Slint

Slint – Spiderland (1991)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Breadcrumb Trail: 9,5
  2. Nosferatu Man: 10
  3. Don, Aman: 8
  4. Washer: 9
  5. For Dinner: 7,5
  6. Good Morning, Captain: 10

Si estas buscando un álbum que te atormente, Spiderland no te va a defraudar, es uno de los discos más escalofriantes de todos los tiempos. Escuchar este álbum (el segundo trabajo de Slint) es realmente una experiencia aterradora. Es como una de esas películas de terror que solo por su reputación da temor verla. Es una travesía análoga a jugar al Silent Hill solo en tu casa de noche con luces apagadas y auriculares puestos.

El sonido terrorífico de Spiderland lo llevó a ser catalogado como la obra maestra de Slint y uno de los principales precursores del post rock. Su éxito y singular experiencia consiste en seis canciones muy oscuras, con guitarras ampulosas y disonantes usadas en forma inteligente marcando un ambiente tenebroso y cuyas letras (que se centran en historias desoladoras) son interpretadas en forma narrada por Brian McMahan, salvo en los estribillos en los que grita con angustia generando un clima espeluznante. Ahora bien, no todo el mundo ama al disco y es comprensible. El hecho de que los temas sean narrados sigilosamente es un detonante que seguramente puede despertar varios detractores hacia su estilo. Pero hay que decirlo, el “spoken word” es un ingrediente clave en el rock espectral que logra Slint.

Lo mejor del álbum se centra en 3 canciones: las primeras dos “Breadcrumb Trail” y “Nosferatu Man”, las más destacadas donde sus Riff angulosos te persiguen y los susurros atraviesan tu mente; y la última y más famosa, “Good Morning, Captain”, que fue catalogada como la “Stairway to Heaven” de Slint, y esta bien que así sea.

En el medio la calidad no decae. Tenemos a “Washer” que vendría a ser la más “melódica” (desde la interpretación vocal) y larga de Spiderland, junto a la instrumental “For Dinner” y la cruda soledad de “Don, Aman”.

Spiderland es un clásico tan tremendo como asfixiante. Tan traumático resultó el disco que incluso se instaló la leyenda de que miembros de la banda terminaron internados en un psiquiátrico durante sus grabaciones…

Persy

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30 Seconds to Mars

30 Seconds to Mars – This Is War (2009)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Escape: 7
  2. Night of the Hunter: 6
  3. Kings and Queens: 7
  4. This Is War: 5,5
  5. 100 Suns: 5
  6. Hurricane: 6,5
  7. Closer to the Edge: 5
  8. Vox Populi: 6
  9. Search and Destroy: 7
  10. Alibi: 5
  11. Stranger in a Strange Land: 6
  12. L490: 4,5

Luego de conflictos legales con su compañía discográfica y un largo periodo de producción y grabación el tercer trabajo de 30 Seconds to Mars This Is War salio a las ventas en Diciembre de 2009.

La ambición y supuesto progreso de la banda se desprenden de declaraciones de su líder el actor Jared Leto, en referencia a su nuevo álbum lo describio como un “álbum conceptual, si esto no es conceptual, no estoy seguro que puede serlo”. Además destaco que el largo periodo de composición y todos los problemas que atravesaron para su grabación lo superaron con éxito y esto se puede ver reflejados en This Is War, al que le dio el rotulo de “electrónico y experimental, con muchos sintetizadores vintage”.

El disco a pesar de tener buenos momentos como “Kings and Queens”, “Search and Destroy” y “Escape” y representar un paso adelante para la banda, no es del todo convincente. El cambio con respecto a sus primeros trabajos fue dejar atrás su postura entre post-grunge o nu metal hacia un sonido entre gótico, new wave y por momentos épico, aunque todo a mitad de camino sin lograr destacarse en ningún estilo en particular. Irritan por momentos el abuso de sintetizadores, el retoque en las voces y un coro de niños constante en algunos temas.

Lo que los salva y deja un saldo positivo es no quedarse estancados en lo mismo y buscar nuevos horizontes y una variedad sonora que los hará crecer álbum tras álbum si siguen por la misma senda.

