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Entrevistas, Rebel

Entrevista a Rebel

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Retomamos las entrevistas en Persi Musica. Esta vez tenemos la oportunidad de conocer a Rebel, una banda de Metal de Tucumán, Argentina. Su cantante, José Gabriel Cecenarro, y su guitarrista, Santiago Bazan, nos cuentan sobre ellos, su primer disco «Despertar Germinal» y sus próximos pasos.

Para quienes todavía no tuvieron la oportunidad de escucharlos, ¿qué es lo que destaca a “Rebel” respecto a otras bandas de metal? 

No creemos que Rebel se destaque sobre otras bandas de metal  ya que no pensamos que esto sea una competencia, simplemente estamos convencidos de que lo que hacemos es genuino, sin recetas preestablecidas, no nos cerramos en un solo estilo sino que jugamos con lo que nos gusta a cada uno y eso quizás le da un perfil y un sonido particular a la banda.

¿Por qué eligieron el nombre “Rebel” para la banda?

Lo elegimos después de una larga discusión y posibilidades, porque resume la intención del mensaje que intentamos compartir: rebel es la raíz de palabras con una fuerte carga de significado para nosotros, como rebelar, rebelión… y las letras muestran cómo lo sentimos.

¿Qué es lo que más les gusta de su primer disco «Despertar Germinal»?

Que lo pudimos grabar al fin, después de muchas idas y venidas jajaja. En verdad es el corolario de muchos años de trabajo y de consolidación como grupo humano, sobre todo. Además es nuestro despertar a la música desde el germen de aquél primer ensayo en 2011, así que es invaluable por todas las puertas que nos está abriendo. Una de las cosas que más nos gusta de este disco es la diversidad de canciones y el mensaje que llevan sus letras, es bastante conceptual.

¿Qué opinan del Metal de hoy en día?

Está como en una transición, con estilos nuevos que desde la periferia intentan instalarse, como ha pasado con el nü metal en algún momento, mientras lo más tradicional rechaza esos cambios… son movimientos culturales de época que son cíclicos, y no pasa solo en el metal, ¿no? Sin embargo hay un montón de producción y de cosas nuevas que van gestando y eso no puede ser nada malo para la música. Después cada uno elige lo que más le gusta, pero lo bueno es tener opciones de distinta naturaleza, y si es novedoso mejor.

¿Cómo es la movida del Metal en Tucumán y el norte del país?

Sinceramente, en Tucumán hay una movida increíble, llena de bandas, y actualmente con muchos discos en la calle y otros produciéndose. El plus es que son bandas de una calidad tremenda, con buen sonido, buenas composiciones, buen toque en vivo, distintos estilos… hay que sostenerla y cuidarla, porque es muy valiosa. Ojalá empiece a tener mayor difusión.

¿Sienten que tiene la suficiente difusión?

Podría tener mayor difusión y mayor apoyo, pero es un proceso que parece ir tomando forma. Aquí en el norte hay un gran porcentaje de bandas que son autogestionadas, por no decir todas. El público es el que mayor conciencia debe tomar, impulsado por lo que hacen las bandas también para difundirse.

¿Con quién soñarían compartir escenario?

Hemos soñado muchas cosas y algunas se nos dieron… vamos construyendo nuestros sueños de a poco, agradeciendo lo que el camino nos ofrece y podemos alcanzar… En Argentina pudimos compartir escenario con bandas realmente geniales como lo son los amigos de No Guerra, Plan 4, Sobre Tus Cenizas,Mastifal, así como también con bandas icónicas como A.N.I.M.A.L., Malón, Avernal, son pequeños gustitos que nos vamos dando en este camino que vamos recorriendo.

¿Cuáles son los próximos proyectos de Rebel?

Este fin de semana que pasó tuvimos las últimas 3 fechas del año, una de ellas en Bolivia junto a No Guerra (Bs.As.) un festival al aire libre con más de 20 bandas en escena, fue una gran experiencia viajar a otro país con nuestra música y compartir con un público distinto. Actualmente estamos en proceso de composición, tenemos 3 canciones nuevas que hace un tiempo hemos agregado a nuestro set y fueron bien aceptadas, y un par más que están siendo trabajadas así que los mayores objetivos para 2018 son, por un lado, tratar de componer temas en vistas de un segundo disco, y por otro, el estreno de uno o dos videoclips para dar una culminación a Despertar Germinal.

