Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Suicide

Suicide – Suicide (1977)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Ghost Rider: 9
  2. Rocket U.S.A.: 9
  3. Cheree: 9
  4. Johnny: 8,5
  5. Girl: 8
  6. Frankie Teardrop: 9
  7. Che: 8,5
  8. Cheree (Remix): –
  9. I Remember: 8
  10. Keep Your Dreams: 9

Suicide es un dúo punk que nació a fines de los setenta, conformado por Alan Vega y Martin Rev. Lo que caracteriza y diferencia a esta banda respecto de otras bandas Punk neoyorquinas que nacieron en la misma época es que Suicide desarrolla su Post Punk combinándolo con electrónica. No hay guitarristas, ni riffs violentos. De todas formas logran su propio estilo en base al uso de sintetizador de Rev, que genera un sonido que penetra en tu mente con su caja de sonidos que si bien es taladrante también es efectiva, a la cual se acopla la voz fantasmagórica de Vega. Así logran atmosferas oscuras que no tienen comparación con otros grupos del período, donde la influencia de bandas como The Velvet Underground es notoria.

Esto se puede escuchar en su homónimo álbum debut, siendo la primera parte la más reconocida, especialmente por la presencia de “Ghost Rider”, el clásico de la banda con la melodía más pegadiza del disco. “Rocket U.S.A.” te hace entrar de lleno en el trance que ofrece Suicide. Mientras que “Cheree” se podría decir que es de lo más “Pop” del álbum junto a la hipnótica «Keep Your Dreams».

Su primer disco en general tiene un muy buen nivel, pero el tema más perturbador y llamativo del disco es “Frankie Teardrop”, con sus más de 10 minutos de duración, donde Vega cuenta la historia de un padre joven trabajador de fábrica que al perder su trabajo, también pierde la cordura. Así asesina a su familia y luego se suicida. En esta canción los sintetizadores suenan más paranoicos y repetitivos que nunca. Además, Vega cuenta la historia con su voz de manera insana, lanzando por momentos gritos aterradores. Y sobre el final, expresan como el protagonista viaja al infierno volviéndose todo más surrealista. Tal vez no sea gran tema desde lo estrictamente musical (es hasta monótono), pero la experiencia que logran es única y te mantiene en vilo los 10 minutos que dura.

Suicide de Suicide es un disco tremendo y muy original por la mística que logran despegándose del arquetipo modelo de todos los grupos punk de esa época. Por eso fue muy influyente. Sin ir más lejos fue la principal fuente de inspiración del disco de Bruce Springsteen Nebraska.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Bauhaus

Bauhaus – In the Flat Field (1980)

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Bauhaus - In the Flat Field (1980)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Double Dare: 9
  2. In the Flat Field: 8
  3. A God in an Alcove: 7,5
  4. Dive: 8,5
  5. The Spy in the Cab: 8,5
  6. Small Talk Stinks: 7
  7. St. Vitus Dance: 8,5
  8. Stigmata Martyr: 9
  9. Nervess: 8

Desde la ciudad de Northampton, en el centro de Inglaterra, nacería a finales de los setenta una de las bandas pioneras del rock gótico y la “onda” dark, Bauhaus, nombre tomado de de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda década del siglo XX, compuesta por of Peter Murphy (voz), Daniel Ash (guitarra), Kevin Haskins (batería) y David J (bajo).

Inlfuenciados tanto por el punk y el glam rock con cosas de The Clash, Iggy Pop, Can, Joy Division, entre otros Bauhaus editó su debut discográfico el 1 de Octubre de 1980, In the Flat Field, encargandose de todos los detalles inclusive de la producción, considerado uno de los primeros discos de rock gótico.

A pesar de su estilo innovador la prensa británica de la época destruyó al álbum con críticas lapidarias, criticandoles la falta de temas fuertes y reconocibles, y hasta calificandolos de engreidos. Aunque con los años fue visto con mejores ojos (como muchas veces pasa) resaltando la atmosfera misteriosa de desolación que fueron capaces de crear y que pocos discos debuts tienen tanta personalidad por si mismos, destacando a su carismático frontman, Murphy, y a su vez el legado que dejaron en la música gótica.