Comercialmente el disco se vendió muy bien en Estados Unidos y sonó bastante para principios del año pasado particularmente en las radios alternativas. En Europa logro también ubicarse en lo mas elevado de los charts, y en Latinoamérica y en especial en Argentina, donde tienen una interesante cantidad de seguidores y se presentaran el 1 de Abril próximo en el Luna Park de Buenos Aires, llego a estar entre los discos mas vendido en Diciembre del 2009 y principios del 2010.

F.V.

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Cafe Tacvba

Cafe Tacvba – Avalancha de Exitos (1996)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Chilanga Banda: 9
  2. Metamorfosis: 8,5
  3. No Controles: 8,5
  4. No Me Comprendes: 8
  5. Alármala de Tos: 9
  6. Perfidia: 6,5
  7. Ojalá Que Llueva Café: 7,5
  8. Cómo Te Extraño Mi Amor: 8,5

Café Tacvba nunca fue un grupo convencional y atado a la lógica de las bandas tradicionales. Su tercer trabajo Avalancha de Exitos (1996) es un claro ejemplo de esto.

Luego de Re, uno de los discos mas importantes de la historia del rock latino con veinte canciones de su autoria, la siguiente movida de estos mexicanos fue la de editar un disco de versiones de temas famosos de distintos artistas latinoamericanos. Pero el ingrediente particular es que todos los covers son muy diferentes a las canciones originales y le logran impregnar a cada una de ellas el sello de Café Tacvba. Entre ellas podemos citar a “Chilanga Banda” es una canción hip-hop en modismos mejicanos de Juan Jaime López que supera ampliamente su versión original, “No Controles” del español Nacho Cano, “No Me Comprendes” de Bola de Nieve un compositor y pianista cubano famoso en los cuarenta y cincuenta, “Alármala de Tos” de Botellita de Jerez uno de los precursores del rock en México y las tal vez mas conocidas “Ojalá Que Llueva Café” del dominicano Juan Luis Guerra y “Cómo Te Extraño Mi Amor” del argentino Leo Dan. Esta ultima convertida en un gran hit y de enorme difusión.

Como queda claro hasta los temas elegidos para re versionar son particulares, lo cual hace mas interesante este trabajo, la impronta y creatividad de Café Tacvba hace que temas muy distintos adquieran su propio sonido y parezcan propios.

Posteriormente a Avalancha de Exitos el grupo se embarcaría en una extensa gira a lo largo de quince países y más de veinte ciudades de Latinoamérica consiguiendo instalarse en la cima del rock latino.

F.V.

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Brandon Flowers

Brandon Flowers – Flamingo (2010)

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Puntaje del Disco: 4,5

  1. Welcome to Fabulous Las Vegas: 6
  2. Only the Young: 6
  3. Hard Enough: 5
  4. Jilted Lovers & Broken Hearts: 6
  5. Playing With Fire: 4
  6. Was It Something I Said?: 4
  7. Magdalena: 4,5
  8. Crossfire: 7,5
  9. On the Floor: 4
  10. Swallow It: 6

Este disco solo confirma que no soporto a Brandon Flowers, un sujeto al que evidentemente le cuesta desprenderse de su tierra natal y su insoportable verborragia. Tal es así que en el 2010 decidió llevar a cabo su primer trabajo solista, Flamingo, un disco malo en el que nuevamente demuestra su fascinación por Bruce Springsteen y Las Vegas, como si fuere una segunda parte de Sam’s Town, pero muchísimo más mediocre…

En Flamingo Brandon Flowers nos incita a pensar que dejó definitivamente de ser una estrella de rock. Sus canciones ya no tienen la vitalidad y energía atractiva que establecía The Killers en sus primeros álbums. Claro que no. En contrapartida Flowers busca hacer canciones orientadas a su público femenino. Jovencitas que compran con la tarjeta de crédito de su padre, que buscan algo que les guste: canciones pop bobas, algunas a lo Keane y otras semi bailables, interpretadas por un tipo agrandado, que se cree el mejor cantante del planeta, cuando en realidad su propia voz es el ingrediente menos digerible del álbum. Así es, el Sr. Brandon Flowers se termina convirtiendo en una especie de Robbie Williams del siglo XXI.

