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The Brian Jonestown Massacre

The Brian Jonestown Massacre – Thank God for Mental Illnes (1996)

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The Brian Jonestown Massacre - Thank God for Mental Illnes (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. Spanish Bee: 8,5
  2. It Girl: 9
  3. 13: 7,5
  4. Ballad of Jim Jones: 8
  5. Those Memories: 7,5
  6. Stars: 8,5
  7. Free and Easy, Take 2: 8
  8. Down: 8,5
  9. Cause I Love Her: 7,5
  10. Too Crazy to Care: 7
  11. Talk – Action = Shit: 7
  12. True Love: 7,5
  13. Sound of Confusion: 8

Tres discos en un año, eso fue lo que hicieron los Brian Jonestown Massacre en  1996. Una ecuación inversa a lo que pasa hoy en día: la mayoría de las bandas saca un disco cada 3 años. Algo admirable que representa el gran momento que pasaba este grupo inspirándose en los Rolling Stones y que evidentemente les dio material suficiente para lanzar nada menos que 3 trabajos discográficos que no son para nada cortos (este dura más de 1 hora para que se hagan una idea).

Thank God for Mental Illnes en este caso en particular sigue demostrando su admiración por los Stones, pero a diferencia de los anteriores hace más foco en si sonido más acústico, más country y también en ese rock medio rancio de sus primeros años. Aunque justamente la etapa que eligieron no se puede decir que haya sido exactamente la mejor de la banda de Jagger, sus años posteriores tuvieron mayor inspiración.

De todas formas bajo esta premisa, BJM desarrolla un álbum que podría dividirse en dos partes: la primera abocada al country rock que comentaba, que tiene cierta tonalidad sombría atractiva especialmente al comienzo con “Spanish Bee” e “It Girl” y luego en “Down”. En esa primera parte, logran buenos resultados y otros un tanto más genéricos y toscos. Pero lo importante y admirable es que parece un álbum completamente añejo, muy de los sesenta. Si uno lo escucha no se daría cuenta que estamos hablando de un grupo de los noventa. En ese sentido es una genialidad.

La segunda parte de Thank God es ese corte de nada menos que 33 minutos de duración llamado “Sound of Confusion” que podría identificarse como una especie de Suite porque está integrado por distintas canciones. Pero la realidad es que parece más un disco diferente dentro de Thank God, porque: en primer lugar los diferentes pasajes de “Sound of Confusion” no tienen  una clara conexión entre sí; y en segundo lugar, porque no tiene la mística sesentosa de la primera parte del álbum. Los Brian Jonestown Massacre suenan más a un grupo de rock alternativo de los noventa, desprendiendo algunas buenas melodías y también 7 minutos iniciales totalmente omitibles de puros sonidos de ambiente que parecen tomados de una calle.

Thank God for Mental Illnes termina siendo el más flojo de la trilogía que lanzaron en 1996, pero solo por el hecho de que decidieron homenajear la etapa menos interesante de los Stones en los sesenta y porque “Sound of Confusion”, es justamente media hora que confunde más en lugar de realzar lo bueno que hicieron en la primera parte del disco.

Persy

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Soundgarden

Soundgarden – Ultramega OK (1988)

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Soundgarden - Ultramega OK (1988)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Flower: 7
  2. All Your Lies: 8
  3. 665: 7,5
  4. Beyond the Wheel: 9
  5. 667: –
  6. Mood for Trouble: 7
  7. Circle of Power: 8
  8. He Didn’t: 7,5
  9. Smokestack Lighting: 7,5
  10. Nazi Driver: 6,5
  11. Head Injury: 7,5
  12. Incessant Mace: 8
  13. One Minute of Silence: –

La expresión primaria, punk y extrema de Soundgarden se puede encontrar en esta su primera incursión discográfica, Ultramega Ok (1988).

Cuenta la leyenda que en el amanecer de los ochenta el bajista Hiro Yakamoto y el baterista y cantante Chris Cornell tenían una banda en Seattle llamada The Shemps, por la que también pasó el guitarrista Kim Thayil. Al principio funcionaron como un trío, pero al poco tiempo, Cornell se concentraría más en su performance vocal y sumaron a sus filas al percusionista Matt Cameron. Con mucho esfuerzo la banda publicó sus dos primeros EPs y su repercusión fue clave para que el mundo notase qué era lo que estaba ocurriendo en los márgenes del estado de Washington.

