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Exile on Blues Street (2003)

Exile on Blues St.

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Ventilator Blues (Lucky Peterson): 8
  2. All Down The Line (Christine Ohlman): 7
  3. Rip This Joint (Tommy Castro): 7
  4. Sweet Black Angel (Otis Taylor): 7
  5. Sweet Virginia (Jeff Lang): 9
  6. Tumbling Dice (Colin James): 6
  7. Shake Your Hips (Tab Benoit): 7
  8. Shine A Light (Joe Louis Walker): 8
  9. Happy (Deborah Coleman): 7
  10. Rocks Off (Jimmy Thackery): 7

Corría el año 71 y los Stones se encontraban en serias dificultades monetarias debido a sus problemas legales con el fisco inglés. Por tal motivo deciden tomarse el buque a Francia y recalar en la mansión que Richards poseía en el sur del país galo.

Como muchos ya saben fue una situación caótica; la fuerte adicción de Keith, los desplantes en las sesiones de los demás integrantes, un sucio y húmedo sótano como estudio de grabación daban las pautas de que aquella cruzada no llegaría a buen puerto. Pero había un factor sorpresa que torcería esta historia: el talento de la banda.

Exile on Main Street es un disco memorable en donde sus majestades cierran su etapa más creativa. Un trabajo en el que como nunca estuvieron tan cerca de todas sus influencias americanas (gospel, R&B, country y blues) y se lo llego a tildar como “el mejor álbum negro jamás grabado por unos blancos”.

Treinta años después el sello Telarc para completar su trilogía de tributos que había comenzado con The Beatles y Dylan decide homenajear semejante faena stoniana convocando a diversas luminarias del género.

El «Exile On Blues Street» no cuenta con los 18 track originales, solo diez de los temas más sustanciales hacen de la partida. El afamado productor Randy Labbe (una eminencia blusera tras bastidores), la base rítmica de la Double Trouble de Vaugahn (Tommy Shannon y Chris Layton) y Brian Stoltz (un veterano de la escena swamp blues de New Orleans) en guitarras serian de la partida inicial.

El disco comienza a lo grande con «Ventilador Blues» por Lucky Peterson y ese slide sublime para adornar uno de los mejores blues de Jagger & Richards. Christine Ohlman, una de las estrellas de la «Saturday Night Live Band», le pone toda su potencia setentera a «All Down The Line». «Rip This Joint» por el ascendente Tommy Castro no se sale del libreto y está perfecto al igual que Otis Taylor en «Sweet Black Angel» donde además cuenta con la valorable ayuda coral.

Llegamos a un plato fuerte porque es una de las mejores canciones del disco del 72 y nos referimos a «Sweet Virginia» por Jeff Lang, acústica y lamento se dan la derecha para una pieza artesanal que requiere varias escuchas para apreciar tal denominación.

Ahora viene «Tumbling Dice» por Andrea Re y Colin James, a mi parecer lo más flojo del disco, quizás porque uno no se pueda despegar de la inolvidable versión de Johnny Copeland o Linda Rhonstadt.

Tab Benoit, el mago de los pantanos de Louisiana lleva a «Shake Your Hips» a un punto entre Hooker y los Heat’s tan emparentados. «Shine A Light», un gospel exorcisado por Joe Louis Walker con su eléctrica y ese saxo de Ryan Zoidis hacen el punto más alto del tributo. «Happy» y «Rocks Off» por Deborah Coleman y Jimm Thackery respectivamente están acertadísimos respetando los primitivos para cerrar una justa ofrenda a los Rolling Stones.

Solo resta esperar y no perder la fe en que algún día se vuelvan a encerrar en algún tugurio para regalarnos ese tan ansiado disco blusero que nos deben a los que amamos el género…

Luther Blues

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Fifteen Minutes: A Tribute to the Velvet Underground (1994)

Fifteen Minutes A Tribute to the Velvet Underground (1994)