Más allá de esta actitud deplorable, al final de cuentas lo peor de Flamingo es el nivel compositivo de cada una de sus canciones. Son decadentes, con melodías muy poco atractivas, entonaciones irritantes y estribillos pavotes… Una pesadilla!! Así nos terminamos preguntando: ¿Cuál es el peor de sus temas? Difícil determinarlo. “Playing With Fire” es tan aburrido que me abruma y encima tiene la peor interpretación vocal de Flowers. “Magdalena” tiene una melodía y unos coros de fondo malísimos. Esos “Ohoh ohoh ohohoh” son irremontables. “Was It Something I Said?” debe ser con esfuerzo su composición pop más detestable. Y “On the Floor” es un enorme “WTF?” ubicado como relleno obvio y barato.

Dentro de esta laguna negra y mortífera, emerge “Crossfire” como el mejor tema del disco, por ser el menos aborrecible gracias su buen estribillo comercial.

Flamingo es un álbum malo, muy malo, de los peores del 2010, que nos confirma que cuando The Killers estaba en descenso, su propio líder siguió hundiéndose por su cuenta.

Persy

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Agenda del Rock Nacional

Agenda del Rock Nacional #9

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Uno de los conciertos mas esperados en la República Argentina en el año es la presentación del Indio Solari junto a su banda Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado en la Ciudad de Salta en el norte del país. Los últimos shows del Indio en Tandil y La Plata se caracterizaron por mover multitudes, un verdadero fenómeno social que promete repetirse con seguidores ricoteros que viajaran a Salta desde toda Argentina.

VIERNES 25
  • Moris – Parque España (Rosario, Santa Fe) 21:30 Hs.
  • Almafuerte – El Teatro Colegiales (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Valentín y Los Volcanes, Los Reyes del Falsete y Los Levingstons – Pura Vida Bar (La Plata, Prov. de Buenos Aires) 24:00 Hs.
  • Viva Elástico y 107 Faunos – Centro Cultural Islas Malvinas (La Plata, Prov. de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Dread Mar I – Skombros Disco (Salta) 23:30 Hs.
  • Miseria Digna – Asbury Club (Ciudad de Buenos Aires) 23:30 Hs.
SABADO 26
  • Indio Solari – Estadio Padre Martearena (Salta) 21:00 Hs.
  • Divididos – The Roxy Quilmes (Quilmes, Prov. de Buenos Aires) 19:00  Hs.
  • Joaquín Sabina – Salón Metropolitano (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Sponsors – Buenos Ayres Club (Ciudad de Buenos Aires) 20:30 Hs.
  • Valentín y Los Volcanes y Intrépidos Navegantes – Centro Cultural Zaguán Sur (Ciudad de Buenos Aires) 22:00 Hs.
  • 107 Faunos y Go Neko! – Plasma (Ciudad de Buenos Aires) 22:00 Hs.
  • Ella es Tan Cargosa – McNamara (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Fabricio Rodriguez & Mr Mojo – Studio Samsung (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • El Kuelgue – Niceto Club (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Sancamaleón – Unione e Benevolenza (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
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Jarvis Cocker

Jarvis Cocker – Further Complications (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Further Complications: 9
  2. Angela: 8
  3. Pilchard: 7.5
  4. Leftovers: 8,5
  5. I Never Said I Was Deep: 9
  6. Homewrecker!: 8
  7. Hold Still: 8
  8. Fuckingsong: 8,5
  9. Caucasian Blues: 8
  10. Slush: 7
  11. You’re In My Eyes (Discosong): 6,5

La búsqueda de melodías minuciosamente elaboradas de Jarvis Cocker en su etapa post Pulp continuaría acentuándose con su segundo material en solitario, Further Complications (2009), aunque con algunos leves retoques.