In the Flat Field fue relanzado como CD en 1988 con ocho bonus tracks incluyendo los importantes singles «Dark Entries», «Terror Couple Kill Colonel» y un cover de T. Rex “Telegram Sam”, y en 2009 el sello 4AD/Beggars Banquet volvió a editarlo esta vez como una edición de lujo remasterizado con sus nueve canciones originales junto a un disco de rarezas y versiones alternativas a las originales con un libre con fotos de la banda, comentarios y demás, ideal para coleccionistas.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Bruce Springsteen

Bruce Springsteen – Nebraska (1982)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Nebraska: 8
  2. Atlantic City: 8.5
  3. Mansion on the Hill: 8
  4. Johnny 99: 8.5
  5. Highway Patrolman: 8
  6. State Trooper: 8.5
  7. Used Cars: 8
  8. Open All Night: 8
  9. My Father’s House: 8
  10. Reason to Believe: 8.5

El sexto álbum de estudio de Bruce Springsteen, Nebraska, había sido originalmente pensado como un conjunto de demos que editaría The E Street Band. Sin embargo, el vocalista y compositor prefirió que aquellas diez canciones formasen parte de su discografía personal.

Desde un arte de tapa lúgubre de una carretera vacía, pasando por las letras y el estilo musical, se puede decir que éste ha sido uno de los discos menos eufóricos en la extensa discografía de Springsteen. Nebraska, que da nombre al álbum, está narrado en primera persona desde la perspectiva del joven asesino serial Charles Starkweather y su novia. La guitarra acústica, la armónica y por supuesto la inconfundible voz de El Jefe, ayudan a crean un ambiente de desolación y desesperanza, como a lo largo de los temas se desarrollan historias de criminales y asesinos cuyos destinos no terminaron de la mejor manera.

Más allá de eso, es innegable la versatilidad de este maravilloso artista, que refleja la desesperación de los personajes que narra; pero a quienes a su vez, les da cierta esperanza con temas como “Open All Night” y “Reason to Believe”.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Cat Power

Cat Power – Moon Pix (1998)

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Cat Power - Moon Pix (1998)

Puntaje del Disco: 9

  1. American Flag: 9
  2. He Turns Down: 8,5
  3. No Sense: 9
  4. Say: 8,5
  5. Metal Heart: 10
  6. Back of Your Head: 8
  7. Moonshiner: 8
  8. You May Know Him: 8
  9. Colors and the Kids: 7
  10. Cross Bones Style: 9
  11. Peking Saint: 7,5

Moon Pix es considerado como la obra cumbre de Cat Power y también es un fiel ejemplo de lo que se conoce como “Sadcore”, un subgénero del rock alternativo utilizado por periodistas cuya denominación lo dice todo: melodías lentas, sombrías y letras tristes.

En ese sentido, la cantautora también conocida como Chan Marshall nos trae canciones bastante simples que tiran para el lado del folk alternativo, de pocos acordes realzando la emocionalidad y profundidad de sus letras, que siempre merodean entre lo oscuro y melancólico.

Al respecto Cat Power dijo que varias canciones en Moon Pix – «No Sense,» «Say,» «Metal Heart,» «You May Know Him» y «Cross Bones Style» fueron escritas en una noche alucinante, luego de tener una pesadilla en una noche de 1997.

«Me desperté por alguien en el campo detrás de mi casa en Carolina del Sur» explicó. «La tierra comenzó a temblar, y los espíritus oscuros estaban rompiendo contra todas las ventanas de mi casa. Me desperté y tenía a mi gatito al lado mío… y comencé a orar a Dios para que me ayude… Así que tome mi guitarra tratando de distraerme. Tuve que encender las luces y cantarle a Dios. Tenía una grabadora y empecé a grabar los siguientes sesenta minutos”.

Mucha de la mística sombría de su historia logra transmitirlo en Moon Pix. Por eso, si algo es remarcable son las atmósferas que logra sin ser pretenciosa, por momentos acompañando con algunos arreglos alternativos como en “American Flag” y hasta combinándose con la flauta de Belinda Woods (que parece tomada de Jethro Tull)  en “He Turns Down”.

Entre ellas las que más se destacan con su estilo son “No Sense”, “Cross Bones Style” y especialmente “Metal Heart”, demostrando que la primera parte del disco es la mejor. Aunque en general Moon Pix es un álbum excelente.

