The White Stripes

The White Stripes – Icky Thump (2007)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Icky Thump: 9,5
  2. You Don’t Know What Love Is (You Just Do as You’re Told): 8,5
  3. 300 M.P.H. Torrential Outpour Blues: 9
  4. Conquest: 8
  5. Bone Broke: 8,5
  6. Prickly Thorn, But Sweetly Worn: 7
  7. St. Andrew (This Battle Is in the Air): 7,5
  8. Little Cream Soda: 9
  9. Rag and Bone: 9
  10. I’m Slowly Turning Into You: 9
  11. A Martyr for My Love for You: 6,5
  12. Catch Hell Blues: 8
  13. Effect and Cause: 8

Mucha agua corrió debajo del puente para los White Stripes entre Get Behind Me Satan (2005) y Icky Thump (2007); mientras Meg White se mudo a Los Angeles, Jack White contrajo matrimonio tubo una hija y formo su proyecto alternativo The Racounters que alcanzo además de elogios preocupación en los fanáticos de los White Stripes sobre el futuro de la banda.

Mas haya de estos cambios de escenarios Icky Thump, bautizado por ellos mismos como “La música de nuestros tiempos una mezcla de blues, rock, gaitas, banjos y violines americanos.”, mantiene el sello inconfundible del dúo de Detroit pero con una preponderancia en buena hora de la guitarra de Jack, sin dudas uno de los mejores guitarristas de rock en la actualidad, en especial los sonidos hard-rock, blues-rock de principios de los setenta, dejando un poco atrás los pianos y los climas desenchufados que predominaban en su anterior material . El disco incluye una fuerte crítica a la política migratoria de los Estados Unidos. Icky Thump deriva de un coloquialismo de una de las primeras colonias norteamericanas, Yorkshire, en una época en la que los ingleses migraban a Norteamérica en busca de mejores oportunidades de vida. Irónicamente, se le aplica a un personaje que también emigra hacia los Estados Unidos, sólo que esta vez lo hace desde México.

Desde la caótica y genial “Icky Thump” pasando por las roqueras «Catch Hell Blues» y 300 M.P.H. Torrential Outpour Blues”, la graciosa “Let’s Build a Home” y otros momentos interesantes como “Rag and Bone” y “Little Cream Soda” Icky Thump cuenta con demasiados momentos para confirmar que esta “vuelta al rock” es verdaderamente acertada. Con la excepción de un par de temas deslucidos como la balada “A Martyr for My Love for You” y el country “Prickly Thorn, But Sweetly Worn”.

El álbum, como era de esperarse, recibió críticas muy positivas calificándolo como brillante, maduro y una gran diversión escucharlos tocar, este ultimo punto me parece el mas valioso ya que siempre que uno se dispone a escuchar algo donde Jack White es participe (The White Stripes, The Racounters o The Dead Weather) se percibe esa sensación de autenticidad y de que el tipo disfruta de lo que hace lo que lo transforma en uno de los músicos mas auténticos en la industria musical en la actualidad.

F.V.

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Emerson Lake & Palmer

Emerson, Lake & Palmer – Emerson, Lake & Palmer (1970)

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Puntaje del Disco: 9

The Barbarian: 8
Take a Pebble: 8.5
Knife Edge: 8
The Three Fates(Clotho, Lachesis, Atropos): 7
Tank: 8
Lucky Man: 9

Luego de darse a conocer con un magnífico concierto en The Isle of Wight Festival, Emerson, Lake & Palmer editó en 1970 su álbum debut. Siendo un proyecto ambicioso, EL&P corría con la ventaja de haber mostrado pinceladas de talento, que se verían muy bien reflejadas en este gran material.

El disco se basa prácticamente en la suma de las partes que cada uno de estos formidables músicos aportan al todo. A excepción de “The Barbarian”, ninguna de las otras composiciones lleva el nombre de los tres integrantes. Aunque en la mayoría de las interpretaciones predomina el teclado, Keith Emerson se hizo cargo de “The Three Fates” (tal vez la más floja de todas), Greg Lake aportó la dulce balada “Lucky Man” que se convirtió en un emblema del rock progresivo y Carl Palmer compuso “Tank” en donde deja todo su talento a través de un genial solo de batería.

Una de las características de este álbum es la perfecta incorporación de piezas de música clásica, como se aprecian en “The Barbarian” cuando la banda adhiere los arreglos del piano de “Allegro Barbaro” de Bartóck o en “Knife Edge” basado en el primer movimiento de la Sinfonitta de Janáček junto a otra pieza de Johann Sebastian Bach.