La historia de Further Complications comienza cuando Jarvis se encuentra con el periodista, productor y músico estadounidense Steve Albini en ocasión del Pitchfork Music Festival llevado a cabo en la ciudad de Chicago en el verano del 2008. Mancomunando esfuerzos probaron algunas canciones ensayaron juntos y con el resultado satisfactorio decidieron grabar juntos el siguiente disco de Jarvis. El resultado fue un disco mas pesado que Jarvis. En declaraciones a la BBC acerca del album Jarvis con su conocido sentido del humor se sincero: “Lo que trate de hacer que este nuevo trabajo, en lugar de sentarme y esperar por la inspiración, que me toma años, esta vez escribimos cosas juntos en equipo”.

El tema que le da nombre a la obra “Further Complications” es de lo más rescatable, pero no hay que olvidarse de “Leftovers”, “Fuckingsong”, “Angela” y “I Never Said I Was Deep” temas que expresan como en toda su carrera la introspección de sus letras agudas y aunque no alcance a ser un gran disco como su antecesor o lo mejor de Pulp siempre se encuentran atisbos de talento y buen gusto en la obra de este ingles poco reconocido en relación a su talento.

F.V.

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Pappo's Blues

Pappo’s Blues – Pappo’s Blues Volumen 2 (1972)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Tren de las 16: 8
  2. Llegará la Paz: 9
  3. Insoluble: 8,5
  4. Tema I / Hay Tiempo Para Elegir: 8
  5. Desconfío de la Vida: 10
  6. Solitario Juan: 8,5
  7. Blues de Santa Fé: 9
  8. Cementerio (Tumba): 8,5

Para su siguiente trabajo, Pappo’s Blues sufriría cambios en su formación. El baterista Black Amaya partiría para incorporarse a Pescado Rabioso y sería substituido por Luis Gambolini. Mientras que David Lebón se sumaría a Color Humano y en su reemplazo aparecería el bajista Carlos Piñata. Con su nueva alineación tan solo un año después de su disco debut llegaría Volumen 2.

Esencialmente su segundo disco no dista mucho de lo que Pappo había demostrado antes. Es más, en cierto punto se le puede reprochar al Carpo no ser un innovador y que su música puede resultar genérica. Sin embargo, estas recriminaciones pierden relevancia por dos cuestiones. En primer lugar, Pappo es uno de los bluseros más virtuosos del país y como tal su talento es irreprochable. Y en segundo lugar, lo que Norberto Napolitano y los suyos logran es generar un blues rock muy versátil. Volumen 2 tiene canciones de hard blues, hard rock, blues con piano e incluso roza el metal.

Estas dos fabulosas cualidades hacen de este disco uno de los mejores en la carrera de Pappo’s Blues. Tiene una consistencia que si le sumamos clásicos asombra. Des el comienzo con el blues rock de “Tren de las 16” el álbum desparrama una infinidad de riffs y solos de guitarra geniales del Carpo. En temas como “Solitario Juan” y “Insoluble” no se pierde ese toque de grandeza. También se puede disfrutar del riff metalero y maloso de “Llegará la paz”, una de las mejores del disco. Por su parte, “Blues de Santa Fé” es un hard blues bárbaro. Ni hablar del Jam instrumental que logra en “Tumba”, en el que parece que Pappo esta ensayando con su guitarra, haciendo destrozos.

Sin embardo, la cuota de diferenciación la aporta su clásico “Desconfío de la Vida” un Blues con piano realmente excelente, un fuera de serie. El estribillo es muy famoso: “Un viejo blues, me hizo recordar” y marca uno de sus momentos cumbres. Una pena que sea corto, al igual que el álbum que puede escucharse en un suspiro. Pero vale la pena.

Persy

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Steppenwolf

Steppenwolf – Steppenwolf (1968)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Sookie Sookie: 8.5
  2. Everybody’s Next One: 7
  3. Berry Rides Again: 7.5
  4. Hoochie Coochie Man: 7
  5. Born to Be Wild: 10
  6. Your Wall’s Too High: 7
  7. Desperation: 7
  8. The Pusher: 8
  9. A Girl I Knew: 8
  10. Take What You Need: 7
  11. The Ostrich: 7.5

Quedará eternamente e indefectiblemente a su máximo hit “Born to Be Wild”; sin embargo, Steppenwolf fue una banda que ofreció mucho más que una canción. Con una amplia discografía y casi cuarenta años de trayectoria, este grupo canadiense – estadounidense entró en la música en una época acorde para el desarrollo de grandes formaciones y artistas.