Todavía alejados del grunge (Aunque sin dudas fueron uno de los principales responsables de cimentar las bases para que este naciera), Ultramega Ok combina el metal oscuro, el hardcore, la psicodelia con un resultado particular y distinguido a la vez. A pesar de esto los jovenes Soundgarden no estuvieron del todo conforme según relató Chris Cornell años después: “Nos gustaron las canciones pero estábamos decepcionados por la producción. Hacíamos chistes con el final del producto, le llamábamos Ultramega Está bien, Ultramega Podría haber sido mejor pero no está mal.” Y agregaría: “En términos del material, trabajamos como veníamos haciéndolo siempre, pero el productor no estaba acostumbrado al sonido que queríamos, y no tenía la más puta idea de lo que estaba pasando en Seattle.”

Este trabajo no será brillante pero es un claro ejemplo de potencia y agresión. “Flower” fue el único single que se desprendió del material. Su video musical salió al aire en forma regular en MTV, ayudando a captar la atención de la escena grunge naciente de finales de los ochenta. Soundgarden promocionó el disco en una gira por los Estados Unidos y en 1990 se ganó una nominación por “Mejor Performance de Metal”, logrando captar la atención en forma progresiva con el correr del tiempo.

F.V.

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Mundial de Bandas

Mundial de Bandas 2015: Semifinales

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Uff… Qué manera de sudar. Luego de una semana realmente muy apasionante, especialmente el último día de votación, que ya se está transformando en un clásico en el que todos los votantes aprovechan para lanzar sus votos para que gane su grupo, podemos decir que estos fueron los mejores Cuartos de Final en la historia de los Mundiales de Persi Music. Motivado por los grandes clásicos como Blur vs Oasis y The Beatles vs The Rolling Stones. Pero lo cierto es que ustedes fueron los que le pusieron color y pimienta a las votaciones. A sí que de nuestra parte, tenemos que decirles: ¡Gracias!

Pero que no decaiga que hay que todavía falta lo más importante.

Premios de la Fecha

Mejor Banda de la Fecha: The Beatles. De los cuatro enfrentamientos, los 4 fantásticos de Liverpool fueron los que ganaron con mayor claridad sobre su rival. No solo eso, sino que enfrente tenían a los Stones. La contienda tuvo a los de Lennon y McCartney arriba de entrada, y si bien Jagger y compañía se arrimaron descontando diferencia, sobre el final los Beatles definieron la serie dejando en claro que no quieren que se les escape este Mundial.

Revelación: Blur. Dulce venganza. Albarn y los suyos tuvieron que hacer frente a un clásico muy caliente contra sus archi enemigos. Y así se vivió, en la previa y en el durante. Fue un partido cambiante en el que parecía que los Gallagher podían manejarlo por la mínima, pero Blur a fuerza de votos logró darlo vuelta y mantenerse arriba soportando los embates de su adversario. Ganó Blur el primer y hasta ahora único enfrentamiento contra Oasis, por una diferencia muy chica dejando afuera al último Campeón. Tras la derrota se especula un retorno de Oasis luego de su separación para tomar revancha. Y ya se pueden ver algunos memes en internet de cargadas contra Oasis.

Enfrentamiento Más Parejo de la Fecha: The Who vs Pixies. Sangre, sudor y lágrimas tuvo que soportar The Who para eliminar a una de las grandes revelaciones de este mundial. Sorprende un poco que un grupo de Rock Alternativo haya llegado tan lejos, pero no olvidemos que eliminó a titanes como Queen. Así fue la victoria de Pete, Roger, John y Keith, bien sufrida y angustiante. Y así lo festejaron, se sacaron de encima un escollo durísimo y están un paso más cerca de su objetivo.

Decepción: Ninguno. Al contrario, habría que felicitar a todos por los impresionantes Cuartos de Final que se vivieron fueron de lo mejor del Mundial.

La Previa de Semifinales

Led Zeppelin vs Blur. No hablamos mucho de Zeppelin hasta ahora. Pero viene haciendo un Mundial realmente muy bueno a fuerza de puro Rock, con los grandes Riffs y Solos de Page, los alaridos de Plant, los arreglos de Jones y la aplastante fiereza de Bonham. Si superan a Blur puede repetirse la final del Mundial del 2010 para vengarse de The Beatles y ser Campeón por primera vez. Del otro lado, marcando tenemos a Blur que viene dulce por derrotar a su clásico rival. Y parece mentira, pero está a solo dos partidos de transformarse en Campeón Mundial. En fin, es un duelo de estilos que promete mucho, el Hard Rock místico de Zepp contra el remarcable Britpop de Blur. ¿Logrará Led Zeppelin llegar a una final nuevamente? ¿Será Blur capaz de dar otro zarpazo? ¿Los fanáticos de Oasis se vengarán votando en su contra?