Puntaje del Disco: 8

  1. Here She Comes Now (Nirvana): 9
  2. Jesus (Swervedriver): 9
  3. Stephanie Says (Lee Ranaldo): 8
  4. All Tomorrow’s Parties (Buffalo Tom): 8,5
  5. I’m Set Free (New F.A.D.S.): 6
  6. Lady Godiva’s Operation (The Fatima Mansions): 5,5
  7. Sunday Morning (James): 8,5
  8. Ocean (Eleventh Dream Day): 8
  9. Foggy Notion (Echo & the Bunnymen): 8
  10. What Goes On (Screaming Trees): 8
  11. She’s My Best Friend (The Wedding Present): 7,5
  12. I Heard Her Call My Name (Half Japanese): 5,5
  13. Pale Blue Eyes (The Mock Turtles): 8
  14. European Son (Ride): 7,5

Fifteen Minutes, como el título lo sugiere, es un disco tributo a The Velvet Underground armado por bandas de los noventa/ochenta  que en cierto punto le rinden homenaje al grupo que fue una gran influencia para ellos. Lo interesante de este compilado es que colaboran varios artistas de rock alternativo, algunos de mucho renombre como Nirvana, Lee Ranaldo y Echo & the Bunnymen, y otros un tanto más desconocidos pero que tienen talento como Swervedriver. De hecho, es un muy buen disco para conocer grupos que se encuentran más en las capas del under.

El compilado es interesante porque las bandas imprimen su propio sonido a clásicos de la Velvet. Y hay algunos muy buenos resultados como «Here She Comes Now», donde Nirvana lo reversiona con sus grunge visceral, y  “Jesus”, interpretada Swervedriver levantando el tema hacia un estilo más psicodélico y espacial. Otros destacados son “All Tomorrow’s Parties», con Buffalo Tom haciendo una versión con guitarras distorsionadas muy de rock alternativo que no tiene que envidiarle mucho a la original, y «Sunday Morning», a cargo de James que entona con una voz similar a la de Lou Reed e incorpora versos de otros clásicos como “Heroin” y “Sweet Jane”. Por su parte, «Stephanie Says” está a cargo de Ranaldo, es agradable pero no tiene el encanto que le imprime Lou Reed y la Velvet. Y Echo & the Bunnymen hace una versión de «Foggy Notion» con mucho ritmo.

Pero el disco tributo también tiene sus puntos bajos. Por ejemplo, New F.A.D.S. hace una versión muy funk de «I’m Set Free» para mi gusto, no tiene la mística de la original. The Fatima Mansions reversiona «Lady Godiva’s Operation», pero ni siquiera suena a The Velvet Underground, es más bien un new wave electrónico ochentoso ridículo. Y por último, «I Heard Her Call My Name» de Half Japanese es noise rock pero en un nivel monótono.

De todas formas, Fifteen Minutes es un tributo con sus atractivos. Nirvana tocando «Here She Comes Now» es como una joyita escondida que no muchos conocen. Aun así, recomendamos escuchar las versiones originales, porque la Velvet Underground fue grande e importante en serio.

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Entrevista a Atlante

prensa

Atlante, grupo de Buenos Aires, creado por Ramiro Pinto, a quien luego se le sumó Juan Manuel Lascano en Bateria y German Lentino (de 7 Delfines y Pánico Ramirez) en Bajo, nos brindó esta entrevista en la que hablan sobre ellos y su muy buen segundo disco “Nomade” lanzado el año pasado, que pueden escuchar gratis desde AQUÍ.

¿Cómo definirían a Atlante para captar la atención de nuevos oyentes?

Expansión Sónica.

¿Se sienten un típico “Power Trío”? ¿Se inspiraron en alguna otra banda caracterizada por esta cualidad?

No. Un «típico power trío» tiene otros condimentos sonoros. Nosotros estamos al servicio de la canción ante todo.

El trío se fue gestando de manera itinerante. Alguna vez fuimos dúo.

¿Qué evolución notan si comparan “Nomade” respecto de su álbum debut?

Nomade es un disco más elaborado. Tuvo muchos meses de preproducción en donde alcanzamos puntos altos en cada tema.

¿El nombre “Nomade” tiene un sentido itinerante? ¿Por qué razón eligieron ese nombre para su nuevo disco?

Nomade surgió del caos. De muchas zapadas en nuestra sala. Fue un periodo de ensayos de constante movimiento.

Los temas aparecían, se concretaban para luego volver a cambiar.
Un nomade siempre está en movimiento, tiende al cambio. Algo de eso nos sucedió en la gestación del disco.

¿Qué otros grupos argentinos les gustan de la actualidad?

A mí me gusta mucho Vumetro.