Persy

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Antony and the Johnsons

Antony and the Johnsons – Swanlights (2010)

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Antony and the Johnsons - Swanlights (2010)

Puntaje del Disco: 8

  1. Everything Is New: 8
  2. The Great White Ocean: 8,5
  3. Ghost: 7,5
  4. I’m in Love: 8
  5. Violetta: –
  6. Swanlights: 8,5
  7. The Spirit Was Gone: 8
  8. Thank You for Your Love: 9
  9. Flétta: 8
  10. Salt Silver Oxygen: 7,5
  11. Christina’s Farm: 7,5

El proyecto Swanlights fue pergeniado por más de tres años por Antony Hegarty, inclusive de antes de su anterior lanzamiento The Crying Light (2009),  y abarcaba no solo estrictamente lo musical sino que también incluía la pintura, dibujos, fotografías, poemas, en colaboración con los artistas Garrick Gott y Joie Iacono, con quienes diseñó un libro de arte de 144 páginas con el mismo nombre.

Swanlights, el cuarto lanzamiento de estudio de Antony and the Johnsons, se editó mundialmente en Octubre de 2010 y desde el punto de vista estrictamente musical estamos ante una colección de temas que van desde el folk rock hasta orquesta clásica, pasando por el pop oscuro, jazz y el rock alternativo con el toque particular que le da su mágica voz. Entre los números más valiosos podemos citar “The Great White Ocean”, “Swanlights”, “Thank You for Your Love”, “The Spirit Was Gone” y “Flétta” (dueto majestuoso con Björk), dentro de un setlist parejo y sólido.

Con esta hermosa creación de art pop, rica, detallada y a la vez accesible Antony se consolidaría como un artista de verdadera vanguardia en los años 2000, único en su tipo.

F.V.

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Cobertura de Recitales, Faith No More

Faith No More y su obstinada ausencia de fe

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Faith No More Argentina 2015

«¿Cuántas veces vinimos acá, wey? ¿Cuatro? ¡Más bien cuarenta!». En un perfecto español chicano, Mike Patton inauguró el regreso de Faith No More a la Argentina con un show electrizante el 20 de septiembre en el Luna Park.

En un escenario vestido de blanco y ornamentado con vistosas plantas y flores, el grupo -también de blanco- compuesto por «Juancito» Hudson, «ese puto del bajo» Gould, «viejo pervertido» Bordin, Bottum y «Piñón Fijo» Patton, según la presentación de este último, dio un espectáculo intenso y fiel al lugar que supieron ganarse en la historia del metal, el rock, el funk… y de las baladas.

Abrieron sin vaselina con una novedad: “Motherfucker”, al que le siguió el poguero “Be Aggressive” que despertó a los vivaces fanáticos. Nota aparte merecen los fieles seguidores de la banda, muchos de los cuales peinan canas añosas y largas barbas. Solos, o acompañados de sus hijos a quienes pretenden con justicia iniciar en el fraternal mundo del metal, saltaron y vitorearon a la altura de los más jóvenes que ya nacieron con FnM y que deliraron con su energía saturada.

Presentando varios temas de Sol Invictus, su nuevo disco, como “Black Friday”, “Matador”, “Separation Anxiety” y el mencionado “Motherfucker”, no se privaron de tocar los clásicos como “Epic”, “Ashes to Ashes” y el cover de los Commodores, “Easy”. Patton hizo gala de sus más de seis octavas de rango vocal que sonó a la perfección, acompañada en ocasiones de una pedalera en el escenario. El resto del sonido estuvo ligeramente saturado, lo que impidió que se disfrutaran algunos de los característicos matices musicales de la banda, pero que compensaron con actitud rockera a pesar de ser, admitámoslo, señores de media edad pelados y panzones. El mismo Patton se burló de esto: “¿Qué me dicen? ¿Lechón? ¿Hijo de qué?”.

La banda hizo dos bises, el primero con “Cone of Shame”, “Digging the Grave” y “Just a Man”. Durante este último, «rickrollearon» a los presentes con un fragmento del infame “Never Gonna Give You Up” de Rick Astley, con el que hubiera sido ciertamente indignante abandonar de forma definitiva el escenario. Por eso, volvieron a aparecer con un segundo bis con el clásico “We Care a Lot”, del primer disco, cerrando ahora sí una noche impecable y estridente que confirmó, sin tapujos, que «No más fé» (sic) tiene fe en el metal.