The Beatles vs The Who. Atención: si pierden los Beatles, tendremos un nuevo campeón que no se haya consagrado antes. No solo eso, si pierden corren serios Riesgos de perder el Puesto 1 en el Ranking de Bandas de Persi Music. Pero claro, los Beatles son los Beatles. Si hay una banda que nadie quiere enfrentarse en un mano a mano es contra ellos. Sin embargo, en los últimos mundiales flaquearon en instancias finales. De todas formas, John, Paul, George y Ringo desplegarán todo su talento e interpretarán clásico de la talla de “I Am The Walrus” y “Hey Jude” porque una derrota no está en sus planes. Enfrente tenemos a The Who, que viene cumpliendo de manera irreprochable, ganando su grupo y eliminando a los “Cucos” con los que nadie quiere perder como The Stone Roses y Pixies. Con la moral en alza demostrarán porque son un supergrupo que no tiene nada que temerle a sus contemporáneas de Liverpool. Prometen que clásicos como “My Generation” y “Baba O’Riley” se harán sentir.  ¿Logrará The Beatles llegar a una final nuevamente? ¿Será este el Mundial de The Who?

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Al Stewart

Al Stewart – Modern Times (1975)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Carol: 8
  2. Sirens of Titan: 7
  3. What’s Going On?: 7
  4. Not the One: 7
  5. Next Time: 7.5
  6. Apple Cider Re-Constitution: 8
  7. The Dark and the Rolling Sea: 8
  8. Modern Times: 7.5

Tras el éxito de Past, Present and Future, en 1975 Al Stewart decidió enfocarse en el presente y editar Modern Times, su sexto álbum de estudio, que contó con la producción de Alan Parsons.

Mucho más asentado con un estilo folk, Stewart presenta un disco que logra condensar en tan sólo ocho composiciones, un buen repertorio de historias simples acompañadas por melodías agradables como en “Sirens of Titan” y “Apple Coder Re-Construction”.

“Carol” se transformó en el primer hit de Stewart que le permitió extender su música más allá del Atlántico y posicionarse en los Estados Unidos.

Piro

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León Gieco

Leon Gieco – Pensar en Nada (1981)

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Leon Gieco - Pensar en Nada (1981)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Pensar en Nada: 8,5
  2. Bajo el Sol de Bogotá: 7
  3. Soy un Pobre Agujero: 8,5
  4. La Cultura es la Sonrisa: 7
  5. Bajaste Del Norte: 7,5
  6. Canto Dorado: 7
  7. Vino Algo y lo Arrasó: 6
  8. Los Accidentes de la Ruta: 8
  9. Cumbia de la Ciudad: 5,5
  10. Aquí, Allá, Hoy o Mañana: 9
  11. Chacarera de un Atardecer: 7,5
  12. Vení Que Te Digo Algo: 6,5

Como ocurrió con muchos de sus compatriotas en tiempos tumultuosos de la última dictadura militar, León Gieco debío exiliarse en 1978 en los Estados Unidos, más presisamente en Los Angeles. Sobre su situación desesperante en aquella ciudad el artista la relataría de la siguiente manera en tono divertido: “Cometía locuras, iba a pedir laburo de barrendero o de limpia casas con el Disco de Oro que había ganado con mi primer álbum. Al tipo que me atendía le decía: «Estoy dispuesto a cualquier cosa. Soy músico, y para que se dé cuenta de que soy buena gente acá está mi Disco de Oro». Y el tipo no lo podía creer. Entonces me miraba con más desconfianza todavía.”

Por suerte para el las malas épocas no durarían tanto y para finales de ese mismo año llegaría el éxito de su cuarto LP, con temasos como “Solo Le Pido a Dios” y “Cachito, Campeón de Corrientes”. Unos años más tarde sería el momento de Pensar en Nada (1981), su quinta placa editada bajo el sello Music Hall y producido por Oscar Lopez, que si bien tuvo algunos momentos de gloria como la canción que le da el título al álbum, “Soy un Pobre Agujero” y “Aquí, Allá, Hoy o Mañana” no alcanzaría el suceso de su anterior material, que a decir verdad era una misión casi imposible.

El León “folklorico” se encontraba cada vez más presente. Pensar en Nada fue el puente que atravesaron los jovenes para llegar al folklore, género que en su mayoría despreciaba. Sin embargo Gieco hizo cantar chacareras, chamames y sus seguidores roqueros por naturaleza no tomaban conciencia que León los unía con sus padres, profesores de música, etc.