“Emerson, Lake & Palmer” obtuvo buenas críticas que le permitieron llegar a un amplio espectro de seguidores y fanáticos del Rock Progesivo. Ubicándose en el cuarto lugar de los charts birtánicos, el disco debut de EL&P se transformó en una pieza fundamental del rock.

Piro

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Mick Jagger

Mick Jagger – She’s the Boss (1985)

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Puntaje del Disco: 6,5

  1. Lonely at the Top: 7
  2. 1/2 a Loaf: 5,5
  3. Running Out of Luck: 6
  4. Turn the Girl Loose: 6
  5. Hard Woman: 8
  6. Just Another Night: 8
  7. Lucky in Love: 7,5
  8. Secrets: 5,5
  9. She’s the Boss: 6

A mediados de los años ochenta, Mick Jagger decidió apartarse por un momento de los Rolling Stones y ser el primero de la mítica banda en empezar una carrera solista en paralelo, que con los años pasaría a compartir con la de los Stones, con ediciones esporádicas de algún que otro disco.

Los shows de los Stones en todo el mundo habían pasado a ser megaconciertos multitudinarios repletos de luces, espectáculo, la particular interpretación de Mick en el escenario, todo esto había conjurado en contra de su música, que es lo que realmente importa. Aunque seguían cosechando éxitos comerciales se encontraban en cierto grado de decadencia posterior a Tatoo You.

El primer trabajo en solitario de Jagger She’s the Boss (1985) no es escapa a este panorama y no hace mas que confirmar lo erráticos que se encontraban en ese entonces.

Mick recluto a grandes guitarristas para distintas canciones como Herbie Hancock, Pete Townshend, Carlos Alomar y Jeff Beck para remplazar un poco el sonido familiar de los Stones hacia algo mas sofisticado. Aunque la presencia de estos grandes guitarristas en casi todos los casos pasa bastante desapercibida por una búsqueda mas orientada al pop comercial que a otra cosa, que obviamente como era de esperar tubo muy buenas ventas de la mano de hits como «Just Another Night», “Running Out of Luck”, «Lucky in Love» y «Hard Woman» que contaron con mucha difusión en los crecientes canales musicales con videos de Jagger actuando en algunos casos rozando lo absurdo.

El resultado de She’s the Boss dejo bastante conforme a Jagger. Al año siguiente editarían con los Stones el olvidable Dirty Work, donde se nota que Jagger y Richards estaban mas pendientes de sus proyectos solistas que de cualquier otra cosa, y su siguiente segundo disco solista no se haría desear mucho mas ya que para finales de 1987 se lanzaría Primitive Cool mas ambicioso comparándolo con su antecesor.

F.V.

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Illya Kuryaki and the Valderramas

Illya Kuryaki and the Valderramas – Chaco (1995)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Chaco: 8,5
  2. Abarajame: 8
  3. Jaguar House: 9
  4. Hermoza From Heaven: 9
  5. Ipanema: –
  6. Remisero: 7,5
  7. Abismo: 9,5
  8. Húmeda: 8
  9. Sirena: –
  10. No es tu Sombra: 8,5
  11. En el Reino (la hija de la esgrima): 7
  12. Hermana Sista: 9
  13. Jalea: 8,5
  14. Mitad de la Canción del Caballo Violeta: 8,5
  15. Hombre Blanco: 7,5
  16. Nacimiento: 7

Dante y Emmanuel se conocieron desde muy chicos, a raíz de la amistad de sus padres, Luis Alberto Spinetta y Eduardo Marti, y con tan solo 12 y 11 años de edad para finales de los ochenta deciden formar una banda junto a sus hermanos menores Pechugo, clara referencia y parodia al insoportable grupo juvenil de moda Menudo.

Luis Alberto Spinetta los incluiría en su disco Tester de Violencia (1988) en el estribillo de la recordada “El Mono Tremendo”. Para 1990 Emmanuel Horvilleur y Dante Spinetta deciden formar su propia banda Illya Kuryaki & the Valderramas, nombre proveniente de un personaje de una serie que eran fanáticos Illya Kuryakin y The Valderramas proviene del apellido del gran jugador colombiano Carlos Valderrama.