Para conocer más sobre Rebel les dejamos todos sus links:

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Stone Sour

Stone Sour – Stone Sour (2002)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Get Inside: 8
  2. Orchids: 8,5
  3. Cold Reader: 7,5
  4. Blotter: 8
  5. Choose: 7,5
  6. Monolith: 7,5
  7. Inhale: 8
  8. Bother: 9
  9. Blue Study: 7
  10. Take a Number: 7,5
  11. Idle Hands: 8
  12. Tumult: 8,5
  13. Omega: –

Como ocurre habitualmente los proyectos alternativos de un artista popular son a veces más ricos que los del grupo que los popularizó. Este es el caso de Corey Taylor famoso líder y vocalista de Slipknot, que con su otra banda Stone Sour demuestra que verdaderamente puede cantar en lugar de sus gritos y aullidos característicos en su banda más conocida.

La banda de hard rock y metal Stone Sour se formó en Iowa, Estados Unidos, a principios de los noventa cuando Taylor unió fuerzas con el baterista Joel Ekman, el bajista Shawn Economaki y el guitarrista Josh Rand pero no pasaría de grabar un par de demos sin mucha repercusión.

En 1997 Corey recibió la oferta de Slipknot para reemplazar a su vocalista original y desde entonces gozaría de mucha repercusión desde el lanzamiento de su primer trabajo en 1999, Slipknot. Después del lanzamiento de Iowa (2001), Corey se reunió inmediatamente con sus ex compañeros de Stone Sour y desde entonces alternaría entre ambos.

Con algunas de las grabaciones de demos de mediados de los noventa y nueva música Stone Sour grabaría su homónimo disco debut en 2002. La formación de Taylor, Rand, Economaki sumados a Jim Root (guitarrista de Slipknot) funcionó de maravillas en este resurgimiento del grupo. Alejados del Nu Metal de Slipknot, Stone Sour demuestra una búsqueda mucho más madura de metal alternativo y hard rock, mas cercana a bandas como Soundgarden o Alice in Chains capaces de crear melodías distinguidos en “Bother”, todo esto sin dejar de lado la potencia e intensidad en temas como “Get Inside”, “Tumult” y “Orchids”.

Stone Sour es una agradable sorpresa que revela la diversidad vocal de Corey Taylor y en el mismo tono las composiciones tampoco defraudan, redondeando un atractivo álbum de principio a fin.

F.V.

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Green Day

Green Day – Revolution Radio (2016)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Somewhere Now: 7
  2. Bang Bang: 8
  3. Revolution Radio: 7
  4. Say Goodbye: 5
  5. Outlaws: 5
  6. Bouncing Off the Wall: 5
  7. Still Breathing: 6
  8. Youngblood: 4,5
  9. Too Dumb to Die: 6,5
  10. Troubled Times: 7
  11. Forever Now: 8
  12. Ordinary World: 6,5

La noticia de que Green Day estaba grabando un nuevo álbum no me movió un pelo en un principio. Desde la trilogía de ¡Uno!, ¡Dos!, y ¡Tre! no tenía mucha fe en la banda. Pero cuando salió el primer single, Bang Bang, quede impresionado. Un muy buen tema, punk del bueno, con un riff copado, muy parecido al Territorial Pissings de Nirvana, pero con esa onda que solo Green Day nos puede ofrecer. Parecía que finalmente el grupo recuperaba su esencia. Estaba realmente emocionado con la salida del disco.

Cuando finalmente pude escuchar el álbum me choqué con una realidad que hasta el momento no había querido aceptar: Green Day perdió su grandeza hace tiempo, y no creo que en algún momento la recupere. Se convirtieron en una banda totalmente comercial. En un intento desesperado por vender más, grabaron este álbum que en mi opinión no es más que una copia (bastante peor) de su gran éxito American Idiot.