Luego de presentar el disco por todo el país Gieco alcanzó un estado de agotamiento mental que lo alejaría de los escenarios por un buen tiempo, según relata con detalle en el siguiente extracto de una entrevista actual: “En el 82 se terminaba la dictadura, yo estaba agotado de eso, venía agotado de las anfetaminas, del alcohol, y aparte aparecía una new wave, con chicos cantando con corbatas amarillas… Sufrí un agotamiento mental, físico, emocional y moral, y para colmo, lo que más me agotó fue que, a pesar de haber estado en las listas de próximos desaparecidos y prohibidos por la dictadura, el mismo gobierno militar ahora les exigía a las radios que pasaran «Sólo Le Pido a Dios» como de interés nacional. Me explotó la cabeza. Entonces me fui a Cañada, y lo que iban a ser tres meses fueron como tres años de no tocar. Volví recién en el show que hicimos Mercedes, Milton Nascimento y yo en Vélez Sarsfield, en 1984. Entonces fue cuando Mercedes me invitó a Alemania; hicimos una gira gloriosa. Yo me sentí muy bien. Sólo cantaba «Sólo le pido a Dios», pero me armé una banda de folklore para tocar chacareras, zambas y chamamés. Dimos vuelta por Alemania, Dinamarca, Suecia, tocando música folklórica.

F.V.

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Nick Cave & The Bad Seeds

Nick Cave & The Bad Seeds – Tender Prey (1988)

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Nick Cave & The Bad Seeds - Tender Prey (1988)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Mercy Seat: 8,5
  2. Up Jumped the Devil: 8
  3. Deanna: 7
  4. Watching Alice: 8,5
  5. Mercy: 7,5
  6. City of Refuge: 8
  7. Slowly Goes the Night: 8,5
  8. Sunday’s Slave: 8
  9. Sugar Sugar Sugar: 7
  10. New Morning: 7,5

Tender Prey (1988) es otra parada dentro del recorrido de excelentes e imperdibles lanzamientos de Nick Cave and the Bad Seeds en la década del ochenta.
A pesar de recibir críticas positivas por aquel tiempo, con el correr de los años Cave lo vería de una forma bastante negativa: “Estuvo hecho en un momento difícil de mi vida donde las cosas estaban fuera de control en un montón de áreas.” Y agregaría: “Fue una pesadilla. Refleja al grupo, y particularmente a mi, escribiendo canciones sin una idea detrás. Veo una mala producción y malas interpretaciones a la vez.”

Visto desde afuera podemos decir que Cave exageró un poco en su crítica. Estamos ante un disco poderoso que profundizó y elevo las búsquedas anteriores de Nick Cave y compañía hacia un nuevo nivel. Desde el inicio con uno de los clásicos en su repertorio como la oscura y desgarradora “The Mercy Seat”, pasando por otras piezas destacables como “Watching Alice”, “City of Refuge”, “Slowly Goes the Night” y “Sunday’s Slave”, podemos afirmar que estamos ante un buen trabajo de los Seeds, no es una obra maestra ni mucho menos y si parece ser bastante poco uniforme pero no deja de ser por demás satisfactorio.

Nick dedicaría Tender Prey a Fernando Ramos da Silva, actor brasilero de la década del ochenta que salto a la fama interpretando a un chico pobre de las calles de brasil en el film: Pixote quien fuera asesinado por siete balazos a los 19 años en Agosto de 1987 por la policía de San Pablo.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 5)
The Antlers

The Antlers – In the Attic of the Universe (2007)

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The Antlers – In the Attic of the Universe (2007)

Puntaje del Disco: 7

  1. In the Attic: 7,5
  2. Look!: –
  3. On the Roof: 7
  4. Shh!: –
  5. The Universe is Going to Catch You: 8
  6. The Carrying Arms: –
  7. In the Snow: 7
  8. Stairs to the Attic: 8

In the Attic of the Universe es el segundo disco de The Antlers, siguiendo la misma vena que su debut, vuelve a ser un disco acústico y Lo-Fi grabado en la recamara del compositor Peter Silberman, cuando él era en si “The Antlers”, es decir sin el apoyo definitivo de una banda. Creado como una especie de experimento sónico, el trabajo es corto, pero gira en torno a una misma temática musical y un mismo concepto, de modo que algunos definen a este trabajo como una enorme canción dividida en partes.