Tomaron cierta notoriedad para 1991 con «Es tuya Juan» y «Fabrico cuero», los hits del primer álbum, con letras irónicas y melodías pegadizas. Pero recién en su tercer trabajo con un grado más de madurez se consagrarían definitivamente.

Chaco (1995) fue todo un éxito, vendió más de 250 mil copias y actualmente se sigue vendiendo y es considerado uno de los discos más importantes del rock argentino. Claro, todos recuerdan como sonaban incansablemente sus temas de mayor difusión como “Abarajame” con su recordado video con alusión a las artes marciales, el exaltado “Remisero”, “Chaco” y “Jaguar House” pero Chaco pasa por distintos momentos muchos más interesantes y profundos a mi entender como “Hermoza From Heaven”, “Abismo”, “Hermana Sista”, “Jalea” y “Mitad de la Canción del Caballo Violeta” son el verdadero corazón del disco muy por encima de los hits antes mencionados.

Según los miembros de la banda: «Chaco es un resumen de lo que nos pasó musical y socialmente en los últimos tiempos. El disco propone una nueva mente en la que no haya lugar para las discriminaciones ni la opresión». De ahí sale el nombre Chaco, que es una de las pocas provincias de la Argentina todavía habitada por pueblos originarios.

Numerosos premios y reconocimiento se ganaron los Illya Kuryaki por ese entonces convirtiéndose en uno de los grupos más populares de los noventa y en uno de los principales exponentes del funk en Argentina y en Latinoamérica hasta su separación definitiva a mediados del 2001.

F.V.

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Survivor

Survivor – Eye of the Tiger (1982)

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Puntaje del Disco: 4,5

  1. Eye of the Tiger: 8
  2. Feels Like Love: 5
  3. Hestitation Dance: 6
  4. The One That Really Matters: 6
  5. I’m Not That Man Anymore: 4
  6. Children of the Night: 3
  7. Ever Since the World Began: 5
  8. American Hearbeat: 5
  9. Silver Girl: 5

Por el aprecio que uno le tiene a figuras como Rocky se llega a hacer revisiones de este tipo. Al igual que Tommy “The Machine” Gun, Survivor le debe su existencia a Rocky, y al igual que este personaje no lo reconoce. Survivor es el claro ejemplo de que existen bandas gracias a la popularidad de ciertas películas, en las cuales pegaron un tema que los hicieron famosos. Esto no significa que sean tipos talentosos, todo lo contrario, su vida depende de las regalías de ese “Hit”, en este caso llamado “Eye of the Tiger”, en base al cuál construyen un disco ENTERO!!

Survivor es un One Hit Wonder, un rotulo que debería ser muy triste para un grupo. Pero se hunde aún más por hacer música imitando a Phil Collins (sí, odiamos a Phil Collins sépanlo). Es AOR (Adult Oriented Rock), un género típico de la década de los ochenta que hace quedar mal a los adultos de esa época, por lo mediocre, poco creativo y comercial.

Sin embargo, lo PEOR es claramente la particular voz de ese muchacho llamado Dave Bickler. Este tipo canta como un vocalista de música disco ochentosa, como si combinara a Rod Stewart con Michael Bolton. Una mariconeada que nos invita al siguiente cuestionamiento: ¿Por qué Rocky además de sus predecibles peleas emocionantes nos trae estas porquerías insufribles?

OK. No todo es una porquería en este disco, simplemente casi todo. Como era de esperarse la mejor canción es su archi reconocido Hit “Eye of the Tiger”, cuyo rasgueo y melodía clásica lo hicieron un himno atemporal. Pero justamente “Eye of the Tiger” es el primer tema. Luego tenemos que comernos el montón de basura compositiva de esta banda.

Todas las canciones tienen algo que desmoraliza seguir escuchando el disco. En algunos casos llegando a niveles muy bajos como “Children of the Night”, que arranca bien hasta que el estribillo lo arruina y termina trágicamente. También tenemos a baladas irremontables como “I’m Not That Man Anymore” y “Ever since the worl began” (que agrega piano a lo Elton John y la estropea la voz de Bickler). “Feels Like Love”, por su parte, tiene la esencia clásica de Rocky y al mismo tiempo coros muy malos. Y si queremos más rock, “Hestitation Dance” en general se salva, porque tiene intervalos que recuerdan a AC/DC (bah, es un plagio), pero nuevamente la voz “a lo Stewart” del cantante nos deja atragantados.