¿Por qué la máscara?

Cuando surgió la idea de «Nomade», junto con Mauro Franceschetti (quien estuvo a cargo de la foto de la tapa) empezamos a pensar en un personaje.

La máscara simboliza el asfixie, el encierro, la maquinita idiota que no cesa de girar en nuestras cabezas.

Pensamos que este Nomade podría ser alguien del mañana. De un porvenir nefasto, apocalíptico. Un nomade convocado a observar en silencio el suceso cotidiano que padecemos.

¿Qué se viene de Atlante próximamente?

Mucha actividad. Mientras esperamos el video clip del corte «nomade convocado» vamos a salir a tocar fuera de capital. También acabamos de rodar un mini acústico en la Ciudad de Rojas. Reversionamos algunas de las canciones del disco.
A seguir presentando el disco.

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The Bridge: A Tribute To Neil Young (1989)

The Bridge A Tribute To Neil Young (1989)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Barstool Blues (Soul Asylum): 8,5
  2. Don’t Let It Bring You Down (Victoria Williams): 8
  3. After the Gold Rush (The Flaming Lips): 9
  4. Captain Kennedy (Nikki Sudden): 8,5
  5. Cinnamon Girl (Loop): 8,5
  6. Helpless (Nick Cave): 8,5
  7. Winterlong (Pixies): 9
  8. Computer Age (Sonic Youth)8
  9. Only Love Can Break Your Heart (Psychic TV): 7
  10. Lotta Love (Dinosaur Jr.): 7,5
  11. The Needle and the Damage Done/Tonight’s The Night (Henry Kaiser)9
  12. Mr. Soul (Bongwater): 7
  13. My My, Hey Hey (Out of the Blue) (B.A.L.L.)8
  14. Words (Between The Lines Of Age) (Henry Kaiser)7,5

Un disco tributo en honor a un grande como Neil Young siempre es una buena idea. Más aún si esta interpretado en su mayoría por grupos crecientes del rock alternativo de la década del ochenta y si las ganancias son donadas a The Bridge School, una entidad que desarrola y utiliza tecnología para ayudar al aprendizaje de niños con discapacidad. El resultado de esta empresa fue The Bridge: A Tribute to Neil Young, editado hace ya casi veinti y cinco años en Julio de 1989.

Pergeniado por el director Terry Tolkin a lo largo del track list repleto de temazos del artista canadiense, tiene tantos de altisimo nivel que había bastante material para elegir, nos encontramos con artistas que respetaron casi a rajatablas a la versión original y otros que se distinguieron con su interpretación personal, que son quizás los casos más a tener en cuenta y a valorar más.

Entre los nombres más notables que formaron parte de este proyecto podemos citar a distinguidos artistas como Nick Cave con “Helpless”, The Flaming Lips con “After the Gold Rush”, Pixies con “Winterlong”, Sonic Youth con “Computer Age” y Dinosaur Jr. con “Lotta Love”. Algunos menos conocidos pero que dieron el clavo con su interpretación son Soul Asylum en “Barstool Blues”, Nikki Sudden en “Captain Kennedy” y Loop en “Cinnamon Girl”. Una linda excusa para disfrutar de las maravillosas composiciones de este enorme compositor y artista.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Onda Vaga – Fuerte y Caliente (2008)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Vaguiseñal: 7
  2. Parque: 7,5
  3. Sequía de Amor: 8
  4. Cómo Que No?: 7
  5. Me Pega Fuerte: 7,5
  6. Cartagena: 7
  7. Havana Affair: 7
  8. Ir al Baile: 6,5
  9. Va al Oeste: 7
  10. Gilda: 7,5
  11. El Experimento: 8
  12. Mambeado: 9
  13. Te Quiero: 7
  14. Rayada: 7,5

Desde su formación en las bohemias playas de la localidad uruguaya de Cabo Polonio, en el partido de Rocha, en aquel verano de 2007 hasta su primer concierto en Buenos Aires en Agosto de ese mismo año, Onda Vaga se dedicó a perfeccionar su sonido y su identidad que se caracteriza no solo por el rock sino también por la fusión del mismo con reggae, folk rock, rumba, entre otros.