Formada en Los Angeles en 1967 por el cantante John Kay, el guitarrista Michael Monarach, el bajista Rushton Moreve, el tecladista Glody McJohn y el baterista Jerry Edmonton, Steppenwolf surgió de lo que inicialmente era The Sparrows. El particular nombre de la banda toma su origen en una novela de Hermann Hesse y fueron los sencillos “A Girl I Know” y la muy buena “Sookie Sookie”, las encargadas de dar comienzo a la fructífera carrera.

Este disco debut homónimo, si bien no es descomunal, ofrece muy buenos momentos pasando por distintos tonos, desde los más rockeros clásicos como “Berry Rides Again” a uno más blusero como “Desperation”. La versión de “Hoochie Coochie Man” de Willie Dixon suena también bastante bien, aunque no es el fuerte del disco. “The Pusher” en cambio, con ese sonido denso y combativo, se hizo conocido por la versión en la película Easy Rider de 1969.

Aunque “Born to Be Wild” no proviene del seno mismo de la banda sino Mars Bonfire, un antiguo miembro de The Sparrows, la canción instantáneamente fue tomada como propia por Kay y compañía, quienes le dieron su toque especial para convertirla en un gran hit. La expresión “heavy metal thunder” fue la impulsora del nombre de ese género específico que empezaba a sonar en aquellos revoltosos años sesenta.

Piro

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Los Gardelitos

Los Gardelitos – Gardeliando (1998)

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Puntaje del Disco: 6.5

  1. El tanguito: –
  2. Cobarde para amar: 6
  3. Blues para Caseros: 7
  4. Gardeliando: 6.5
  5. Lo que mis vecinos creen: 6
  6. Amor de contramano: 6
  7. Volveré en tus ojos: 7
  8. Nadie cree en mi canción: 7
  9. Los chicos de la esquina: 6.5
  10. La constelación de la virgen: 7
  11. Libertad condicionada: 6
  12. América del Sur: 6.5
  13. A pesar del viento: 7

A modo de humilde homenaje al mítico cantante e ícono de la cultura argentina, el inmortal Carlos Gardel, Korneta Suárez formó en 1995 una banda que buscó esparcir, a través de sus letras uno de los sentimientos más puros del ser humano, la solidaridad. Desde el barrio porteño de Bajo Flores, Suárez encontró en sus hijos Eli y Bruno a los acompañantes perfectos para comenzar la travesía en la música. El primero en guitarra y voz y el segundo en batería, y Jorge Rossi, amigo de la familia e integrante de Intoxicados, en bajo, completaban la formación inicial de Los Gardelitos.

Formalmente constituida el 25 de Mayo de 1996, las primeras presentaciones del grupo fueron en el Parque Centenario de la Ciudad de Buenos Aires, donde ofrecieron espectáculos gratuitos por casi un año entero. Sin llegar a un acuerdo con las discográficas y recurriendo a fondos propios provenientes de la venta de la camioneta familiar, la banda grabó su primer demo conocido como “Rock Sudaka”, a modo de burla de la imagen que en ocasiones se tiene del exterior respecto al rock nacional.

En el verano de 1998 llegó el momento de “Gardeliando”, el primer disco de esta humilde banda. A través de sus canciones, los integrantes quisieron demostrar que la música era el mejor medio para ayudar al prójimo. Incluso con sus recitales gratuitos en lugares como cárceles de mujeres o villas de emergencia, manifestaban el deseo de inclusión que el rock generaba.

El disco se enfoca en sentimientos profundos con la conciencia social como estandarte. Los géneros oscilan entre el rock (“Liberta condicionada”) y el tango (como queda expresado desde el inicio con la tapa del disco y con la introducción en “El Tanguito”), hasta la chacarera (“Volveré en tus ojos”). A diferencia de las temáticas casi depresivas del tango, Los Gardelitos encuentran una buena combinación con el rock, para hacer de éste un entretenido disco. “La Constelación de la virgen”, con una ligera participación de la guitarra criolla y “Blues para caseros” son dos de los temas que destaco.

Piro

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Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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