El tiempo será el encargado de decirnos si las películas de los ochenta fueron mejores que las bandas de los ochenta…

Luquitas Bonjo/Persy

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Pez

Pez – Cabeza (1994)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Rompe El Alba: –
  2. Lo Que Se Ve No Es Lo Real: 8
  3. Introducción Declaración Adivinanza: 8,5
  4. … Y El Barco Se Llama Ganga Yamuna: 9
  5. Edificios (Cavernas 2): 8
  6. Talismán: 6,5
  7. Cortapescuezos: 8
  8. Pensar En Nada: 8
  9. Dios no existe: –
  10. Creo Firmemente en la Reencarnación y en mi Próxima Vida Seré Una Hamburguesa con Queso: 7
  11. Cae Y Nada Pasa: 7
  12. La Alma De Ana: 7,5
  13. El Hombre Al Que Nada Perturba: 7,5
  14. Rompo Tu Piel De Asno (Monstruo): 7,5

El under argento de los noventa tuvo sus grupos que vale la pena conocer. Pez fue uno de ellos. Esta banda nacería en 1993, a partir de la unión de Ariel Minimal (voz y guitarra) y los hermanos Poli y Alez Barbieri (bateria y bajo respectivamente). En el año 1994 el trío editaría su primer disco Cabeza que recibiría muy buenas críticas y sería un digno comienzo en su trayectoria.

En Cabeza, cuando escuchamos a Pez nos encontramos con un grupo inquieto, que parece de hard rock de los setenta, pero simultáneamente tratando de sonar como una banda alternativa de los noventa. Desde este aspecto, lo más destacado es como se desenvuelven estos tres sujetos, estas tres cabezas que rockean desmedidamente (nota: la imagen de la portada sería de 3 prepucios, al parecer de los miembros del grupo).

Sin embargo, a pesar de que a lo largo de todo el álbum siguen una misma línea, desde mi punto de vista el disco se divide en dos partes en cuanto a su calidad. La primera parte es cuando la banda rockea con saña y además siendo interesantes por su comportamiento que experimenta con lo impredecible. Es acá donde tenemos muy buenas canciones, intensas y penetrantes como “Y El Barco Se Llama Ganga Yamuna”, “Introducción Declaración Adivinanza” y el cover estruendoso de la canción de Leon Gieco “Pensar en Nada”.

En cambio, en la segunda parte baja un poco el nivel, porque se torna más reiterativo y menos atractiva. Pero no por eso el disco deja de ser bueno.

Tiempo más tarde, los hermanos Barbieri se irían de la banda, quedando solo la figura de Minimal, quien sería el único miembro original de Pez que se sucedería en sus posteriores formaciones.

Persy

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Dinosaur Jr

Dinosaur Jr – Bug (1988)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Freak Scene: 9
  2. No Bones: 8,5
  3. They Always Come: 8
  4. Yeah We Know: 8,5
  5. Let It Ride: 8
  6. Pond Song: 9,5
  7. Budge: 8,5
  8. The Post: 9
  9. Don’t: 3

El año 1988 fue un año importante para los grupos alternativos de los ochenta. Sonic Youth alcanzaría su momento cumbre con Daydream Nation, por su parte Pixies y My Bloody Valentine editarían sus excelentes discos debut. Dinosaur Jr. también sería participe de este momento de auge y sucedería su muy buen segundo disco, con otro álbum asombroso como Bug.

En esta oportunidad Dinosaur nos ofrece un trabajo con melodías más accesibles respecto a las que se podían escuchar en You’re Living All Over Me. De igual manera la banda sigue increpando en la vertiente alternativa más ruidosa, pero esta vez siendo más heavy y metalera de lo que venía siendo.

Si bien Bug tiene un nivel parejo y sus temas se mueven más o menos dentro de los mismos estándares, en el podemos destacar 3 canciones que hacen la diferencia sobre el resto: “Freak Scene”, que tiene la melodía más pop y atractiva del álbum; “Pond Song”, un tema que imita el estilo folk de R.E.M. pero con la intensidad de Dinosaur; y “The Post”, que es uno de los más duros e interesantes del álbum.

Desafortunadamente, Bug también da lugar a porquerías como “Don’t”, que es metalcore extremo, paupérrimo e inaguantable, con Barlow gritando “Why don’t you like me?” hasta saturarte. Preferible omitirlo para quedarnos con la idea de que el disco es realmente muy bueno.