Al poco tiempo llegaría su primer, titulado Fuerte y Caliente, editado en forma independiente en Septiembre de 2008, pero aún así logrando bastante atención y llegando a ser mencionados como revelación en varias publicaciones. En ese mismo año logran formar parte de un festival masivo de rock con nombres ilustres como R.E.M. y The Jesus & Mary Chain, entre otros.

Fuerte y Caliente es un álbum agradable y entretenido ideal para escuchar relajado en una tarde soleada, hay temas como “Sequía de Amor”, “El Experiment” y “Mambeado” que sobresalen claramente del resto pero a su vez hay perlitas interesantes como el cover de los Ramones “Havana Affair” y “Gilda” con la participación de una eminencia del rock nacional como Fito Paez.

Los “vagos” continuarían creciendo con el correr de los años, llegando a ser invitados por grosos como Manu Chao para abrir sus shows en Buenos Aires y hasta girar por Europa en más de 20 ciudades en 2009,  y pasarían de ser conocidos por una minoría a lo que son hoy uno de los grupos de mayor proyección dentro del rock alternativo argentino.

F.V.

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Hard to Believe: A Kiss Covers Compilation (1992)

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Puntaje del Disco: 7

  1.  Detroit Rock City (Bullet LaVolta): 8
  2. Parasite (Smelly Tongues): 7
  3. Snowblind (Skin Yard): 7
  4. Deuce (Hellmenn):  6
  5. Christine 16 (All): 7
  6. Dr. Love (Hullabaloo): 6
  7. God of Thunder (Melvins): 7.5
  8. Beth (Coffin Break): 5
  9. Rip It Out (Chemical People): 6.5
  10. I Want You (King Snake Roost): 7
  11. Do You Love Me? (Nirvana): 6
  12. Lick It Up (Hard-Ons): 6.5

Entre los distintos álbumes tributo a KISS, tal vez el más destacado haya sido Hard to Believe: A KISS Covers Compilation; no sólo por ser el primer disco editado homenaje a una de las bandas más longevas en la historia del rock, sino también por la calidad de las bandas y artistas que a principios de los años noventa participaron y que tiempo después, sus carreras siguieron por la senda del éxito.

El caso más resonante es la versión de Nirvana de “Do You Love Me?”, que por entonces aún no había explotado como la banda ícono del grunge, y que contó con Jason Everman en guitarra, siendo uno de los dos únicos temas grabados con su participación. Aunque esta interpretación del clásico de Kiss muestra que todavía Nirvana estaba en búsqueda de su sonido, el disco presenta mejores versiones, como es el caso de “Detroit Rock City” a cargo de Bullet LaVolta, que le imprimió una impronta más rockera que el tema original.

Más adelante está una versión bastante pop de «Christine 16» por parte de All y Melvins se encarga de encausar el disco nuevamente hacia el poderoso sonido de Kiss con «God of Thunder». Coffin Break, en cambio, no da en la tecla con esa versión acelerada de «Beth» que destiñe completamente al gran clásico.

En el final Hard-Ons cierra con una aceptable interpretación de «Lick it Up» este interesante material tributo a una de las bandas más seguidas e imitadas del rock.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 3)

Festival de Discos Tributo

Queen Playmovil
No son las verdaderas bandas las que tocan, pero son muchos los que alguna vez quisieron rendirle homenaje. Así fueron naciendo los «Discos Tributo», que no es otra cosa que un álbum de covers.

Algunos como compilados de grandes clásicos de algún grupo o artista en particular interpretado por varias bandas. Aunque a veces el homenaje lo lleva a cabo un solo artista hacia el otro. Y también están los que homenajean a un álbum exitoso en lugar de a una banda en concreto. Algo frecuente en discos como Dark Side of the Moon y Sgt. Pepper.

Está semana disfrutaremos de reseñas de Discos Tributo, porque pese a no ser clásicos en su forma original, hay nuevas versiones que verdaderamente valen la pena.