Barba

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Ben Harper

Ben Harper – The Will to Live (1997)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Faded: 7
  2. Homeless Child: 8
  3. Number Three: –
  4. Roses from My Friends: 7
  5. Jah Work: 7
  6. I Want to Be Ready: 7
  7. The Will to Live: 7
  8. Ashes: 7
  9. Widow of a Living Man: 7.5
  10. Glory & Consequence: 7
  11. Mama’s Trippin’: 7.5
  12. I Shall Not Walk Alone: 7

En 1997 y tras haber editados dos promisorios discos, Ben Harper lanzó al mercado The Will to Live, su tercer material de estudio.

Continuando con el estilo folk que lo había caracterizado, y como ya lo había demostrado con el disco anterior, el músico presenta claros síntomas de mejoría en cuanto a la identidad que quiere darle a sus composiciones. “Faded” y “Homeless Child” dan inicio a este álbum y luego de una especie de interludio con “Number Three”, “Roses from My Friends” se presenta como una agradable melodía muy relajante.

Adhiriendo algunos aires de funky, The Will to Live es un disco que muestra un desempeño bastante parejo con momentos destacados como con “Widow of a Living Man” y “Mama’s Trippin’”.

Sin ser su material más profundo, Harper logró con este disco condensar en buenas baladas, todo su talento.

Piro

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Snow Patrol

Snow Patrol – Fallen Empires (2011)

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Snow Patrol - Fallen Empires (2011)

Puntaje del Disco: 7

  1. I’ll Never Let Go: 8
  2. Called Out in the Dark: 9
  3. The Weight of Love: 7
  4. This Isn’t Everything You Are: 6,5
  5. The Garden Rules: 7
  6. Fallen Empires: 8,5
  7. Berlin: 5
  8. Lifening: 6,5
  9. New York: 7
  10. In the End: 6,5
  11. Those Distant Bells: 8
  12. The Symphony: 7
  13. The President: 7,5
  14. Broken Bottles Form a Star (Prelude): –

Fallen Empires, sexta placa de estudio de Snow Patrol, se lanzó primero en Europa, en Noviembre de 2011, y unos meses después en Norteamérica, y fue el primero en contar con las participaciones del guitarrista Johnny McDaid y del tecladista Tom Simpson (quien luego abandonaría la banda en 2013).

Cuando se le consulto a Gary Lightbody, vocalista y líder, sobre Fallen Empires, no tuvo miramientos para afirmar: “Es el álbum mas largo que hicimos y el mejor. Nos tomamos un tiempo largo para grabarlo. Pero me alegro porque los resultados son excelentes”.

Lo cierto es que si bien es un buen disco, esta lejos de Final Straw (2003) o Eyes Open (2006). Al pop alternativo que nos tienen acostumbrados le agregaron toques electrónicos que decoran un poco mas los temas y que dejan una buena base para seguir expandiendo su sonido de aquí en más. Predominan los temas emocionales y las baladas, rememorando por momentos su adoración hacia Coldplay y U2, aunque los momentos más agradables los encontramos en sus números más movidos como las extraordinarias “Called Out in the Dark” y “Fallen Empires”. No hay mucho más para destacar en un disco fiel a su estilo, atándose demasiado a su formula y sin demasiadas sorpresas.

Durante todo 2012 la banda se dedicó a presentar su flamante trabajo en la denominada Fallen Empires Tour, que los llevó a recorrer casi todos los continentes (excepto Africa). Luego lanzarían en 2013 su segundo grandes éxitos, esta vez más selectivo con menor cantidad de temas, y desde entonces se esperan novedades de su próxima placa que se estima conoceremos a comienzos de 2016.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)
Thee Oh Sees

Thee Oh Sees – Help (2009)

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Thee Oh Sees - Help (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Enemy Destruct: 8,5
  2. Ruby Go Home: 8,5
  3. Meat Step Lively: 9
  4. A Flag in the Court: 8,5
  5. The Turn Around: –
  6. Can You See?: 8
  7. Rainbow: 7,5
  8. Go Meet the Seed: 8,5
  9. I Can’t Get No: 7,5
  10. Soda St. #1: 8
  11. Destroyed Fortress Reappears: 8
  12. Peanut Butter Oven: 7,5

Thee Oh Sees es la banda precursora del movimiento de Garage Psicodélico, marcando el paso para el surgimiento de artistas como Ty Segall, White Fence y King Gizzard & The Lizard Wizard. La banda originaria de San Francisco California, existe desde 1997, pasando por diversos nombres (OCS (1997-2006) y The OhSees (2006-2008)), pero fue hasta el 2008 cuando llegaron a su fórmula definitiva y exitosa al obtener su nombre actual y con una formación de cuatro integrantes encabezada por su líder John Dwyer.