Persy

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John Lennon, Noticias, Relatos y Notas Especiales

Por Siempre Lennon

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Irreverentes, espontáneos, innovadores, creativos o simplemente extraordinarios. Estas y muchas otras cualidades podrían encajar perfectamente para describir a una gran cantidad de grandiosos músicos que con su talento desafiaron los límites del tiempo y espacio y alzaron sus voces más allá de sus propias vidas. Ni siquiera la muerte impidió que su música trascendiera a las nuevas generaciones de jóvenes deseosas de conocer lo que sus legados significaron.

Del resultado de la última encuesta cuatro artistas fueron quienes, de acuerdo a nuestros lectores, desearían ver nuevamente en el mundo de los vivos. Con ciertas diferencias en cuanto a los estilos, pero con varias características comunes, Freddie Mercury, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y John Lennon se convirtieron en los Fabulosos Cuatro que deberían pisar otra vez los escenarios terrenales.

Sin embargo, fue Lennon quien obtuvo la mayor valoración y es por eso que en coincidencia con su aniversario número 70 y a pocos días de cumplirse 30 años de su fatídico asesinato, en el Persi Music queremos homenajear a  un ícono de la música contemporánea. Qué más se puede decir que no se haya dicho de este genial cantante, guitarrista, compositor, activista político y quién sabe cuántas cosas más. Con sus letras marcó a una generación que deliró con la Beatlemanía, que lo siguió durante sus protestas en contra de la Guerra y que lloró desconsoladamente cuando fue asesinado. Su música nunca dejará de sonar y sus grandes melodías seguirán esparciendo a un mundo que cada vez más extraña a un grande como John Lennon.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 5)
Molotov

Molotov – ¿Dónde Jugarán las Niñas? (1997)

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molotov-3011825Puntaje del Disco: 8

  1. Que no te haga bobo Jacobo: 7
  2. Molotov coktail party: 7,5
  3. Voto latino: 8,5
  4. Chinga tu madre: 8
  5. Gimme the Power: 9
  6. Mátate teté: 6
  7. Más vale cholo: 6,5
  8. Use it or lose it: 7,5
  9. Puto: 8
  10. ¿Por qué no te haces para allá?… al más allá: 7
  11. Cerdo: 7,5
  12. Quítate que ma’sturbas (Perra arrabalera): 8

Como una bomba a punto de explotar, Molotov surgió del under mexicano a mediados de la década de los noventa como una de las pioneras en Latinoamérica en expresar su posición antisistema combinando diversos estilos musicales. Utilizando el doble sentido, el humor “lacra” y varios insultos, la agrupación liderada por Tito Fuentes se encontró con un numeroso público que, cansados de las mentiras de sus gobiernos, llevaron a Molotov hacia un suceso inusitado.

En 1996 y tras tocar en diversas cuevas en la Ciudad de México, Molotov encendió la primera mecha cuando fue telonera de Héroes del Silencio y fue luego de acompañar en un recital a Illya Kuryaki and the Valderramas que un cazatalentos vio que la bomba iba a estallar y les ofreció grabar un disco.

En Julio de 1997 salió a la venta “¿Dónde Jugarán las Niñas?”, parodiando al disco de Maná “¿Dónde Jugarán las Niños?”. La portada del disco mostraba a una adolescente bajándose de un auto con la ropa interior baja en alusión a una prostituta o a una colegiala. A pesar de que muchas tiendas se negaban a vender el álbum, los integrantes de la banda se las ingeniaron para que su música llegara a cuanto fanático encontrasen.

Mezclando el castellano con el inglés y arremetiendo con insultos, lenguaje vulgar y combinando el rock con el hip-hop, Molotov presenta claras influencias en Rage Against the Machine, The Red Hot Chili Peppers y Bestie Boys. Las mismas quedan evidenciadas en casi todo el disco en el que los gritos acaparan gran parte, como en “Más Vale Cholo”.

“Voto Latino”, “Chinga tu Madre” y “Gimme the Power” conforman el tridente más exitoso y expresivo de la reivindicación que Molotov le otorga al poder Latino. “Puto” es otro de los temas que, sea por la controversia que generó o por su composición, se transformó en un clásico de la banda.

“¿Dónde Jugarán las Niñas?” le dio a Molotov un espacio de expresión que muchos jóvenes mexicanos deseaban escuchar. Surgía una banda que sin escrúpulos denunciaban lo que a su entender no anda bien en América Latina.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Tu dosis necesaria de discos, películas, series y más

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