El disco arranca con “Somewhere Now”, un tema bastante de la onda de The Who, que empieza como un acústico y después muta a un estilo más rockero que punk. Después viene la parte más rescatable del disco, la furiosa “Bang Bang” (que cada vez que la escuchó me suena más parecida al tema “St Jimmy” del ya mencionado American Idiot) y el segundo single, “Revolution Radio”, un punk pop bastante agradable.

Y acá es cuando el álbum comienza a decepcionar, con los cortes “Say Goodbye” y la insoportable “Outlaws”, temas faltos de inspiración, bastante malos. El segundo más que nada, que en sus cinco minutos de duración aburre más que cualquier otra canción del LP.

Cuando salió el tercer single, “Still Breathing”, me pareció malísimo, un intento desesperado por pegar un hit. Sin embargo, luego de varias escuchas le fui tomando el gusto. No es la gran cosa y es notablemente inferior a “Bang Bang” y “Revolution Radio”, pero no es mala.

Entre de varios temas bastante olvidables como lo son “Bouncing Off the Wall”, “Too Dumb to Die” y “Troubled Times”, nos encontramos con probablemente lo más horrible del disco, “Youngblood”. Un riff malísimo y un estribillo pegadizo estirado hasta el hartazgo forman este corte que es simplemente insoportable.

Más adelante nos encontramos con “Forever Now”, un tema de casi siete minutos de duración muy bueno que saca a flote por un momento a un álbum que ya estaba casi completamente hundido en lo mediocre. Finalmente, el disco cierra con “Ordinary World”, una balada acústica bastante linda y con aire nostálgico.

Con la trilogía, Green Day intentó de alguna forma expandir sus fronteras musicales, fracasando rotundamente y generando un gran disgusto entre los fans. En cambio, Revolution Radio parece un paso atrás, un intento de revivir las viejas glorias de American Idiot y 21st Century Breakdown. Sin embargo, copiarse de si mismos no significa recuperar la esencia que los hizo grandes. Y eso es lo que representa Revolution Radio para mí, un mal plagio de Green Day, por Green Day.

Juanse el Mono

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Traffic

Traffic – John Barleycorn Must Die (1970)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Glad: 8,5
  2. Freedom Rider: 9
  3. Empty Pages: 8,5
  4. I Just Want You to Know: 7,5
  5. Stranger to Himself: 7,5
  6. John Barleycorn: 9
  7. Every Mothers Son: 8
  8. Sittin’ Here Thinkin’ of My Love: 6,5

Tras la salida del guitarrista Dave Mason y con Steve Winwood más preocupado por la reunión de Blind Faith y por su carrera solista, parecía que Traffic había llegado a su fin, o por lo menos a un periodo de receso prolongado. Hasta que finalmente Winwood se reuniría con Jim Capaldi y Chris Wood para volver a darle vida a Traffic lanzando John Barleycorn Must Die. Sin embargo, más que un disco de Traffic parece más bien un álbum solista de Winwood, ya que no solo compone y monopoliza todo el trabajo, sino que toca casi todos los instrumentos. Mientras que el aporte de Capaldi se limita a la batería (y alguna interpretación vocal) y el de Wood a los instrumentos de viento.

Ahora bien, John Barleycorn Must Die es un muy buen disco, en el que combinan distintos tipos de géneros. Aparecen Blues y Jazz Rock en temas como “Glad”, demostrando el muy buen despliegue instrumental de la banda. “Every Mothers Son” tienen un estilo parecido al del Rock Sureño que pregonaban los Allman Brothers. También hay influencias progresivas en canciones como “Empty Pages”, que parece un hit de Genesis. Aunque las mejores son aquellas en las que aparece esa flauta a la Jethro Tull como “Freedom Rider” y el tremendo Folk Rock acústico “John Barleycorn”.

Por eso es un disco bastante sólido, algunos de hecho destacan a John Barleycorn Must Die como un clásico indiscutido de Traffic. Sin embargo, no llega a niveles superiores porque tiene un estilo más bien convencional, que no sorprende. De todas formas, John Barleycorn Must Die es un álbum destacable dentro del catálogo de Traffic (o de Steve Winwood).