Como el título indica, este álbum gira en torno al concepto de la vastedad del Universo, invitando al oyente a perderse en una reflexión sobre la naturaleza; una especie de viaje místico y agradable. Para ello se auxilió de un sonido muy ambiental, con instrumentales agradables y canciones donde la guitarra acústica manda y se auxilia con delicados arreglos.

Si bien la producción aun es algo deficiente, aquí la voz de Silberman vuelve a ser el plus del trabajo, transmitiendo muy bien sus sentimientos, cambiando entre partes donde casi susurra a crear estrofas emotivas. “In the Attic” es una pieza introspectiva y plenamente acústica, “On the Roof” tiene un outro espectacular, pero los temas que se llevan los aplausos son “The Universe is Going to Catch You” de lo mas animador y realizado que hay en el disco, así como “Stairs to the Attic” que va creciendo conforme avanza.

Un disco para escuchar por media hora antes de ir a dormir, In the Attic of the Universe, es un avance en la creatividad de Silberman, quien para su próxima aventura reclutaría ya una banda compleja y evolucionaria en un sonido envolvente y complejo con su tremendo Hospice.

Gera Ramos

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(Votos: 0 Promedio: 0)
Anthrax

Anthrax – Fistful of Metal (1984)

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Anthrax - Fistful of Metal

Puntaje del Disco: 5

  1. Deathrider: 6,5
  2. Metal Thrashing Mad: 6,5
  3. I’m Eighteen: 5,5
  4. Panic: 5,5
  5. Subjugator: 5,5
  6. Soldiers of Metal: 4,5
  7. Death from Above: 4
  8. Anthrax: 7,5
  9. Across the River: –
  10. Howling Furies: 6

No sé qué es más feo, si la tapa del disco o su contenido. Lo cierto es que Fistful of Metal es el álbum debut de Anthrax, en el que dejan en evidencia para que estaba la banda o qué les gustaba hacer: Speed Metal y Thrash Metal. ¿Pero qué los distingue en este primer disco? La verdad que nada.

En su primer disco, se nota que Anthrax tenía un estilo que les gustaba, pero no una identidad propia que los distinga. El Metal ciertamente es veloz y furibundo como su cualidad destacable, pero ninguna canción uno la escucha y dice: “Esto es Anthrax”. Más concretamente es un grupo de metal de los ochenta del montón.

Y este estilo lo llevan a su altura más genérica y repetitiva. Los temas suenan prácticamente iguales y en canciones como “Soldiers of Metal” y “Death from Above” llegan a su nivel más hueco.

Párrafo aparte merece la voz de Neil Turbin, que me hace acordar a la de Ian Gillan en varios pasajes del álbum. Aunque obviamente este tipo tira más agudos pero sin llegar a producir la misma energía furiosa del vocalista de Deep Purple. Y además tiene pasajes en que te dan ganas de acogotarlo para que se calle de una buena vez.

Fistful of Metal es el ejemplo de que la velocidad y los riffs pesados no garantizan que un disco sea bueno, salvo que lo que estés buscando sea estrolar tu cabeza infinitas veces contra una pared.

Persy

 

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Air

Air – Talkie Walkie (2004)

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Air - Talkie Walkie (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. Venus: 7,5
  2. Cherry Blossom Girl: 8,5
  3. Run: 9
  4. Universal Traveler: 8
  5. Mike Mills: 6
  6. Surfing on a Rocket: 7,5
  7. Another Day: 8
  8. Alpha Beta Gaga: 8,5
  9. Biological: 7
  10. Alone in Kyoto: 8

El segundo dúo francés de música electrónica más importante, después de Daft Punk, sus contemporáneos Air, lanzarían su cuarto larga duración, Talkie Walkie en el invierno europeo de 2004.

El toque del reconocido productor Nigel Godrich dio sus frutos y Air nos ofrecería un punto medio entre sus anteriores lanzamientos, el complejo, experimental y arriesgado 10,000 Hz Legend y el pop electrónico amigable de Moon Safari, así muchos de los seguidores que se vieron desconcertados con su anterior material se volvieron a deleitar con los sonidos menos complejos y haciendo lo que mejor saben.

Los franceses suenan frescos y enfocados despachando temas elegantes y pegadizos a la vez como “Cherry Blossom Girl”, “Run”, “Another Day”, “Alpha Beta Gaga” y “Alone in Kyoto”, este último es quizás su composición menos directo y asociado a la atmosfera general del disco, y fue compuesta especialmente para la banda sonora del film Lost in Translation (2003) de Sofia Coppola, la hija del gran Francis Ford, con quien ya habían trabajo para The Virgin Suicides.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)