existen en el catalogo de Oasis. Where Did It All Go Wrong? Y Sunday Morning Call son los decentes temas de Noel. Entre ellos Sunday Morning Call es levemente superior al otro por su melodía y solo de guitarra. Finalmente, la fúnebre Roll It Over es un intento formulaico de Champagne Supernova, con lindo estribillo y melódica, pero inferior a la otra épica.

De está manera Oasis iniciaría un nuevo camino «artístico» en búsqueda de su identidad, deambulando en horizontes de una nueva década.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

The Darkness – Permission To Land (2003)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Black Shuck: 8
  2. Get Your Hands Off My Woman: 8
  3. Growing on Me: 7
  4. I Believe in a Thing Called Love: 9
  5. Love Is Only a Feeling: 7
  6. Givin’ Up: 7
  7. Stuck in a Rut: 8
  8. Friday Night: 8
  9. Love on the Rocks With No Ice: 7
  10. Holding My Own: 9

Surgida en 1991 en Londres The Darkness es una banda de rock/heavy glam conformada por los hermanos Justin (cantante y guitarrista) y Dan Hawking, guitarrista, Richie Edwards (en reemplazo de Frankie Poullain) en bajo y Ed Graham en bataría. Influenciados por Queen, Kiss, Judas Priest, AC/DC, entre otras, en 2003 lanzaron su disco debut: Permission To Land. Haciendo referencia al título, parece anecdótico que este material haya salido al mercado a duras penas ya que la banda debió costearse la grabación del mismo. Más que pedir permiso, The Darkness se abrió paso en los rankings británicos y alcanzaba la cima un año más tarde.

El disco, compuesto sobre una base rockera, también se apoya en baladas metaleras de los ochenta y con cada canción muestran ciertas características tomadas de sus bandas favoritas. Es así como el álbum comienza con Black Shuck, una estridente canción que hace rememorar la guitarra de Angus Young. En Get Your Hands Off My Woman los increíbles tonos de Justin Hawking se asemejan a los del inigualable Freddy Mercury. Así mismo I Believe in a Thing Called Love toma ciertos rasgos de Queen como los coros que también se repiten en otros temas. Por otro lado Friday Night y Holding On My Own, dos muy buenas baladas, completan este gran trabajo que de alguna forma recrea lo mejor de las bandas de los ochenta.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

AC/DC – Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976)

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Puntaje del disco: 9,5

  1. Dirty Deeds Done Dirt Cheap: 9,5
  2. Love at First Feel: 8,5
  3. Big Balls: 9,5
  4. Rocker: 8
  5. Problem Child: 9
  6. There’s Gonna Be Some Rockin’: 8
  7. Ain’t No Fun (Waiting Round To Be A Millionaire): 8,5
  8. Ride On: 9
  9. Squealer: 9,5

Dirty Deeds Done Dirt Cheap es el segundo disco editado fuera de Australia por AC/DC un año después de High Voltage. Salió en 1976 en Europa y en Estados Unidos 5 años mas tarde. A diferencia de su versión australiana serian reemplazados los temas «R.I.P. (Rock in Peace)» y «Jailbreak» por “Rocker” y “Love at First Feel”.

El disco ofrece un resumen perfecto de la primitiva ferocidad en bruto de los primeros años de AC/DC, mostrando a Bon Scott en su esplendor con temas que revelaban a hacer cosas malas e indebidas y algunos graciosos junto con los memorables riffs de Angus Young.

Los temas más recomendables son el clásico que da nombre al álbum “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, el sarcástico “Big Balls”, otro tema histórico en su carrera como “Problem Child”, el blues “Ride On” y el magnifico “Squealer”.

Este trabajo siempre ha sido indicado como uno de los mas olvidados del grupo ya que a la hora de indicar sus mejores discos siempre se viene a la mente Let There Be Rock, Highway to Hell, Back in Black, pero eso no quiere decir que sea uno de los peores es un muy buen disco y esta a la altura de los anteriormente mencionados y es un gran LP para todos los amantes del buen rock.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow (1967)

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Puntaje del Disco: 10

  1. She Has Funny Cars: 9
  2. Somebody To Love: 10
  3. My Best Friend: 8,5
  4. Today: 9,5
  5. Comin’ Back To Me: 9
  6. 3/5 of a Mile in 10 Seconds: 8
  7. D.C.B.A. – 25: 8
  8. How Do You Feel: 8
  9. Embryonic Journey: 8,5
  10. White Rabbit: 10
  11. Plastic Fantastic Lover: 8,5

Jefferson Airplane es un infravalorado pero muy buen grupo de los sesenta proveniente de San Francisco. Una banda con una clara influencia Byrdiana en su música “folky”. Un grupo que puede tomarse como referente de los años psicodélicos junto a los Doors, Jimi Hendrix y otras excepcionales personalidades de la época.