Para hablar de Thee Oh Sees, considero lo mejor empezar por el disco que les consolidó, y que además es considerado por muchos como uno de sus mejores trabajos, por su diversidad y su sonido crudo: Un Garage Rock que va al grano, adornado con trazos de psicodelia e influencias rítmicas claramente sesenteras es el sonido que se encuentra en Help.

Y si, esta banda desde un principio demuestra su intensidad, así como su actitud volátil y divertida. Thee Oh Sees dan la apariencia de una banda a la que nunca se le acaba el gas, constantemente caóticos y fuera de control, centrándose más que nada en la interacción de los instrumentos ¿Qué hay de las letras? Permítanme decirles que de entre los discos que he escuchado este es uno de los tienen menos cantidad de lirica ¡Pero qué importa! De cualquier manera el loco John Dwyer (al lado de su vocalista de soporte femenina Brigid Dawson) se la arregla con su divertida manera de cantar para hacer todo más interesante… He aquí la regla principal de Thee Oh Sees: El Groove es lo que manda.

Temas como la ensuciada psycho-garagera “Enemy Destruct”, el duelo travieso de vocales que es “Ruby Go Home”, la enviciante “Meat Step Lively” y “Go Meet the Seed” con sus coros simplones al estilo de las bandas antecesoras del genero, conforman lo más brillante dentro de un disco simple pero a la vez creativo y entretenido, pero que sobretodo captura perfectamente el Garage de los sesentas.

Actualmente Thee Oh Sees se encuentran vigentes dentro de las bandas más prolíficas dentro de la actualidad, incapaces de frenar su energía latente, sacando trabajos año con año. Además son todo un espectáculo en vivo. Claro no son infalibles y suelen tener algún periódico bajón (como es natural en toda banda que saca tanto disco sin parar), pero si algo puedo asegurar es que siempre tienen algo que decir y eso hace que nunca aburran.

Gera Ramos

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Cocteua Twins

Cocteau Twins – Head Over Heels (1983)

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Cocteau Twins - Head Over Heels (1983)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. When Mama Was Moth: 8
  2. Five Ten Fiftyfold: 8,5
  3. Sugar Hiccup: 9
  4. In Our Angelhood: 9
  5. Glass Candle Grenades: 7
  6. In the Gold Dust Rush: 9
  7. The Tinderbox (Of a Heart): 7,5
  8. Multifoiled: 7,5
  9. My Love Paramour: 7,5
  10. Musette and Drums: 8

Luego de su álbum debut, la banda escocesa sufriría la baja de uno de sus miembros fundadores, Will Heggie. En estas situaciones algunos grupos suelen decaer si es importante su ausencia. Pero no fue el caso de Cocteau Twins. Con su partida el dúo conformado entre la cantante Elizabeth Fraser y el guitarrista Robin Guthrie tomaría la posta definitiva para empezar a darle forma a lo mejor de la banda.

Así llegaría en 1983, Head Over Heels, su segundo trabajo discográfico en el que evocan a un sonido bien oscuro, combinado con el rock gótico de aquellos años y con atmósferas propias del Dream Pop. Algo también conocido como “Dark Wave”, en el que bandas como Joy Division fueron precursores. Guthrie en guitarra empieza a desarrollar su estilo sombrío y la voz de Fraser se mimetiza muy bien en la penumbra constante que logran.

Pero lo más remarcable de Cocteau Twins es que van un poco más allá. Su estilo logran combinarlo con algunos tintes jazzeros que se pueden escuchar en canciones como “Five Ten Fiftyfold”. También diversifican logrando melodías más pop muy buenas como en “Sugar Hiccup”. Así como tramos más dinámicos que me hacen acordar a los primeros años de U2 en “In Our Angelhood”. Además, tenemos a “In the Gold Dust Rush” que parece el corte en el que Jesus and The Mary Chain se inspiraría para componer “Just Like Honey”.

Head Over Heels es un progreso notable respecto de su primer disco. Aunque en lo personal no lo encuentro un álbum enteramente perfecto. Pero hay más material de ellos paras seguir repasando de los ochenta.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)