Persy

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Morphine, Novedades de la pagina

Morphine – Like Swimming (1997)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Lilah:
  2. Potion: 7
  3. I Know You (Pt. III): 7
  4. Early to Bed: 8
  5. Wishing Well: 7.5
  6. Like Swimming: 7
  7. Murder for the Money: 7
  8. French Fries w/Pepper: 7
  9. Empty Box: 7
  10. Eleven O’Clock: 8
  11. Hanging on a Curtain: 7
  12. Swing It Low: 7

Después de dos años de giras, en 1997 Morphine lanzó Like Swimming, su cuarto material de estudio, y el primero bajo la órbita de Dreamworks. Si bien tuvo buena repercusión y buenas críticas, no alcanzó el éxito que había tenido Yes, de 1995.

«Early to Bed», impulsado por el humorístico video, se convirtió en uno de los temas más resonantes y favoritos entre los seguidores del banda. Otros temas como «Eleven O’Clock» y «Swing It Low», también se destacan, afirmando el estilo que el grupo venía haciendo.

Like Swimming es un disco sólido e interesante y aunque quizás no tuvo el impacto de los materiales anteriores, es un álbum que no decepciona.

Piro

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Vetamadre

Vetamadre – Ruido del Mundo (1999)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Canción Idiota: 8
  2. Allá Afuera: 7,5
  3. Cayéndome: 7,5
  4. Foto: 7
  5. Sin Dudar: 8
  6. Casi Nada: 8
  7. A Volar: 7,5
  8. Atilio: 8
  9. Ruido del Mundo: 9

La historia de la banda argentina de rock alternativo, Vetamadre, se bifurca en dos caminos que se unen para conocer a la banda tal cual la conocemos en la actualidad.

La genesis del grupo data de 1985 cunado un grupo de seis jóvenes porteños deciden fundar Veta Madre (con espacio). Llegaron a ser un número conocido para finales de los ochenta en el under capitalino. En 1994 luego de algunos cambios de formaciones consiguieron grabar su primer disco, sin demasiado suceso.

La otra historia para entender a Vetamadre es la de su actual cantante y líder Julio Breshnev. Julio en los ochenta lideró Cosméticos, un conjunto de pop y new wave mucho más destacado que llegó a grabar varios largas duración y a tocar en prestigiosos programas de televisión de la época como Feliz domingo, Sábados de la bondad, Mesa de Noticias, La noticia rebelde, Badía y Cía, entre otros. Tras la separación de Cosméticos Breshnev intenta una carrera solista y luego se va a vivir a Estados Unidos y a su vuelta al país forma parte de programas televisivos y actúa en obras de comedia musical.

Nada hace pensar que estas dos historias se unirían en algún punto, pero fue en el año 1996 luego del alejamiento del cantante Marcos Ribot que Veta Madre necesitó un nuevo vocalista y Julio Breshnev, que contaba con experiencia y reconocimiento artístico tomara su lugar.

El rumbo artístico de la banda cambia rutandamente y junto a tres integrantes fundacionales Marcelo Monte (bajo), Martín Dejean (teclados) y Federico Colella (batería) Breshnev se tomaría el control de la guitarra y la voz principal y se rebautizan como Vetamadre (sin espacio).

Con esta nueva formación la banda se consolida y graban su primer trabajo discográfico oficial, titulado Ruido del Mundo (1999), titulado así como la canción principal y fundamental de la obra. Un rock alternativo maduro y relajado con cosas de Radiohead, Oasis, Coldplay, por nombrar algunas influencias. Esta oferta renovadora es lo que cultiva Vetamadre en este muy buen inicio de una banda que continúa vigente y hoy es considerado de culto dentro de la escena del rock nacional.

F.V.