En 1967, año de pleno auge psicodélico, lanzaron Surrealistic Pillow, el segundo disco de la banda y probablemente el mejor de su carrera. Este LP se caracteriza porque incorporaron en sus filas a Grace Slick, una mujer con una voz tan lujuriosa como su belleza, comparable con la de Janis Joplin.

Surrealistic Pillow es un excelente disco, un bastión del flower power que se codea sin problemas con otros trabajos exitosos como Are You Experienced?, The Piper At The Gates of Dawn, Their Satanic Majesties Request, entre otros.

En este disco plagado de temas melódicos y geniales, hay dos que sobresalen como grandes clásicos del rock: Somebody To Love y White Rabbit. Ambos llegan de la mano de Grace con interpretaciones vocales apabullantes. Pero como decía, las otras canciones, en las que también se combinaban buenas performances de Marty Balin y Jorma Kaukonen en las voces, también son realmente buenas como el primer corte She Has Funny Cars y las “delicadas” Today y Comin’ Back To Me.

Es un álbum con todos los colores, uno de los mejores cultos al hipismo del período.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Stevie Ray Vaughan – Texas Flood (1983)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Love Struck Baby: 8,5
  2. Pride and Joy: 9,5
  3. Texas Flood: 9,5
  4. Tell Me: 9
  5. Testify: 9,5
  6. Rude Mood: 8,5
  7. Mary Had a Little Lamb: 9
  8. Dirty Pool: 9
  9. I’m Cryin’: 9
  10. Lenny: 9

Su asombroso estilo para tocar la guitarra llevo a Stevie Ray Vaughan a comandar un revival del blues que estaba lejos de ser popular en los 80’. Influenciado de manera notoria por genios de la guitarra como Jimi Hendrix, BB. King, entre otros, desarrollo un estilo furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.

Nacido en Texas, Estados Unidos el 3 de Octubre de 1954, a los 7 años tuvo su primera experiencia con una guitarra. En el verano de 1970 forma su primera banda y en los siguientes años participo en distintos grupos sin tanto éxito. Hasta que en 1977 formaría su banda definitiva Double Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble) junto a Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería).

La fama no le llego de golpe a Stevie en 1982 contribuyo en en disco Let’s Dance de David Bowie y en 1983 es descubierto por John Hammond quien le ofreció un contrato para el sello Epic Records donde grabarían ese mismo año su primer trabajo Texas Flood con el que sería elegido por la revista Guitar Player «Mejor Nuevo Talento», «Mejor Álbum de Guitarra» y «Mejor Guitarrista de Electric Blues».

Texas Flood fue el álbum de blues más popular en mucho tiempo con temas fundamentales como el hit “Pride and Joy”, blues clásicos como “Dirty Pool” y “Lenny” y otros temas donde se destaca la calidad de Vaughan con la guitarra “Mary Had a Little Lamb”, “Tell Me”, “Testify” y el tema que le da el nombre al disco “Texas Flood”.

A partir de su trabajo inicial la carrera de este gran guitarrista seguiría en ascenso en los años 80 hasta que llegaría a su fin con un trágico accidente el 27 de Agosto de 1990 cuando un helicóptero que llevaba a Stevie a Chicago después de una presentación se estrellaba después de su despegue.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Postales Dramáticas: Radiohead en Argentina – Club Ciudad de Bs As 24/03/2009

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Y un día Radiohead llegó finalmente a la Argentina. Después de años de espera, más de 35 mil fanáticos pudimos disfrutar en el Club Ciudad de Buenos Aires al quinteto de Oxford en su gira para promocionar su último trabajo In Rainbows, en el que por el momento es el único Show que brindaron en el país.

En el concierto se presentó un Set List que varió respecto a los otros shows que ya habían dado en México y Brasil, en el que se incluyo casi por completo todas las canciones de In Rainbows (salvo “Faust Arp”) combinándolo con grandes clásicos de la banda de diferentes períodos.