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King Tuff – Black Moon Spell (2014)

King Tuff - Black Moon Spell (2014)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Black Moon Spell: 8,5
  2. Sick Mind: 7
  3. Rainbow Run: 7,5
  4. Headbanger: 8,5
  5. Beautiful Thing: 8
  6. I Love You Ugly: 6,5
  7. Magic Mirror: 7
  8. Madness: 7
  9. Demon From Hell: 7,5
  10. Black Holes in Stereo: 8
  11. Radiation: 7
  12. Eyes of the Muse: 7,5
  13. Staircase of Diamonds: 7,5
  14. Eddie’s Song: 7,5

Si te gusta el Garage Rock Revival con toques de Glam que han presentado artistas como Ty Segall, entonces no puedes dejar pasar la oportunidad de escuchar a King Tuff que en su tercer trabajo Black Moon Spell ha creado un disco fresco y juvenil que se desenvuelve entretenidamente a lo largo de sus 41 minutos de duración.

King Tuff es Kyle Thomas, un alocado y divertido sujeto que tiene carisma tanto en su persona como en su música, tan solo basta ver sus imágenes en google y ver sus múltiples expresiones faciales hiperactivas o entrar a su caricaturesca pagina web para darnos cuenta de que es alguien que se deja llevar por su euforia y locuras musicales, hablando sobre Black Moon Spell, Tuff menciona “Cada canción [En Black Moon Spell] fue escrita sin importar un mínimo carajo sobre nada” añade además que “Por alguna razón nadie puedo explicar como el Black Moon Spell llegó a existir. Simplemente apareció un día y demandó música de rock pesado y submarinos de albóndigas” ¿Cómo se creó el disco? “El fuego jugó un rol muy importante en la creación de este album. King Tuff ama el fuego”… creo que estas declaraciones dejan bien claro qué clase de artista es Kyle Thomas.

En fin, al enfrentarnos “al hechizo de la luna negra” nos topamos con canciones coloridas, enérgicas y de un sonido saturado con riffs de guitarras sucios y las letras humorísticas y demenciales de K.T. El Power Pop y el Glam Rock de los 70s se respiran en todo el disco, de hecho la interpretación de Thomas es de lo más cercano que me he encontrado al legendario icono glam Marc Bolan de T. Rex.

Con temas como “Black Moon Spell” (respecto a la cual he de decir que tiene uno de los mejores riffs del año 2014), la salvaje y pegadiza “Headbanger” y la punkera “Black Holes in Stereo” no hay momento para el aburrimiento y dejan a Black Moon Spell como un disco muy divertido y con atractivo.

Gera Ramos

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Entrevista a Riel

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Riel, el dúo de garage rock comandado por Mora Riel (guitarra y voz) y German Loretti, se estará presentando hoy (13/3/2015) en el ciclo musical “No Toques Bajo” en el Espacio Cultural Casa Tomada (Godoy Cruz 1325, Buenos Aires). En la previa a su show, brindaron esta entrevista donde nos cuentan un poco de todo, incluido su último disco “En Viaje”, lanzado en el 2014, que pueden escuchar desde AQUÍ.

Presenten a Riel en pocas palabras para que la gente los vaya a ver en su próxima presentación.

Armonioso caos de contratiempos y canciones deformes.

¿Cuáles dirían que son las ventajas de ser solo dos? ¿Se imaginan a Riel como un grupo más grande en el futuro?

Ser dos nos hizo buscar y experimentar un sonido propio, especial para nuestra formación guitarra-batería. Nos imaginamos siempre como dúo porque ya encontramos ese sonido que nos gusta mucho y dentro del cual seguimos experimentando. Al momento de juntarse a ensayar o salir a tocar, claro que hay ventajas porque solo tenemos que ponernos de acuerdo entre nosotros dos.

¿Qué otros dúos de la actualidad los inspiraron o les gustan?

La verdad es que no hay ningún dúo en particular que nos encante, hay muchas bandas que nos inspiran pero con otras formaciones. Tal vez por eso mismo nos interesó este formato, para darle una vuelta de tuerca. Igual dentro de la movida de Buenos Aires hay y están surgiendo muchos dúos lindos como Di Giovannis, Esquizofrénicos o Los Curadores y demás bandas que pasaron y van a pasar por el ciclo «No Toques Bajo”.

¿Qué es lo que más destacan de su nuevo disco “En Viaje”?

La evolución del sonido y la composición de las canciones.

¿Qué significa para ustedes formar parte del ciclo de dúos “No Toques Bajo”?

Es un honor.
¿Cómo se imaginan evolucionando a Riel de acá a 10 años?

Jaja. La verdad es que no nos imaginamos eso. Vamos fluyendo según lo que vamos sintiendo musicalmente.

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