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David Bowie

David Bowie – VH1 Storytellers (2009)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Life on Mars?: 7
  2. Rebel Rebel: 4
  3. Thursday’s Child: 8
  4. Can’t Help Thinking About Me: 7
  5. China Girl: 8
  6. Seven: 8
  7. Drive-In Saturday: 9
  8. Word on a Wing: 8

DVD bonus:

  1. Survive: 7
  2. I Can’t Read: 6
  3. Always Crashing in the Same Car: 10
  4. If I’m Dreaming My Life: 7

Si trabajos en vivo como Serious Moonlight o Glass Spider retratan a David Bowie como la artificiosa megaestrella de grandes estadios en la que se convirtió en los 80, el íntimo VH1 Storytellers es su némesis absoluto, y una clara evidencia de lo incómodo que se sentía en el papel de ídolo pop mundial, más allá del éxito y los millones cosechados. A lo largo de esta presentación grabada para la segunda cadena televisiva de videos más importante, Bowie se muestra divertido, confidente (aunque sabiendo muy bien qué guardarse), relajado, reflexivo y parlanchín. Esto último un requisito indispensable, dada la premisa del show, consistente en que, entre canción y canción, los artistas comenten anécdotas sobre su composición o su vida en ese momento.

Ya entrado en sus 50, en las agonías del siglo XX, Bowie lucía más joven con su pelo largo rubio ceniza, sus pantalones casuales y su buzo deportivo que con los rimbombantes trajes y peinados alla Bart Simpson que había ensayado en los cuatro años previos a la grabación de este material, coincidente con la salida de su álbum «hours…», uno de los más subestimados de su carrera. Entre anécdota y anécdota (imperdibles, la mayoría de ellas), el cantante obsequia varios de sus grandes clásicos, presenta sus (por entonces) nuevos temas («Thursday’s Child», «Seven», «Survive», «If I’m Dreaming My Life») y hasta se anima a desenterrar una oscura canción de la prehistoria de su carrera, «Can’t help thinking about me», la primera en ser editada con «Bowie» reemplazando su original apellido, Jones.

El carácter intimista del show lo convierte en lo más parecido a un «Unplugged» que Bowie haya grabado. Si bien no hay temor a usar instrumentos eléctricos, varios temas fueron arreglados en versiones acústicas, como la sobresaliente «Always crashing in the same car».

Grabado en Nueva York el 23 de agosto de 1999, pero editado una década después, «VH1 Storytellers» es un disco corto, sencillo y efectivo, perfecto para escuchar con luces bajas y una copa en la mano.

Camilo Alves

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Jimi Hendrix

Jimi Hendrix – People, Hell and Angels (2013)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Earth Blues: 7,5
  2. Somewhere: 9
  3. Hear My Train A Comin’: 8,5
  4. Bleeding Heart: 7
  5. Let Me Move You: 6,5
  6. Izabella: 8
  7. Easy Blues: 7
  8. Crash Landing: 7
  9. Inside Out: 7,5
  10. Hey Gypsy Boy: 7
  11. Mojo Man: 6,5
  12. Villanova Junction Blues: 7

Bajo el título People, Hell & Angels fue bautizado otro de las tantos álbumes editados del gran Jimi Hendrix posterior a su muerte, lanzado en Marzo de 2013 con la producción del ingeniero de sonido histórico de Hendrix el sudafricano Eddie Kramer.

En esta ocasión nos encontramos con doce grabaciones inéditas de temas grabados durante sesiones en los años 1969 y 1968, en los que Jimi estaba trabajando para lo que se había previsto que sea la continuación de Electric Ladyland cuyo nombre tentativo fue First Rays of the New Rising Sun.

Los tracks, grabados en una excelente calidad, nos dan un pantallaso de la dirección que el “dios de la guitarra” le intentaba dar a su carrera, tocando en un elevado nivel y mezclando su blues rock característico con soul y jazz.

“Somewhere” es lo mejorcito de un material que también incluye sólidas versiones de estudio de las ya conocidas, “Hear My Train A Comin’” y “Izabella” como principal novedad.