Radiohead salió al escenario cerca de las 21:30 y el recital comenzó con todo con “15 Step”, el primer corte de su último disco. Ya desde este primer tema Thom Yorke demostró la asombrosa calidad que tiene a la hora de cantar. Su voz en vivo suena de la misma manera que en estudio, cualidad que se hizo notar en temas lentos como “Nude y “All I Need”. Luego vinieron los primeros clásicos de discos anteriores “Airbag” y “There There”, que generando los primeros revuelos en el público. Sin embargo, el primer gran momento de la noche fue “Karma Police”, una de las baladas más celebradas y cantadas por la gente, junto a la “multidimensional” y explosiva “Paronoid Android” (cerca del final del recital).

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Además de interpretar canciones de In Rainbows como “Weird Fishes/Arpeggi” y “Jigsaw Falling into Place” (unas de las mejores del álbum) junto otros hits de Ok Computer como No Surprises, en el medio del show se sucedieron temas del experimental Kid A como “National Anthem”, “Idiotique” y la siempre bizarra “Everything In Its Right Place”, junto a otros clásicos de Hail To The Thief y Amnesiac como “2+2=5” y “Pyramid Song” respectivamente. De The Bends hubo poco, como si fuera una época a olvidar. Solo “Street Spirit” y “Planet Telex”, esta última fue una grata sorpresa. Pero si de sorpresas hablamos, Radiohead también se dio el gusto de tocar un lado B de In Rainbows, “Go Slowly”, y para conmemorar la trágica época de los desaparecidos (con discursito de Ed O’ Brien incluido) interpretaron “How To Disappear Completely”.

Para cerrar el evento, después de 2 horas de espectáculo, llegó la mediática “Creep”. Le guste al fanático o no, demostró ser un tema inmortal, uno de los más recibidos y coreados por el público.

De esta manera, Radiohead dio un excelente espectáculo. Un recital sofisticado, “flashero” (con tubos de luces que colgaban en el escenario que por momentos parecían que te sumergían en la Matrix), experimental, único, para moverte siguiendo el ritmo “freak” de Yorke, en otras palabras, como solo Radiohead podía hacerlo. Demostrando así que a pesar de no ser tan populares como otros grupos (léase U2 y Coldplay), son la mejor banda de la actualidad.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

The Yardbirds – Having a Rave Up (1965)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Mr. You’re A Better Man Than I: 9
  2. Evil Hearted You: 8,5
  3. I’m A Man: 8
  4. Still I’m Sad: 8,5
  5. Heart Full Of Soul: 8
  6. Train Kept A Rollin’: 8,5
  7. Smokestack Lightning: 7
  8. Respectable: 7
  9. I’m A Man: 7
  10. Here ‘Tis: 6,5

Los Yardbirds (no confundirse con los Byrds) formaron parte de la famosa Invasión Británica de mediados de los 60. Algunos pueden tomarlo como un grupo de segunda línea si tenemos en cuenta la importancia de las otras bandas (The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks) y sobretodo porque pocos conocen a los Yardbirds en este país. Pero hay un hecho que destacó históricamente a esta banda inglesa por sobre el resto. Parece una leyenda, una fantasía de Disney, que Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page hayan estado en la misma banda. Creanlo o no los Yardbirds pudieron disfrutar de estos 3 legendarios guitarristas, no al mismo tiempo (no es muy común que haya 3 guitarras en la misma banda), pero los tres se iniciaron en este grupejo.

Dentro de la discografía de los Yardbirds, Having A Rave Up fue tomado por muchos críticos como parte del mejor material que se dio a conocer en los sesenta. Este disco improvisado se divide en 2 lados: el lado A está compuesto por 6 canciones de estudio, que contaba con Jeff Beck como guitarrista; y el lado B, formado por 4 canciones en vivo que sobraron del álbum en vivo Five Live Yardbirds y que tenían a Clapton como guitarrista.

Having A Rave Up carece de grandes temas, de hecho este es un defecto que caracterizó a la banda históricamente a la hora de despegar. Por otro lado, lo mejor en este disco a mi juicio se encuentra en las canciones de estudio, siendo Mr. You’re A Better Man Than I, Evil Hearted You, Still I’m Sad y Train Kept A Rollin’ algunas de las más destacadas. Suenen bien pero no son realmente memorables. El segundo lado de Having A Rave Up es intrascendente y podría catalogarse solo como material histórico de la banda, que por aquel entonces tenían hambre de gloria, estando Clapton en sus filas, quien luego se alejaría del grupo para adentrarse en su “Blues” y no para orientarse al camino “Pop” que buscaba la banda.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)