En conclusión, si bien siempre es interesante escuchar cosas nuevas de una leyenda del rock, pocas canciones logran captar demasiada atención, lo que lo convierte en una publicación recomendada exclusivamente para fanáticos y coleccionistas, comparado con sus grandes álbumes de su período de actividad.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)
Sparks

Sparks – Propaganda (1974)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Propaganda: –
  2. At Home, At Work, At Play: 9
  3. Reinforcements: 8,5
  4. B.C.: 8,5
  5. Thanks But No Thanks: 9
  6. Don’t Leave Me Alone With Her: 8
  7. Never Turn Your Back on Mother Earth: 9
  8. Something for the Girl With Everything: 9,5
  9. Achoo: 9
  10. Who Don’t Like Kids: 8
  11. Bon Voyage: 9,5
  12. Alabamy Right: 9
  13. Marry Me: 9

Cada vez que escucho a Sparks me carcome el interrogante de cómo es posible que este grupo notable no tuvo mayor éxito en los setentas. Ya habían demostrado lo geniales que podían llegar a ser en sus primeros discos, llegando a su pico artístico máximo en Kimono My House. Muchos grupos después de alcanzar este nivel caen estrepitosamente. Pero no fue el caso de Sparks. Si bien Propaganda, su sucesor, no está a la altura de Kimono (porque es muy difícil repetir su perfección), es un disco excelente.

Propaganda es como una segunda parte de Kimono, pero ligeramente inferior. Perpetúa el mismo estilo en esa mezcla de Glam Rock y Art Rock, de letras irónicas, con canciones de melodías muy buenas, con ganchos melódicos Pop tremendos, con estructuras e ideas originales. Se podría decir que es una receta perfecta en la que combinan el estilo glamoroso de Bowie en los setenta, acompañado de una buena dosis de Queen y condimentado por los Kinks.

Por eso el resultado nuevamente es brillante, pudiéndose destacar a todas las canciones que integrando al álbum, demostrando su irrefutable solidez. Sin embargo, no está a la altura de Kimono My House porque sus clásicos no son tan rutilantes. “Never Turn Your Back on Mother Earth” y “Something for the Girl With Everything” son los Pop Rock que se transformaron en los singles más conocidos del disco. Pero comparado con un clásico descollante (que inspiró a “Bohemian Rhapsody”) como “This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us” se quedan cortos.

De todas formas, Propaganda, al igual que todo lo que los hermanos Mael habían lanzado hasta entonces, es digno de merecer una escucha.

Persy

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)
Jorge Drexler

Jorge Drexler – Bailar en la Cueva (2014)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Bailar En La Cueva: 7,5
  2. Bolivia: 7
  3. Data Data: 6
  4. La Luna De Rasquí: 5,5
  5. Universos Paralelos: 7
  6. Todo Cae: 6
  7. Esfera: 5
  8. La Plegaria Del Paparazzo: 6
  9. La Noche No Es Una Ciencia: 6,5
  10. El Triángulo De Las Bermudas: 5,5
  11. Organdí: 7

El cantautor uruguayo Jorge Drexler experimenta mutaciones y cambios en cada una de sus novedades discográficas, y para el caso de Bailar en la Cueva, editado en Abril de 2014,  se inspiraría en la danza y la música con sabor colombiano.

“Me sorprende la búsqueda de las raíces musicales y, a la vez, de la contemporaneidad de los artistas colombianos», declararía el ganador del Oscar en 2005 al hablar de este nuevo trabajo, el cual fue grabado en 2013 cuando el artista viajó a Bogota para grabar la base del álbum en conjunto a músicos de aquel país. Dos semanas más tarde viajaría a Madrid y junto a su banda habitual le dieron los toques finales a las canciones.

Desde que uno empieza a escucharlo sorprende por ser mucho más rítmico, arriesgado y bailable a lo que nos tiene acostumbrados el uruguayo en su carrera. Si bien esta nueva propuesta encuentra pasajes interesantes como “Bailar En La Cueva”, “Bolivia”, “Universos Paralelos” y “Organdí”, en lineas generales esta intención atractiva termina siendo muy decepcionante teniendo en cuenta lo que sabemos que es capaz de dar.

Bailar en la Cueva cuenta con importantes y diversas colaboraciones. La voz de el mítico cantante brasilero Caetano Veloso en “Bolivia”, el aporte del grupo colombiano Bomba Estéreo en “Bailar en la Cueva”, el rapeo de la franco-chilena Ana Tijoux en “Universos Paralelos” y la producción musical de Eduardo Cabra (Visitante de Calle 13) en “Todo Cae”.

F.V.

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